El papel principal de la ciencia ficción, al menos como me gusta concebirla, no consiste tanto en tratar de adivinar cómo será el futuro de la técnica y la tecnología humanas (es decir, hacer futurología), sino más bien plantearnos escenarios hipotéticos, a veces utópicos, a veces distópicos, que nos ayuden a cuestionarnos los valores y los conceptos que manejamos en nuestro sentido común. Según esta visión (que, obviamente, no me pertenece) la ciencia ficción cumple una función filosófica muy importante.

Rick and Morty, a pesar de ser una serie animada de humor para adultos, cumple muy bien con esa tarea filosófica.

Morty, por un lado, lleva la voz del sentido común, la voz ingenua del adolescente bien educado. En él se pueden escuchar, sobre todo en la primera temporada, los valores tradicionales o del statu quo: defiende, sin cuestionarlas previamente, las ideas de familia, comunidad, amor y monogamia, libertad individual, individualidad (o “cadacualidad”), transparencia de las instituciones, religión, centralidad del ser humano, etcétera.

El abuelo Rick, por otro lado, viejo y sabio a su manera, es el encargado de llevar la voz de la desconfianza hacia todos esos valores. Es el escéptico, el agnóstico, incluso hasta el nihilista, que nos va mostrando en cada capítulo ―a nosotros y a su nieto― los porqués de su descreída personalidad y su angustia existencial. Con él, la ciencia (ficción) se transforma en una herramienta ideal para hacer filosofía. Gracias a sus extravagancias creativas, como el invento de la “pistola de portales” que utiliza para viajar a universos paralelos, logra fijar las condiciones necesarias para cuestionarnos la realidad tal cual es aceptada por nosotros (por ejemplo, llevándonos a mundos paralelos al nuestro).

En términos de relato, entonces, Rick es el encargado de ayudar a Morty a lograr una de las evoluciones del personaje más marcadas que vi últimamente ―evolución que está muy bien acompañada por una buena banda sonora, con canciones como “For the Damaged Coda” de Blonde Redhead y Look On Down From the Bridge de Mazzy Star (que, por cierto, se escuchan en momentos bisagra de la vida de Morty).

Esta serie, por lo tanto, además de ser atrapante y muy divertida, logra lo que no logran muchas otras series que suelen considerarse “más serias”: nos permite realizar otras lecturas sobre la trama o la historia principal, buscarle más sentidos y utilidades para el pensamiento crítico. Por eso, a medida que vaya reviendo la serie (porque se presta para mirarla muchas veces), voy a ir escribiendo en “spoilers” de qué va cada capítulo y cada temporada según las vaya interpretando, qué se cuestiona y qué se pone en juego en cada una.

Una de esas películas que, cuando terminás de verla, sentís que adentro tuyo algo te hizo un clic. Eso te obliga a guardar silencio durante unos minutos, a quedarte quieto y tragar saliva mientras tratás de comprender (en vano) de qué se trata esa ruptura interna.

Es una película a la que no te animás a sacarla hasta que los créditos terminan, porque la música, la música en esta película, no es relleno, es cuerpo, al igual que las texturas, los colores y la simpleza del dibujo. Todo trabaja desde un principio para dejarte una enseñanza de vida de la que, por definición, es imposible apropiarse: tenemos que haber vivido para entenderla, tenemos que estar un paso más allá de lo que nos es dado experimentar, y ese "no sé qué" que queda como resabio después de verla no se va a resolver, no va a obtener respuesta. En esta pequeña familia se entienden perfectamente sin necesidad de pronunciar una sola palabra, sólo mirándose a los ojos (vacíos y oscuros) entienden perfectamente qué está ocurriendo, lo mismo sucede entre la obra y los espectadores.

Tenía pensada una tarde maratónica de películas y empecé con esta. Ahora ese plan me parece imposible.

Tiene el mismo de defecto que Black Mirror: sus premisas resultan tremendamente ingenuas. Pero la diferencia con aquella serie es que ésta pretende ser seria o intenta crear ambientes sublimes para los acontecimientos que se narran. La música, los planos, el suspenso... todo indica que lo que está por occurrir te va a volar la cabeza y termina siendo futurología de revista de chimentos. En cuanto a los hechos políticos (que, por lo que había escuchado sobre la serie, era su lado más impactante o "polémico"), no le encontré la novedad alguna. Leí muchos comentarios al estilo de "el futuro que nos espera" o "hacia donde estamos yendo". Las series ingenuas impresionan a personas ingenuas: gente, esa realidad "distópica" que nos cuenta la serie se vive hace años en todo el mundo, sobre todo este último tiempo.

