12 nominaciones y únicamente el Oscar al mejor guión adaptado. Esta es una de esas veces en que me cuestiono los oscuros intereses que se esconden en los premios de la Academia americana. Me pregunto ¿Que están premiando? ¿Que están reconociendo? ¿El trabajo puro y duro de actores y actrices, directores, cámaras, fotógrafos, guionistas, etc., u otras cosas?
Acabo de ver a Peter O'toole en una interpretación histórica (no solo por la temática del film sino también por su grandísimo valor) y me entero que el Oscar se lo dieron a Rex Harrison por My Fair Lady de Cukor (por cierto, también premiado). Mejor será correr un tupido velo y dedicarme a comentar la película.

Me estoy acostumbrando a las “exageradas” interpretaciones de O,toole y en este caso su exageración contrasta con la sencillez rayana con la parquedad de Burton, sencillez que exige el guión pero que no obsta para que la interpretación de Richard Burton también pueda calificarse de buena. Pero Peter O,toole le toma la medida al personaje y nos trae, desde los libros de Historia, a un Enrique II absolutamente creíble para todos nosotros. Tan creíble que le volverá a dar vida posteriormente con El león en invierno. Y de esa exageración interpretativa de la que hablaba, hace arte, auténtico arte.

La película tiene auténticos valores, el vestuario, los decorados, la música, pero me quedo con dos, la interpretación de O’toole y Burton junto con la de John Gielgud como rey de Francia y como segundo valor el guión. El guión es genial, los diálogos no tienen desperdicio, derrochan fuerza, humor, ironía, contundencia y mantienen viva nuestra atención en las dos horas y media de proyección. Menos mal que este mérito fue reconocido por los sesudos académicos cinematográficos.

En resumen, una de esas piedras preciosas del llamado séptimo arte que, de tanto en tanto, se tiene la suerte de encontrar.

Permitanme citar la crítica de Leonel de Buenos Aires:

"Una historia patética, melancólica, nostálgica, una especie de fin del mundo en un pueblito tejano de los 50 en vísperas de desaparecer. No es la televisión la que mata a la sala de cine local, sinó la muerte del pueblo. Una mujer llora a cada rato y toma un joven amante, pero su angustia existencial le impide cualquier felicidad (esto no es liberación sexual, es desesperación), lo mismo les pasa a los demás, pero la única solución es huir".

Si, amigo Leonel, comparto practicamente todas tus palabras y sin embargo no comparto tu valoración de la película. En eso discrepamos. Porque, a mi juicio, la película no se salva por la interpretación de Jeff Bridges ó Ben Johnson, ó la belleza provocativa y seductora a lo Lolita de Cybill Shepherd, ó por una Ellen Burstyn con su erotismo de alto voltaje. No. La película se salva y se valora en si misma. En lo que nos cuenta, en lo que nos ofrece.

Alguien podría decir que se trata de una película generacional. Y si por generacional entendemos una película de jóvenes que intentan abrir caminos que los alejen de ese polvo que oscurece el horizonte, pues tendría razón, pero también podemos entender por generacional las vidas adultas que discurren entre rutinas y monotonías hacia la vejez, sin esperanza de que ese polvo que lo cubre todo desaparezca. Y la película también es eso.

La televisión no mata al cine. El cine estaba tan muerto como el billar, como el propio pueblo. Ese es el mensaje. Esa es su atmósfera opresora. El muchacho barriendo constantemente un polvo que se volverá a posar monótonamente, lánguidamente....

Bogdanovich nos está diciendo que América no es solo quimeras del oro, ni sueños americanos ni estatuas de la libertad. Bodganovich nos dice que en América el polvo también cubre los horizontes.

"Si usted necesita una actriz sueca que hable inglés a la perfección... y que de italiano sólo sabe "ti amo", estoy lista para ir y hacer una película con usted".
Esta es una frase de la carta de Ingrid Bergman a Rossellini y Stromboli es algo así como su resultado. Porque ¿Podemos imaginarnos a alguien más fuera de lugar en esa Italia dura donde no existen esperanzas sinó únicamente, y es mucho decir, ilusiones?. Karin, el personaje interpretado por Ingrid Bergman ni siquiera tuvo la oportunidad de decir "Ti amo..." porque no amaba a nada ni a nadie, ni a esa isla inhóspita y desagradecida, ni a esas gentes conformadas a fuerza de conformarse, ni a su marido que podía haber sido su salvación y fué su cautiverio.
Se puede hablar de géneros cinematográficos, de realismo ó neorrealismo, pero aquel en que los críticos encuadren esta película seguro que será un género donde se muestre la vida en toda su crudeza, sin lugar para vanidades ni falsas esperanzas. Donde todo se reduce a sobrevivir bajo las fauces de un señor devorador de todo como es el volcán.
Rossellini no figura entre mis directores preferidos pero debo reconocer que Stromboli es una obra seria, cruda, directa, sobre una Italia que se cierra sobre si misma quizás rindiéndose ante la magnitud de su propia tragedia. Cada uno de sus fotogramas no hace más que subrayar la historia. Ingrid Bergman está absolutamente fuera de lugar y por eso está magnífica, porque precisamente de eso se trata, de no encajar, de ser esa flor que no crece allí y solo puede pintarse...

