Regresa el universo de Star Wars con el séptimo episodio de la saga; El despertar de la fuerza, de la mano del geek del momento J.J. Abrams, quien busca traer la saga a nuevas generaciones con la misma formula que funciono hace ya casi 40 años cuando por primera vez George Lucas nos introdujo en una galaxia muy muy lejana.

J.J. Abrams es un productor muy inteligente y se nota, sabe lo que los fans odiaron en las precuelas; que no respetaban la esencia de la trilogía original, y sabe lo que estos aman del universo de Star Wars, por eso el también director de los últimos dos filmes de Star Trek no corre riesgos y va a la segura, en El despertar de la fuerza no solo evade todos los elementos buenos y malos de las precuelas, sino que además imita (no recrea) todo lo que la gente ama de las primeras películas, con esto se pone a los fans en el bolsillo y asegura la permanencia eterna de la saga, aunque con esto signifique entregar un producto donde la ausencia de la novedad es la principal característica.

El guion que firma Abrams junto a Lawrence Kasdan (responsable de los libretos de El imperio contra ataca y El regreso del Jedi) es la unión de los tópicos clásicos de la primer trilogía sin ofrecer alguna reestructuración, reinterpretación o expansión del universo, hay nuevos personajes si, pero que poseen casi las mismas personalidades (del mismo tipo, aunque eso no signifique que funcione) que los protagonistas originales, hay una historia con un argumento independiente pero de alguna forma todas las acciones que se desarrollan suenan extrañamente familiares y hasta se sienten predecibles. Si, lo cierto es que la mayoría de las escenas en El despertar de la fuerza es una repetición tras repetición de algo ya visto anteriormente.

Los mejores momentos del filme tienen dos protagonistas claros, primero BB-8 o el robot balón, un relevo perfecto de los personajes androides, posee el valor y determinación de R2 D2 pero también tiene sus momentos cómicos como C3PO, y por otro lado esta Han Solo (Harrison Ford en su salsa) que devuelve la nostalgia y que protagoniza además las secuencias más épicas del filme, cuando aparece en escena hay una clara subida de nivel. No dejare de mencionar a los dos nuevos protagonistas, Rey y Finn, ambos desprendiendo buena química, ella capaz de demostrar que puede ser una buena heroína y el bastante gracioso, dos personajes interesantes que seguramente irán evolucionando de mejor forma.

Por su parte las escenas de acción se van desarrollando de manera trepidante lo que no da respiro alguno, las poco más de dos horas se pasan volando y el momento climax es realmente impresionante, por muchos los últimos 30 minutos son lo mejor de El despertar de la fuerza lo que aleja un poco el aire de decepción que se había acumulado ante tanto cliché en la galaxia. Mencionar también la como siempre enérgica banda sonora de John Williams, aunque quizá las partituras nuevas no vayan a quedar grabadas en la memoria.

Abrams logra cumplir, entrega una película de la que muy difícilmente los fans se sentirán defraudados, sin embargo se hubiera querido mayor experimentación sobre todo en el guion el cual no termina por estar al nivel deseado, de haberlo estado pudimos haber estado ante una de las mejores películas de la saga, sin embargo se ha quedado algo lejos.

No cabe duda de que en Europa quien manda en la animación son los franceses que entre muchas otras nos han regalado joyas como Persepolis o Bienvenidos a Belleville. Buscando seguir sus pasos ahora le toca el turno a la República Checa de incursionar en el mundo de la animación mediante una historia profunda, compleja y adulta como lo es Alois Nebel.

La historia se centra a finales de los años 80s en una pequeña estación del tren donde trabaja nuestro protagonista Alois Nebel que pronto sus fantasmas del pasado volverán para atormentarlo. En fondo esta película bien podría pasar por una del cine oriental, más en concreto al cine de Kurosawa, pero a mí la que más me ha recordado, ya fuera por su contexto europeo, por sus trenes, por sus temas nazis, por estar hecha en blanco y negro es a Europa de Lars von Trier.

El mayor atributo del debutante Tomas Lunak es conseguir un protagonista excelentemente dibujado que impacta inmediatamente con el espectador. Para esto el director nos centra en su rutina, en su soledad, en los fantasmas que lo persiguen y nos deja conocer mediante flashbacks más de su vida pasada. Pronto la historia también se mete con lo surrealista, lo que aumenta tanto la complejidad de la misma pero al mismo tiempo el interés. Si bien durante el metraje no existen momentos que vayan a quedarse en la memoria de uno, podemos decir que Alois Nebel es una historia bien contada, con algunos baches, pero que durante los poco más de 80 minutos de duración consigue sus objetivos de mantener el interés en la historia del protagonista.

Y si bien he mencionado que Francia es el rey de la animación en Europa, es justo decir que visualmente Alois Nebel es la mejor. No posee quizá la tecnología de Pixar ni los paisajes maravillosos del anime, pero a mí me ha dejado impactado, merito todavía mayor ya que es en blanco y negro. Las escenas en la estación de tren son maravillosas, como se juega con las luces, con la sombras, con la rapidez de los objetos, por momentos haciendo olvidar que es animación, todo está soberbiamente filmado.

No será la mejor película animada de la temporada pero si la mejor propuesta, lástima que el recuerdo del visionado vaya a jugar mucho en su contra, de todas formas Alois Nebel es una por momentos notable película, madura e inteligente, una muestra más de que en Europa también este género alza la mano para competir con las grandes producciones americanas.

