Años ochenta, Inglaterra. El estado social del país está marcado por una guerra sin sentido, la crisis de las Malvinas, con Thatcher a la cabeza.
Los ambientes marginales abundan, y destacando movimientos como el de los skinheads, que surgieron en los sesenta, entre otras cosas, en oposición al ideal hippy.
Todo esto lo conoce perfectamente el director, que lo vivió en sus propias carnes y por ello plasma perfectamente esa época en esta cinta.
Shane Meadows nos ofrece un film con magnífica ambientación punk-skin (con lenguaje soez incluido), muy realista e interesante, un drama aderezado con toques de buen humor inglés; En las interpretaciones me impresionó el joven actor, que hace gala de una caracterización digna de ofrendas reales (y es su primer papel), aunque, al margen de la interpretación, no me cuadra que un niño de 12 años se integre tan bien en un grupo de skinheads “post-adolescentes”.
Pero lo más importante de la película es lo bien que muestra el origen de los skins (se observa la mejor y más auténtica época de este movimiento) y su escisión de forma convincente (malditos descerebrados del National Front), en la turbulenta época de Margaret Thatcher.
[Inciso: los verdaderos skinheads no son ni han sido nunca en su origen racistas, pero tampoco eran antirracistas, ni ultras de izquierdas o de derechas. Eran el reflejo de la juventud obrera inglesa, algo que algunos no comprenden ni aunque se lo expliquen en Barrio Sésamo).
Algo que no me agradó de la historia es que no entraran más en materia y profundizaran en este movimiento, y además están los personajes secundarios como Woody, olvidados y desaprovechados. Aahh, y el doblaje no es tan terrible como dicen por ahí (Aunque prefiero la versión original).

En definitiva ¡¡me encanta empezar el nuevo año con películas así!!

¡Kickboxer! ¡Cuántos recuerdos me evoca este film!!
¡Guión simple, manieristas peleas, entrenamientos absurdos, típicas venganzas, un malo más malo que Hitler fusionado con George Bush, el chino cudeiro de 100 años experto en artes marciales, peleas a muerte para ver quien es el más neandertal, hembras en celo, música milenaria en escenarios milenarios con puestas de sol milenarias, un protagonista con cara de palurdo, esta película lo tiene todo!
Mítica película de kick-boxing en la que Juan-Claudio Van Damme está en su salsa. Una de esas películas que sabes que es malísima pero te encanta.

Como Spike Lee comentaba, “Muhammad Ali era un raro espécimen: era guapo, atlético, el más fuerte, el más rápido, carismático”, era único. Su boxeo era elegante, único, impredecible con un juego de piernas incomparable, unos puños increíblemente veloces para su peso: era un “peso pluma” de 100 Kg. Y su cara casi no se hinchaba en el ring.
Socialmente era igual de admirable. Aun a riesgo de sacrificar su carrera por sus ideales, no renunció a ellos en ningún momento. Un genio de la verborrea, un personaje de película, uno de los grandes de la historia del deporte. Ese era Ali. Alguien como él merecía un largometraje a su altura. Y en “Cuando éramos reyes” se consigue, superando las expectativas.

Tras ser marginado y castigado injustamente por su propio país (guerra de Vietnam) y con un físico que ya no era el mismo que cuando derrotó a Liston, nadie esperaba que el desenlace que se iba a producir. Allí en el antiguo Zaire, un inestable país gobernado por un represivo dictador, el interesado Don King había conseguido el combate del siglo: Ali VS Foreman.

Foreman, La Bestia. Un boxeador cuyos oponentes no duraban más de dos asaltos en pie. Una de las mayores pegadas, uno de los que más victorias acumulan por K.O. de la historia, aquel que derrotó al genio Frazier en dos asaltos. Cualquiera temblaría si se tuviera que enfrentar a una mole como él.
Viendo todos estos datos nadie apostaría por el viejo y fanfarrón Ali, pero este hizo uso de algo que nadie esperaba necesitarse en boxeo: la inteligencia.

Fuera del cuadrilátero. Puso a su favor a todo un país: se relacionaba con gente de a pie, daba coba a los zaireños, utilizaba una de sus mejores virtudes: la palabra. Toda una comunidad contempló a Ali como un héroe y a Foreman como el villano, el cual no hizo mucho por remediarlo: se recluyó en su hotel durante toda su estancia en Zaire. Así en el combate, la gente ensordecía el estadio con la frase “¡Ali bomaye!” (Ali mátalo); el daño mental que sufrió Foreman con esta frase decidió el combate.