¿Película propagandística tipo "Nosotros somos los buenos y ellos los malos"? Es posible. Tan posible como que desde el otro bando se impartiesen consignas similares. Bien, pues en ese género de cine propagandístico, la película obtiene mención de honor, diploma cum laude y todo lo que ustedes quieran, y no solo por la interpretación de ese ACTOR que se hizo hombre para poder interpretar (Charles Laughton) sino por la propia película, aunque le pese a quienes la tildan de panfleto oportunista.

No he vivido la guerra. Ninguna guerra. Mis conocimientos de la II Guerra Mundial se limitan, por tanto, a lo leído en publicaciones históricas y a lo visto en documentales de canales temáticos. Y lo que se muestra en Esta tierra es mía, es plenamente coincidente con todo ello. Todo el mundo tiene derecho a expresar sus opiniones pero las verdades del barquero están ahí, inmortalizadas en celuloide para recuerdo de los olvidadizos y para que no seamos tan torpes como para cometer los mismos errores.

Dicho esto, anticipo que voy a valorar esta película con un 10. De ese 10, Laughton se lleva la parte del león. Las posibilidades interpretativas de este hombre superaban con creces todo lo imaginable. Lo recuerdo en Testigo de Cargo, en La Posada de Jamaica, en Esmeralda la Zíngara, en El sospechoso o en Rembrandt y me descubro. Pero aquí ya no quedan sombreros por alzar. Entre la escena del refugio junto a Una O´Connor con sus miedos patéticos y la "panfletaria" pero imprescindible escena final, Laughton nos ofrece una variedad de registros, todos y cada uno con ese magisterio solo al alcance de los más grandes. Enorme, Laughton.

Bastantes puntos para Maureen O´Hara, bella y, sobre todo, profesional, en un papel complicado al que da vida y personalidad propia. Maravillosa, en su estilo, Una O´Connor. En su línea "odiosa" George Sanders. Sobresaliente para los demás. Pero buena parte de la nota se la otorgo a Renoir con mención especial para el guión de Dudley Nichols. Y es que Renoir no está filmando una simple historia. Renoir traduce a imágenes un libro de ruta imprescindible para la humanidad. Y lo hace desde la cobardía. Pero también desde la dignidad y la madurez y desde la valentía de la verdad.

Gracias a esos valores recogidos en el Manifiesto de los derechos humanos, la sociedad ha ido evolucionando en positivo. Y una de las consecuencias de esa evolución amparada por un sistema de libertades, es que, al día de hoy, existan generaciones que encuentren trasnochada esta película. Ojalá, la sigan encontrando trasnochada por mucho tiempo.

Discúlpenme: ¿Mas de 7.000 votaciones y únicamente resulta Interesante de promedio (6)?. ¿Pero en qué país vivimos? Polanski lo menos que resulta es interesante. Y de ahí hacia arriba. Polanski es un director con ideas que sabe perfectamente lo que quiere contar y como contarlo. Este no es un país para mirones sino para gourmets que paladeen el buen cine. Y Polanski lo ofrece en barrica de roble.

Oliver Twist es un clásico de la literatura, inglesa, europea y mundial y el director polaco respeta hasta tal punto este clasicismo que no se contenta con adaptar la novela a nosotros y a nuestro tiempo sino que introduce al espectador en la Inglaterra victoriana, a base de fotogramas geniales donde nada se improvisa. El azar no existe. El pajar está en su sitio, único y posible. El camino es tan real que podemos ver las huellas de nuestras pisadas camino de la City. Cada plano es un cuadro de William Turner (pintor inglés del XIX) pero con el detallismo y la precisión que son posibles gracias a la tecnología del siglo veintiuno.

¿Interesante? ¡ Por Dios!... Tal vez si Oliver se hubiese llamado Tom, llevase tatuadas un par de calaveras con tibias y todo en cada brazo y se dedicase a robar bolsos por el procedimiento del tirón a señoras con perrito en Nueva York, muchos habrían calificado la película de genial.

¿Y Dickens? ¿Y la cultura?: ¿Dónde están?.