La comparación con "El Bebé de Rosemary", de Roman Polanski, resulta inevitable. No tanto porque la película de Sebastián Schindel haga uso de alguna de sus ideas o temáticas, sino porque, en tanto que thriller (por cierto, Mauricio Bravo en su crítica ¿nos dice que esta película pertenece al género terror? ¿What?), "El Hijo" logra alcanzar casi los mismos niveles de tensión y de suspenso al que Polanski nos tiene acostumbrados.

Hablar de "copia devaluada", como leí por ahí, o de imitación me parece, además de una falta de respeto a la obra de cualquier director/a, muestra de una peligrosa ignorancia y falta de perspectiva. ¿Acaso "El Bebé de Rosemary" no hace uso de recursos tremendamente repetidos a lo largo de la historia? A fin de cuentas, no estamos hablando más que de arquetipos y mitologemas occidentales que se repiten una y otra vez a través de relatos, películas, canciones, etc., aunque siempre desde diferentes situacionalidades (de allí la idea de "originalidad"). Entonces, decir que esta película es una copia, teniendo tantos elementos distintos, en un contexto social y tecnológico tan diferente (mientras que en la de Polanski se habla de magia negra, en "El Hijo" se habla de ciencia) me parece totalmente injustificado.

Pero, más allá de esta comparación casi obligada con la película de Polanski, “El Hijo”, a mi parecer, es una película que se vale por sí misma y merece ser mirada. Introduce, aunque muy por arriba, nociones del mundo de las matemáticas y la física (con un concepto tan interesante como el de la proporción aurea), algo de biología, pintura y psicología (el simbolismo del cuadro de Goya y su interpretación psicológica daría para escribir algunas páginas más). Este pastiche, que podría tranquilamente marear y perder a los espectadores, no hace otra cosa que mantenernos atentos en los aparentes “momentos más tranquilos” de la película. Por eso y por tener una buena dirección, además de actuaciones bien logradas y convincentes, es super recomendable que ignoren las malas puntuaciones de esta página y vayan a verla.

Acabo de llegar del cine y tengo que expresarme, antes que nada, sobre las tres primeras críticas que aparecen en esta página (“Oso World”, “Criswell” y “El Criticador). Me llenaron de prejuicios negativos -que parece un documental, que las canciones pierden emoción, que la estampida es estática- y salí del cine totalmente fascinado por la experiencia que viví (cabe resaltar que la vi en 3D y en latino, porque fui con mi sobrina). Lo que no paré de preguntarme cuando ya estuve en la calle fue qué película vieron estas personas. Ahora caigo, vieron solamente el film viejo, nunca se dejaron llevar por lo que estaba delante de sus ojos. Releyendo esas críticas veo, ahora, que hacen mucho uso de palabras como "alma", "esencia" y "magia". Claro, por ahí venía la mano. Estas personas viven del pasado, no pueden liberarse no sólo de la primera experiencia con el Rey León (lo cual es entendible porque fue parte de su infancia), sino tampoco de la metafísica que habita en sus discursos. Y lo peor de todo es que ni siquiera se deben cuestionar todo esto.

Esta nueva Rey León en live-action viene a proponernos otro tipo de experiencialidad alejada lo más posible de lo humano. No busca conmovernos con rostros y gestos antropomórficos sino mostrarnos la fascinante brutalidad de la naturaleza y la emoción que se puede encontrar en el rostro claro y natural de un animal, ¿o acaso las personas de estas tres primeras críticas no se conmueven cuando ven a un gato o un suricato jugando? Lo peor de todo es que no pueden aceptar que, seguramente, ambas películas son increíbles, sino que tienen que opinar de la segunda desde la primera. Sólo así es entendible que le hayan colocado tan baja puntuación.

¿Qué implica dejar a un lado las formas y los gestos antropomórficos (“humanos, demasiado humanos”, diría Nietzsche)? Implica sacar un poco la mirada de nosotros mismos y tratar de empatizar, por ejemplo, con un simple jabalí, aunque sus gestos para poder expresarnos tristeza sean mínimos o nulos; implica darle “humanidad” (ya que tanto lo necesitan) a la tosca realidad de los animales, no sólo para verlos más tiernos o bondadosos, sino también para tenerles miedo (mi sobrina, en un momento a pesar de haber visto cuatro o cinco veces la vieja película, sintió verdadero miedo con las hienas y con Scar; y sí, también se emocionó y salió del cine igual que yo).

En resumen, desde mí punto de vista, esta película viene a sumar al mundo del cine infantil y a restarle a los mayores nostálgicos que añoran -también seguramente- la música y los valores de antes. Mi sobrina, estoy seguro ahora, cuando vea a un león en un documental o en algún vetusto zoológico va a saber que, aunque ese felino no pueda arquear las cejas o fruncir los labios, tiene todo un mundo interno de emociones que hay que saber apreciar y, por supuesto, cuidar.