La mejor película mexicana en los años setenta por excelencia. Increíble la atmósfera de sexualidad, cinismo, machismo y demás cosas en un pueblo en decadencia.

Los personajes son excepcionales: La Manuela (Roberto cobo); sin duda lo mejor de la película (atención con las escenas finales ¡impresionantes!, incluyendo el beso), El cacique del pueblo Don Alejo (Fernando Soler) que en su malévolo plan de vender ¡todo! el pueblo, corta también la luz de esté. En medio de todo esto llega Pancho un machito autodestructivo, camionero y ahijado-deudor de Don Alejo que desea ver a La Manuela (por motivos muy profundos y personales). Otros personajes son Las putas: La Japonesita (hija de la Manuela, no les recuerda un poco a “todo sobre mi madre”), La Japonesa (Lucha Villa interpreta a la prostituta que se acuesta con La Manuela para ganar una casa en una apuesta hecha con Don Alejo) ya difunta, pero se recuerda el desliz.

Ripstein nos da una semblanza del México provinciano, amoral, no-solidario y prejuicioso en un lugar sin límites, un infierno, pero a fin de cuentas México. No sé si este cerca de ser una obra maestra, pero si es un gran retrato sórdido del México de los setenta.

Lo mejor: Roberto Cobo (actorzazo en todo el sentido de la palabra).
Lo peor: Los pocos recursos (fotografía, diseño de producción etc.) de la película.

Absolutamente recomendable.

Se ha hablado mucho de un repunte en el cine mexicano; Sexo, pudor y lágrimas, abrió las especulaciones; La Ley de Herodes, lo reafirmó y Amores Perros lo engrandeció. Es cierto que la peor década de cine en México fueron los ochenta, pero todas las décadas han tenido altas y bajas.

Después de la década del olvido en México (El terremoto mas catastrófico de la historia, por citar un ejemplo), llegan los noventa, década cual se tiene la oportunidad de redimir la cultura, en especial el cine. Del CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos) viene un gran director que junto a un gran equipo (su hermano, Carlos y el prestigioso Lubezki), Alfonso muestra sus capacidades en su aclamada obra prima. De Jalisco, aparece otro director genuino, que demuestra su gran imaginación (15 años después, creando una de las mejores películas de fantasia, que incluso Stephen King aclamó) montada en un otra ovacionada y galardonada opera prima. Entre toda esta ola de nuevos directores y de nuevo cine, nos llega una de las mejores películas del cine mexicano; la capacidad del director (esposo) y guionista (esposa) de mostrar tan bien representada la idiosincrasia de una familia en decadencia y agonía, hace suponer que su primera colaboración no es chiripada.

Principio y Fin, es una de esas películas que al terminar de verla, te sientes triste de no haberla dirigido, que otro se lleve el crédito de tan notable y sobresaliente obra, pero solo Ripstein junto a su talentosa esposa Paz, pudieron lograrlo.

La película comienza con la inevitable, pero sorpresiva muerte del patriarca. Sumidos en agonía e intranquilidad de que van hacer en un futuro, ya que los tres hijos (el cuarto se la vive de farra) estudian y la madre no trabaja, la única solución es sacar a la joven de estudiar y ponerla a trabajar de costurera, mientras que los dos hijos son la esperanza para sacar a flote a la pobre familia. La historia se va haciendo contraproducente- hablando de la familia, claro esta-, ya que a uno de los dos hijos se tiene que retirar del estudio (el mas listo, pero mas postergado por parte de la madre) y comenzar a trabajar en Veracruz (jamás se ha oído mejor “Perfume de gardenias” que en la bellísima escena en el puerto).

No quiero decir más de que como se va hundiendo más y más la familia, pero si les puedo decir que vean esta extraordinaria obra, que en la opinión de un servidor es la mejor película mexicana de todos los tiempos. Me da mucha tristeza los pocos votos que hay, y seguramente la poca gente que la ha visto.

Termino diciendo que si en México hubo un repunte, fundamentalmente se debería hablar de esta película como la causa principal.

Notable comedia que constituye de nuevo para Alejandro González Inárritu un trabajo ambicioso de dirección a través de complicados planos secuencia al mejor estilo de Martin Scorsese o Quentin Tarantino. Si bien la película no tardo más de treinta días en filmarse, el trabajo de preproducción y postproducción también es relevante a través de un sólido guión lleno de acertados y delirantes diálogos, que no sólo parte de ser una comedia sino también ser una reflexión filosófica del arte en general, ya que a veces parecemos olvidar que el cine también es un arte, sobre todo gracias a la poderosa meca del cine. Por otro lado Iñárritu desiste su fotógrafo habitual Rodrigo Prieto, para dar paso a una gran colaboración con el “Chivo” Lubezki (ambos habían trabajado en 2007 en un cortometraje que se hizo para los sesenta años del Festival de Cannes), quien indudablemente se convierte en su mano derecha, y quien realiza un trabajo soberbio de nuevo merecedor a varios premios, lo que convierte a Lubezki fácilmente en uno de los mejores directores de fotografía del mundo.

Otro acierto es el magnífico reparto representado principalmente la lucha de egos entre Michael Keaton y Edward Norton Es de hacer notar que la película es también una reflexión de lo absurdo del cine norteamericano actual que se mueve más en términos comerciales y de una profunda doble moral, cuyo caso más concreto es el cine de superhéroes que ha llevado no sólo a saturar las salas de medio mundo sino también a un drogadicto y mediocre actor al superestrellato (¿algún guiño a una igualmente mediocre autobiografía de Chaplin?). También es irónico el reparto ya que Keaton que llegó a ser el primer "Batman", no es el único inmerso en este género, sino también Norton que hizo lo mismo con "Hulk" y Emma Stone con "Spiderman".

