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España España · Barcelona
Críticas de Maximillian
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Críticas 125
Críticas ordenadas por utilidad
10
20 de abril de 2007
157 de 184 usuarios han encontrado esta crítica útil
Excelente adaptación fílmica de la exitosa novela homónima de Michael Crichton, a la que le cabe el honor de haber llevado a la pantalla los dinosaurios más creíbles de la historia del cine, en los albores de la era de la animación digital.

La historia se distingue por su ritmo perfectamente planificado, en la que Spielberg alterna, con su efectividad habitual, las trepidantes escenas de acción, entre las que destacan la del tiranosaurio atacando a los coches inmovilizados y la del acoso de los velociraptores a los niños en la cocina del complejo, con las escenas en que se expone la argumentación científica, adoptando formas de film de ciencia ficción, al exponer las sugerentes aproximaciones al proceso de clonación o a la teoría del caos, incluso con escenas de comedia, casi todas ellas protagonizadas por el cáustico personaje interpretado por Jeff Goldblum, o con una ligera trama de espionaje industrial desarrollada en torno al robo de los embriones.

Todo el conjunto es un excelente film de aventuras en la tradición de la novela "El Mundo Perdido" de Conan Doyle, que sería curiosamente el título de su primera secuela, en la que se enfatiza sobre la impotencia del ser humano ante la poderosa y devastadora fuerza de la naturaleza, y es que... parafraseando a Malcolm... "La vida siempre se abre camino".
Maximillian
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9
20 de mayo de 2007
134 de 140 usuarios han encontrado esta crítica útil
Excelente melodrama pasional con tintes de cine negro, sobre la turbia relación de tres ambiguos y fascinantes personajes: Gilda, aventurera de oscuro pasado, casada con el propietario de un casino, que contrata al jugador de fortuna, Johnny Farrell, sin saber que ha sido amante de su mujer.

Entre los tres se establecerá una extraña relación a tres bandas en las que primará entre Gilda y Johnny, el odio como sentimiento opuesto, y por lo tanto próximo, al amor-pasión, expresado en una relación de raíces sadomasoquistas, y la ciega e inquebrantable lealtad de Johnny hacia su jefe, en la que muchos han querido ver una relación de base homosexual.

El film forma parte por derecho propio de la galería de películas míticas, debido principalmente al hipnótico magnetismo de Rita Hayworth en pantalla, a quien le bastó aparacer enfundada en un vestido de satén negro, entonando los acordes, con voz prestada, de "Put the Blame on Mame" y quitarse un guante, para marcar la educación sexual de toda una generación y elevarse a la categoría de diosa inmortal de la belleza y la sensualidad.

La química desbordante entre ella y Glenn Ford, que alcanza su punto álgido en el momento en que Johnny abofetea a Gilda con la rabia del despecho y del deseo contenido, es otra de las razones de mitificación del film, junto a la espléndida fotografía de Rudolph Maté, que supo hacer que la pantalla cobrara vida, cada vez que Gilda movía su radiante cabellera roja.

Gilda marcaría toda la carrera de la infortunada Rita Hayworth, que resumiría perfectamente su fracaso personal al afirmar: "Mi desgracia es que los hombres se acuestan con Gilda y se levantan conmigo".
Maximillian
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7
21 de enero de 2007
167 de 208 usuarios han encontrado esta crítica útil
La franquicia más larga de la historia del cine, no podía haber sido, sin contar con el poder mutante de su protagonista, Bond, James Bond, se ha ido adaptando al signo de los tiempos con singular fortuna.

En 1962, año del estreno del primer largometraje, "Dr. No", Sean Connery ya incorporó novedades sobre el personaje literario creado por Ian Fleming en 1953, el 007 de Connery deshumanizó totalmente al agente secreto, típico producto de la guerra fría, que ya era descrito por el autor como una perfecta máquina de matar, el personaje de Connery era un duro, cruel, misógino, y frío agente secreto, epicúreo y apuesto seductor, que no dudaba en abofetear a una mujer o en asesinar a sangre fría a sus enemigos.

El acartonado modelo George Lazenby pretendió humanizar al personaje en "Al Servicio Secreto de Su Majestad Británica", haciéndole enamorarse y llorar. El público no perdonó un giro tan brusco en uno de los mejores guiones de la saga y, sin duda, la peor interpretación.

Roger Moore dotó al personaje de un aire de "bon vivant" otoñal introduciendo en la saga numerosas escenas de comedia, en forma de respetuosa autoparodia, convirtiendo al personaje en apto para audiencias familiares.

