Quién les iba a decir a Stanley Donen y Gene Kelly que iban a pasar a los libros sagrados al rodar el mayor musical jamás creado para la historia del cine, a principios de los años 50. Y es que el éxito de “Cantando bajo la lluvia” reside precisamente ahí, en las bajas pretensiones de una cinta realizada con pasión y soltura, armonizando el conjunto de la misma bajo el lema: “si disfrutas grabando, el espectador disfruta observando”.

Paradójico argumento que mezcla las notas musicales del ritmo cinematográfico con un guión centrado en la llegada del sonido a la gran pantalla. Con los entresijos propios del cine dentro del cine, aparecen a tiempo los celos, los engaños, el amor y las ambiciones hollywoodienses que transfieren los sentimientos de alegría y tristeza a canciones y coreografías perfectamente ejecutadas para el desarrollo de la narrativa, donde destacan el “Make ´Em Laugh” de Donald O ´Connor y la mítica escena de Gene Kelly que otorga el título a la película.

Puede que no sea el largometraje de mayor calidad jamás rodado, pero sí puede presumir de ser el estandarte de un género grabado con el dinamismo de quien pone amor a su profesión, contagiando al espectador en una cinta que no sólo aguanta en pie el paso del tiempo, si no que termina siendo un referente para los espectadores que saben apreciar las notas de optimismo de un arcoíris que surge tras las cámaras. Al fin y al cabo, después de la lluvia siempre sale el sol.

Cabeza Borradora es una película a la que muchos nos acercamos tras visualizar gran parte de la trayectoria de Lynch, acto que incluso se convierte en recomendable para afrontar advertidos el producto que nos vamos a encontrar, pudiendo admirar mejor la obra que afrontamos en sus inicios.

Es curioso como en esta cinta se plasma con mayor evidencia el paso del surrealismo marcado en una historia más cotidiana sin perder la identidad de los sueños. De este modo, la película se torna en pesadilla, una inquietud mental proyectada a través del personaje interpretado por Jack Nance, que vive angustiado en su propia realidad por alcanzar sus metas, parodia macabra de nuestras vidas. La simbiosis entre temores y deseos, el intento por matar la existencia que debe afrontar, la necesidad de liberar sus deseos, se refleja de forma magistral a través del trato estético y artístico: el juego de luces y sombras, la densa fotografía, el manejo del sonido y del decorado, logran invadirte de ese sueño perturbador, ese ahogo de ilusiones marcadas por una sociedad también enferma.

Al fin y al cabo, eso es David Lynch, difícilmente evaluable e incapaz de pasar desapercibido. La calificación siempre será subjetiva, y su verdadero logro, abrir tu estado mental para que la valoración de cada uno esté condicionada por el mensaje que ha logrado, o no, transmitirte.

Escuadrón Suicida seguramente fuese una película deseada que se transformó en una gran decepción. Personalmente, no conozco mucho acerca de sus orígenes, no admiro el mundo del cómic, y aunque trate de analizarla desde una perspectiva objetiva y real, dudo que propios o extraños hayan quedado satisfechos con el resultado final.

El problema es que es una cinta maltratada con desgana, que parece decirnos "eh, hemos llevado al cine esto, tragad con ello". No ofrece nada que no se haya visto antes, agraviado por carecer de estructura, resultando completamente aburrida, tediosa e incluso excesivamente larga para lo que trata de contarnos. El guión por momentos es tan simple, que se convierte en una sucesión de acontecimientos sin apenas descubrir detalles de la trama. La dirección es pobre y de tempo desordenado, donde la cinta no arranca, la presentación de los personajes -villanos convertidos en ositos de peluche-, demasiado precipitada y absolutamente carente de un trabajo previo con la imposibilidad de empatizar en ningún momento con alguno de ellos: el personaje de Viola Davis no es nada creíble, Will Smith está seco, el Joker de Jared Leto, circunstancial, altamente desaprovechado y, directamente, el resto han sido marginados de forma cruel, salvo una pequeña luz que asoma sobre Margot Robbie -que nos sedujo a todos en el Lobo de Wall Street-, y que ahora salva los muebles interpretando a Harley Quinn.

Teniendo en cuenta el material que tenían entre manos y la nula emotividad que puede llegar a transmitir a sus fans, el suspenso es bien merecido. El montaje de la cinta es penoso, con un par de malgastados flashbacks recubiertos en escenas de acción que tampoco parecen gran cosa, con efectos limitados en un completo visual mediocre. Para remate final, los diálogos se tornan ridículos y carentes de gracia alguna. Se salva el maquillaje y el vestuario, pero para entonces el sinsentido es de tal magnitud, que al final de la historia no tenía muy claro por qué y para qué combatían, en un desenlace lamentable digno de una secuela que tratará a sus fans como a idiotas. En definitiva, un entretenimiento que no entretiene por mucha sal que le eches a las palomitas.

No cabe duda de que Ken Loach siempre ha sido un referente para el cine de izquierdas como lo es Costa-Gavras. Esta vez, con "Yo, Daniel Blake", el director británico no nos trae un enfrentamiento isleño entre irlandeses e ingleses, ni conflictos bélicos en parajes rurales con personajes armados y llenos de ira. La rabia, la impotencia, la frustración y los deseos de venganza en una sociedad injusta se siguen apreciando en este film, solo que tal y como el director griego hizo con "El Capital" (2012), realiza una representación más moderna de las inquietudes populares del nuevo siglo, distintas aunque no por ello exentas del mismo gen original.

Con esta cinta Loach no aporta ninguna novedad fílmica y su técnica continua siendo de empuje directo al espectador hasta hacerlo partícipe de las inquietudes que pretende mostrar. Muchas veces, este hecho provoca que nos encontremos con personajes desarrollados desde una pureza espiritual un tanto ingenua, siendo quizás el mayor fallo de una película que logra una vez más remover las conciencias de aquellos que aún guardan algún espíritu de rebeldía en un mundo que permanece sumiso bajo los efectos de las nuevas corrientes económicas e institucionales. Realmente, al final quedan dos opciones: adaptarte como Ken a los nuevos tiempos que corren, o convertirte en un revolucionario del siglo XXI como el bueno de Daniel. El siguiente, puedes ser tú.

Sam Mendes nos trae una nueva entrega de las aventuras del agente secreto más conocido del mundo del cine, el mítico 007. Con la maestría de un oscarizado director al frente de un proyecto que no escatima en gastos, “Skyfall” se presenta como una delicia comercial para los más fanáticos de la saga, que ya había sido rescatada recientemente de la mano de Martin Campbell con “Casino Royale”, en el año 2006.

Daniel Craig, que tomó el relevo de Pierce Brosnan al frente de James Bond, logra dotar a ese cambio generacional de la más pura esencia del género sin llegar a ser pretencioso. Es el mismo caso del villano que se nos presenta en esta obra, Javier Bardem interpretando a Silva, en uno de los personajes más carismáticos e hipnóticos que hayamos presenciado a lo largo de la trayectoria del agente inglés. Si bien es cierto que Mendes mantiene la genuina pólvora del personaje, del mismo modo es acertado comentar que le trata de dar un enfoque de debate interno que flota a demasiada distancia de las emociones del espectador, hasta terminar convirtiéndose en un fallido fuego de artificio del montón. Parece que la saga puede tener un futuro asegurado, pero no es menos cierto que tal y como le ocurre a nuestro protagonista, el tiempo pasa para todos.