"Más allá de la duda" fue la última película de Fritz Lang en los Estados Unidos antes de regresar a Europa, cansado de injerencias y presiones bajo los que tenía que trabajar.
Parece claro que Lang intentó hacer un alegato contra la pena de muerte, criticando, de paso, el sistema judicial americano. La idea central de la cinta es mostrar lo fácil que puede llegar a ser engañar a la justicia y la deriva que puede tomar esta cuando median intereses políticos.
La película transcurre de manera controlada y expone sus ideas de manera ordenada hasta las últimas escenas, en las que una conversación entre Dana Andrews y Joan Fontaine desata un final bastante precipitado y efectista.
La necesidad de introducir un elemento de sorpresa que rompiese esa apariencia lineal, mengua el resultado final de la cita, ya que no se profundiza lo suficiente en el carácter y las motivaciones del protagonista. En definitiva, el papel de Andrews no está bien definido.
La retransmisión del proceso contra el protagonista traduce en puro espectáculo televisivo una causa en la que hay
una vida en juego. Un cruel "show" para una sociedad que ha dejado de creer en la justicia.

Para empezar, diré que soy un acérrimo de Howard Hawks,. Le reconozco como un director todoterreno , que siempre que abordaba un genero, lo hacía con maestría .
El problema que tengo con esta película es que no entiendo las razones que le llevaron a rehacer una película que por otra parte había salido redonda.
"Tener y no tener¨ es un claro remake de Casablanca y yo siempre he pensado que los remakes deben hacerse para mejorar o, al menos, para aportar una visión diferente del original, pero en este caso, no me extrañaría que se tratase de un caso de egocentrismo por parte de Hawks.
La cinta me resulta interesante pero no va más allá. La magnifica historia ya había sido contada solo dos años antes.

"Las campanas de Santa María" es la segunda parte de "Siguiendo mi camino" también de McCarey. La diferencia está en que en aquella, el protagonismo de Crosby era absoluto, mientras que en esta, su papel queda algo más
matizado por la presencia mágica de Ingrid Bergman.
La cinta se puede catalogar dentro de una comedía musical o de un melodrama religioso, pero ante todo llama la atención las magnificas actuaciones del dúo protagonista, en un derroche de expresividad, que economiza en palabras, pero que transmite amor por la vida, alegría y bondad con una sencillez que es, sin duda, marca de la casa. No hay intolerancias ni versiones restrictivas del mundo. No hay moralinas ni trascendencia religiosa. Si existe el objetivo de, a través de la educación, crear seres humanos con sentimientos que busquen la verdad mediante el diálogo y la capacidad de escuchar al prójimo. La cinta carga las tintas en demostrar que la razón no es patrimonio de una sola persona.
La película llega muy bien a todo tipo de público porque transmite valores universales partiendo del conocimiento del ser humano.
Esta historia, podría decirse, que es una historia de amor. Un amor, no carnal e imposible pero un amor hondo, sincero y profundo.

Estamos ante una versión relativamente fiel de la novela de Bram Stoker para la Hammer.
Terence Fisher realizó esta versión del mito de una manera condensada, que suprime algunos personajes secundarios, en busca de la esencia de la novela. Peter Cushing es Van Helsing el intrépido doctor, cazador de vampiros que encarna la representación del bien en la película. Pero lo novedoso de esta cinta es la humanización del conde Drácula, que se nos presenta en un principio, como un hombre distinguido, de exquisitos modales para pasar a convertirse en un monstruo oscuro, pervertido y sádico.
Christopher Lee encontró en el vampiro el papel de su vida y que marcó a fuego el resto de su carrera. Sin duda sigue siendo la mejor personificación del vampiro.
Hay que resaltar el uso del color, la presencia de abundante sangre, algo inusual en aquella época, y los trabajados decorados de corte gótico.
También como novedad conviene señalar el componente erótico que funciona, en parte, como reacción a la pomposa y rígida moral inglesa de finales de los 50.

Billy Wilder tenía una habilidad superlativa para estructurar guiones y aquí estamos ante una de las grandes películas, no ya de su época, sino de toda la historia del cine. La densidad de los personajes ya sean principales o secundarios hacen que esa intensidad no afecte al buen ambiente y empatía que parece adivinarse entre los actores y esto, dado el carácter de la señora Dietrich y el señor Laughton, se llama dirección de actores.
Charles Laughton hace uno de los papeles más grandes de su carrera. Fue un actor portentoso sin dudas. En esta película su personaje muestra, de manera espléndida, su respeto a la tradiciones de la justicia británica y su compromiso con la defensa de sus clientes por encima de todo, incluso de su salud.
Tyrone Power y Marlene Dietrich nunca estuvieron tan bien. Se podría decir que esta es también una película de actores que componen personajes "vivos", reales, de carne y hueso. Eso le otorga a la cinta un carácter atemporal.
Billy Wilder fue un director de interiores, de platós y aquí nos muestra un fabuloso trabajo de arquitectura, recreando una sala del Tribunal de Justicia de Londres, montando un duplicado detallista de esa estancia.
"Testigo de cargo" es una de las llamadas "películas de juicios¨, basada en una novela de Agatha Christie. En ella se habla de la moral, de la mentira y del sacrificio por amor. Se emplea el uso del flashback para dar solidez a la historia de Power ( ZONA SPOILER).
La cinta cuenta con un final apoteósico, ya que en las últimas escenas, la trama va girando de manera radical, pero
planificada con cuidado y minuciosidad, que logra dejar al espectador desconcertado con el desarrollo de la trama.
"Testigo de cargo" es una película de OBLIGADO visionado para cualquier cinéfilo.