Timothy Dalton, ha sido quien mejor ha reflejado al Bond de las novelas originales, pero no supo dar a su personaje el suficiente carisma para captar el respaldo del público.

Todo lo contrario de lo sucedido a Pierce Brosnan, que en cuatro títulos supo combinar con un magnetismo irresistible la dureza incorporada por Sean Connery, la ternura de Lazenby, el gusto por el sarcasmo de Roger Moore y la fría profesionalidad de Dalton.

Casino Royale y Daniel Craig suponen la renovación más profunda, casi la reinvención integral del personaje, al igual que sus antecesores bebe en la fuente original de Fleming, para intentar capturar su esencia original y se distancia después, para adaptarse al signo de los tiempos.

El Bond de Craig ignora todos los acontecimientos de la saga ¡¡incluida la Guerra Fría!! y reinicia de nuevo su andadura, intentando explicar las razones de algunas de sus señas de identidad.

Es más duro, más fuerte, más exhibicionista, más vulnerable, es un típico producto del cine concebido como espectáculo del exceso, y sabe que su franquicia tiene esta vez competidores más peligrosos que SPECTRA o SMERSCH: el agente Ethan Hunt, Jason Bourne, el agente de la C.I.A. Jack Ryan o el televisivo Jack Bauer de la U.A.T. de Los Ángeles.

¡Suerte Sr. Bond! Esta vez la va a necesitar...
Maximillian
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9
4 de enero de 2007
134 de 148 usuarios han encontrado esta crítica útil
Adaptación cinematográfica de la obra de juventud del compositor Andrew Lloyd Webber (contaba 22 años cuando la compuso), previa a sus éxitos "Evita", "Cats", "Phantom of the Opera" y "Sunset Boulevard".

La obra, con libreto de Tim Rice, fue presentada como doble L.P. y su éxito inmediato, propició su conversión en pieza teatral, cosechando un clamoroso éxito en los escenarios de Broadway y Londres, donde se estuvo representando durante varios años, dando lugar a numerosas giras y llegando a alcanzar más de 3.000 representaciones.

Incluso en un panorama tan poco propicio a la representación de grandes musicales, como la España de los 70, se llegó a estrenar la obra en Madrid, dirigida por Jaime Azpilicueta e interpretada por Camilo Sesto, Teddy Baurtista y Ángela Carrasco, en sus papeles principales, siendo, aún hoy en día, un evento de gratísimo recuerdo para los amantes del musical y de esta obra en particular.

El film, algo lastrado en la actualidad por una desbordante estética hippy, se beneficia de las desgarradas interpretaciones y de las privilegiadas y potentísimas voces de Ted Neely como Jesús, de Carl Anderson como Judas, de Yvonne Elliman como María Magdalena y de Barry Dennen como Poncio Pilatos.

En la actualidad el film sigue manteniendo plenamente su vigencia, gracias a la identificación de los hechos narrados en el Nuevo Testamento con un mensaje virulentamente antimilitarista y antiracista, muy en consonancia con la filosofía hippy de la época, y proponiendo además una revisión de las personalidades de los personajes principales, Cristo, Judas y María Magdalena, muy humanizadas y alejadas de las convenciones habituales.

Rodada íntegramente en Israel, presenta la particularidad de situar la acción a través de una compañía de cantantes y bailarines que viaja en autocar por el desierto del Neguev para representar la famosísima opera-rock en escenarios naturales. Al terminar la representación todos volverán al autocar visiblemete afectados, excepto el actor que ha interpretado el papel de Jesús a quien no vemos regresar (!!!!!!).

Tras el visionado de la película, resulta imposible mantenerse insensible a la belleza lírica de temas como "Gethsemane" o "I don't know to love him", a la vibrante fuerza de "Heaven on their minds" o "Simon, the Zealote, al dramatismo de "Trial before Pilate" o "This Jesus must die" o a la espectacularidad de "Superstar".

En definitiva, una película a la que amar u odiar, pero que con seguridad, a nadie deja indiferente.
Maximillian
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10
10 de mayo de 2005
133 de 151 usuarios han encontrado esta crítica útil
Absoluta obra maestra del drama romántico y de la filmografía de Eastwood.

De una contención casi minimalista, tanto en la labor actoral, como en la puesta en escena, que sin embargo, desborda pasión en todos los planos en que aparecen juntos los protagonistas.

Un auténtico ejercicio de estilo técnico y narrativo que consagra a Eastwood como un director clásico, es decir, atemporal, capaz de las mayores audacias expresivas desde la contención, la sobriedad y una exquisita sensibilidad.
Maximillian
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