Dentro del cuadrilátero. Cassius Clay realizó una de las estrategias más brillantes de la historia del boxeo; hizo creer a todo el mundo que iba a “bailar”, a moverse como solo él sabía cuando su estrategia era bien distinta: provocar y cansar al contrincante y posteriormente machacarle. Todo a pedir de boca, tras un mes de continuas fanfarronadas y pestes hacia Foreman, este explotó en el ring, pero Ali “no bailaba”; aunque Ali no desfalleció ni un momento y “pico como una abeja” durante todo el combate. Cuando llegó el octavo asalto una ráfaga de golpes llegó al cansado George, y Ali venció por KO. El “¡Ali bomaye!” nunca resonó tan alto.

Un documental de gran valor histórico, sociológico y político retrato de 1974, una época de activismo negro en la que Muhammad marcaría un antes y un después para su raza: todo un fenómeno que va más allá de un combate de boxeo.

Por las críticas me ha sorprendido lo supravalorada que está. Es una película innecesariamente larga y lenta en su desarrollo, incoherente y rara (en el peor sentido del término) en su argumento, un poco aburrida y plana en conjunto, que además pretende estar por encima del espectador. No hay argumento, no hay trasfondo (aunque quiera parecerlo), no hay desarrollo argumental, no hay interés, no hay nada. Las relaciones interpersonales son poco creíbles, poco realistas e incongruentes, como muchos aspectos de la película. Solo la música es agradable y quizás esa conseguida ambientación gris, paradójicamente entre paisajes verdes. Pero no deja de ser un pastelón romántico sobrevalorado de desnudos y melodías bonitas disfrazado de historia profunda y aderezado con un final de risa.

Sin duda las dos palabras que mejor la definen son pretenciosa y sobrevalorada.

La película se divide en dos partes claramente diferenciadas. Por un lado, retrata en clave de comedia la generación de los padres (en 1946) influida por la sociedad de una España franquista conservadora y ultracatólica, censuradora, autoritaria... Por otro lado, la generación de los hijos (en 1978) marcada por la transición hacia el régimen democrático, una sociedad más libre y y desenfrenada para los jóvenes.

No obstante, la comedia de Rafael Gil emama un tufillo afín al régimen, enmascarado por la crítica social; no es de extrañar teniendo en cuenta que este director fue uno de los más prolíficos y condecorados del régimen (con perdón de Sáenz de Heredia) y su película adapta una novela escrita por un periodista y escritor también apreciado por el régimen (Vizcaíno Casas).
Lo que ocurre es que en la sociedad del 1946, la imagen que se pretende dar es más entrañable, más correcta que la de 1978, insinuando que la disciplina franquista es clave para la educación, y que la libertad y los cambios en la sociedad democrática han vuelto a los padres más permisivos y a los hijos irrespetuosos, holgazanes y delincuentes incluso. La sensación que desprenden los personajes es de nostálgico recuerdo del Régimen ante la situación del momento que viven, en contraposición con la España de 1979, que da una imagen de depravación, delincuencia, decadencia y drogadicción frente a la estabilidad, orden y corrección de años anteriores. También se dedica un personaje para criticar a los "nuevos demócratas", falangistas de toda la vida, que acaban siendo bastante oportunistas y sin ideales para encajar en el nuevo orden político.

A destacar una escena que es panfleto franquista: la de la manifestación del 20-n en la Plaza de Oriente, haciendo pensar que las nuevas generaciones no se dejarán llevar por la influencia de las modernas democracias occidentales y que todavía queda la esperanza de un mañana mejor, libre de "influencias comunistas" y bajo una esperanzadora continuidad del Régimen nacional católico (horrible Ana Obregón haciendo de hija de papá falangista).

Ignorando la carga ideológica, lo mejor del film es el costumbrismo que destila (en la primera parte) tan intresantemente planteado, tan familiar y cotidiano, realista y entrañable incluso, tan "typical spanish" que traslada directamente a esa etapa: la plaza de toros de Las Ventas abarrotada para ver a Manolete, las concentraciones en la Plaza de Oriente, los galanteos de los jóvenes, las madres santurronas, los serenos tocapelotas vigilando los parques y las vecinas cotillas...

Por último, decir que algunas interpretaciones dejan mucho que desear...