Otra lectura de la película está relacionada con un existencialismo más optimista o lo que Herman Hesse denominaba “La Ruta Interior”. Precisamente Iñárritu busca la autoreflexión como un camino para la salvación del personaje de Riggan en aspectos como la meditación, el monólogo interior, la renuncia a sí mismo, el acercamiento a la naturaleza o tal vez más importante aún, el acercamiento al arte, que es la máxima representación del ser humano: El arte por el arte. El arte basada en discernimiento, sentimientos encontrados o disertaciones más no en superhéroes “buenos” que vencen siempre al final a los “malos”. Creo que esto se está bien representado en el dialogo entre Riggan y Tabitha, la crítica del “New York Times”. Finalmente el ser humano no necesita de nombres, etiquetas, armaduras o de una cuenta bancaria en Suiza para emprender el vuelo hacía esta ruta interior.

El año pasado fue Alfonso Cuarón quien sorprendió con un gran dominio de la técnica acaparando elogios y premios. Un año después, también en Venecia, Iñárritu logra consagrarse con una película de gran forma y contenido que para muchos es hasta ahora su mejor obra.

El destacado cineasta Everardo González, dirige su tercer largometraje documental sobre los antecedentes de la guerra civil salvadoreña, una de las más cruentas en la historia del continente americano, y tomando como mayor referente a Óscar Romero.

El documental comienza con el tema del catolicismo, ahondando en su característica conservadora y cercana al poder, y que en el Salvador, una gran parte de la iglesia católica evoluciona a través de un acercamiento a los pobres y que no busca justificar como natural y divina a la pobreza, sino que pugna en que ésta es una consecuencia de las acciones de un mal gobierno y una oligarquía avariciosa. Esta evolución teológica tiene que ver con la teología de la liberación, pero más directamente con las reformas religiosas de los años sesenta. De este modo las ideas de libertad, solidaridad y justicia se filtran en la gente más pobre a través de la religión, lo que genera la desconfianza del gobierno y su consecuente represión. Posteriormente se nos introduce en la figura de Romero, cuando en 1977 es nombrado arzobispo por su postura reaccionaria que cambiara después un hecho trágico que tendrá relación con el ocaso de su propia vida.

Tuve la oportunidad de ver este documental en el pasado Festival de cine en Morelia, y si bien no supera al genial documental “Los ladrones viejos”, González hace de nuevo un trabajo esplendido con especial consideración en los testimonios orales que constituyen la base de este notable documental. A través de éstos, el espectador conoce a gente variopinta (campesinos, intelectuales y religiosos) que estuvo relacionada con Romero o con la represión del gobierno. Los testimonios son además, certeros, crudos y seguramente honestos.

Lo mejor: Los testimonios orales y su gran final con imágenes de la guerra salvadoreña, que es a final de cuentas, lo que todos tristemente conocemos.
Lo peor. Obviamente el director no puede evitar ponerse de lado de los pobres y mantener durante el largometraje, una postura crítica en contra del gobierno salvadoreño y de los Estados Unidos, lo que le puede restar objetividad al largometraje, además de que el cineasta no toma en cuenta a la contraparte, los reaccionarios.

Para los que esperen un documental completo sobre la guerra civil salvadoreña, este largometraje sólo aborda los motivos y antecedentes que llevaron este hecho, así como los discursos de Romero. Se puede decir que el cineasta sólo nos esta contando lo que no sabíamos en base a los testimonios de los valientes sobrevivientes. Imagínense si los muertos pudieran hablar, todo lo que nos dirían respecto al asunto.

Pocos recuerdan a la actriz checoeslovaca afincada en México, Miroslava, debido a que su carrera se vio truncada por su suicidio. Uno podría pensar que siendo una mujer bella y exitosa, no había razones para llevar a cabo lo que hizo, pero relacionando este hecho con lo ocurrido con Pina Pellicer o Heath Ledger (por citar dos ejemplos), es algo que podría resultar más normal. Tal vez sea la depresión constante, o los traumas lo que llevan a este acto. Es esto último lo que la trama de esta película pone sobre la mesa para que nosotros saquemos una conclusión adecuada.

La historia comienza con la salida de Miroslava de su natal Checoslovaquia, debido a la persecución ejercida por los nazis. La familia Sternov tiene que viajar sin la abuela materna, con la que Miroslva tenía gran relación y que será a lo largo de su vida una de las causas de su depresión constante. La familia Sternov arriba a México en 1940, y es en este país que Miroslava va a vivir su adultez en medio de desamores y perdidas (la de su madre en 1944) que llevaran a su misterioso suicidio en 1955.

Buena película con sus virtudes y defectos y que destaca por su ambientación de la época, su cuidada fotografía a cargo de uno de los mejores en el ramo, y por último, sus buenas actuaciones. Tal vez a muchos no les guste el énfasis que se hace en la vida personal (principalmente sus amores) de la actriz; personalmente a mi me parece el mayor defecto de la película, ya que dedicar más tiempo a su vida profesional (lo que casi no se hace) hubiera sido un gran acierto y le hubiera quitado un poco el sello “telenovelesco” que tiene la película en algunas escenas.