Alejandro Gonzáles Iñarritu, Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro, los mejores cineastas mexicanos del ultimo siglo fundan su productora Cha Cha Cha para apoyar al cine mexicano, su primera película es dirigida por el hermano de Alfonso, Carlos Cuarón (co-escritor también de Y tu mama también), protagonizada por los famosos Diego Luna y Gael García y su trama gira alrededor de el evento que mas levanta pasiones en México, el fútbol. Esto es Rudo y Cursi.
La historia es sobre 2 hermanos con grandes sueños, que buscaran cumplirlos por medio de hacerse jugadores profesionales, y de ahí se desprende el resto, para darnos una película que sino no es original ni grande, si es ante todo emotiva.
Los tres amigos no se lo han tomado tan en serio, igual que los hermanos Coen con Quemar después de leerse, lo que han hecho todos los que participaron en la cinta es divertirse, pasarla bien, darle al publico una película que se disfruta, sin ningún tipo de pretensiones, y haciendo lo que a ellos les gusta sin que nadie mas se meta en su trabajo.
Es sin duda una de las mejores comedias (con algo de drama claro) del cine mexicano de los últimos años, y supera claramente a cualquier película comercial mexicana en los últimos años, y de paso pone en el mapa a Carlos Cuarón.
Sabemos que cuando los tres amigos se lo propongan nos darán una obra maestra del cine mexicano, de momento esta película no es para criticarla, es para disfrutarla, tal y como hicieron sus realizadores.

Hace mucho tiempo que la Disney (sin Pixar) nos vendiera una película animada con algo de chispa de originalidad, su nuevo largometraje Wreck it Ralph no solo posee la chispa, casi se quema de lo original que es, al menos en cuanto a su argumento.

Toy Story nos dio la premisa de lo que hacían los juguetes cuando no eran observados, en Wreck it Ralph van por el mismo camino pero esta vez con los personajes de los videojuegos, en este caso el protagonista es Ralph, un villano de un juego de bits que está cansado de ser el malo, en busca de una reconciliación con los demás y el mismo buscará probar que puede ser un buen personaje.

La historia posee diversos conceptos y reglas del mundo virtual, hay un contexto excelentemente dibujado, lleno de detalles e ideas brillantes, con la inclusión de varios personajes virtuales de antaño como Pacman, los fantasmas, el rey Kopa, los personajes de Street Fighter, suficientes razones suficientes para que los que disfrutan o algún día disfrutaron del mundo de los videojuegos se la pasen bomba.

Gran arranque, que si bien después pierde un poco la historia, se mantiene a flote gracias a divertidos gags, momentos geek y personajes que conectan con el espectador, que si bien ninguno lleva la etiqueta de entrañable o memorable, en conjunto poseen una gran fuerza lo que hace igual que la película no se sienta en ningún momento pesada. Al final parece que le aprendieron muy bien a Pixar, aunque por ahí hay un par de detalles que chirrían cuando se trata de animación no nos podemos poner exigentes.

Por su parte el cortometraje Paperman; que acompañara a la cinta en su exhibición por las salas, es bastante notable, nuevamente hay mucha influencia en los productos hechos por la productora de la lamparita, no hay dialogo y es una historia bastante sencilla pero muy eficaz, recuerda en muchos aspectos a una película romántica de cine clásico.

Por primera vez en no sé cuánto tiempo la película del año de Disney le ha ganado a la de Pixar, Wreck it Ralph es mucho más que Brave en muchos aspectos, es además la propuesta animada americana más fresca del año y quizá la mejor película animada de los estudios desde Mulan

Nanni Moretti regresa al terreno del drama familiar con Mia madre, seleccionada en el Festival de Cannes 2015. Se trata de un relato que claramente nos trae de vuelta al director de La habitación del hijo, con una trama que vuelve a tener como ingredientes principales a la familia y la muerte.

Lo principal que aquí cambia con respecto a su ganadora de la Palma de Oro, es que Moretti cambia la perspectiva con la que el ser humano lidia con la muerte, mientras que en La habitación del hijo esta se anuncia de forma inesperada haciendo que los personajes tengan que enfrentarse a ella sin estar preparados, en Mia Madre es todo lo contrario, la muerte se anuncia mucho antes de su llegada por lo que esta vez la batalla viene antes y no después, esta vez tenemos a unos personajes que buscan estar preparados cuando el momento llegue, en este caso dos hermanos que deben dedicarse a su madre enferma la cual tiene los días contados.

Si bien es cierto que se busca enfrentar a la muerte bajo otro punto de vista los personajes y la trama navegan hacia la misma dirección que en La habitación del hijo, existe nuevamente la crisis familiar, los recuerdos que te marcan con la persona que te deja, desestabilización emocional que afecta tanto a nivel personal como laboral, hasta llegar a la reconciliación con uno mismo, aprender a aceptar el deceso y seguir con el camino de la vida.

Ahora, aunque el camino es el mismo, los resultados no lo son, sobre todo por la parte que se enfoca en la etapa laboral del protagonista, que en el caso de Mia madre corresponde a casi la mitad del metraje. Esta parte del filme se siente distante y no emociona como debería, se nota trabajo en el guion pero me aleja de la historia, sobre todo por el personaje que interpreta John Turturro que me ha irritado en más de una ocasión. Por otra parte cuando el relato se enfoca en la relación de los hermanos con su madre la cinta crece enteros, se siente una narrativa más intima y logra llegarme en varias escenas, sobre todo cuando están juntas en pantalla Margherita Buy y Giulia Lazzarini.

Moretti regala un nuevo relato de meditación acerca de lidiar con la muerte y el proceso para llegar a una resignación necesaria, no se encuentra al nivel de La habitación del hijo, aun así Mia madre es un producto muy destacado sobre todo en sus momentos más íntimos.