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España España · Madrid
Críticas de santos
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Críticas 57
Críticas ordenadas por utilidad
8
2 de mayo de 2011
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Danny boy Flynn es un antiguo boxeador y miembro del IRA, que tras catorce años cumpliendo condena es liberado. A su regreso nada parece haber cambiado, salvo el propio Danny, que ahora sólo piensa en volver al cuadrilátero y recuperar la vida que dejó.

Excepcional cinta que concentra el conflicto armado que atravesaba Irlanda y el modesto mundillo del boxeo, con mucho empaque y con un ritmo pausado pero acertado. Hay ciertos detalles sobre este tipo de facciones armadas, que están bien retratados y que mencionaré a continuación: la cadena de mando, la delación, el respeto a la memoria y familia de camaradas caídos o que cumplen condena, la extremada dificultad que supone abandonar estas organizaciones, (se arriesga la vida), la transmisión de generación en generación de sentimientos como el odio o la aversión hacia la policía o hacia diferentes religiones e ideologías, o el continuo recelo a remedios y soluciones pacíficas para que concluya el conflicto.

El irlandés Jim Sheridan aborda como ya hiciera anteriormente, una de las mayores lacras que sufrió su tierra durante demasiado tiempo, con el oficio, respeto y profesionalidad que acostumbra; y da forma a una obra comprometida, en la que tanto los actos vandálicos, como los combates de boxeo están muy bien realizados.

Daniel Day Lewis vuelve a hacerlo, regala una actuación rebosante de fragilidad, melancolía, a la par que de fortaleza y resistencia; reiterando que él es tranquilamente el mejor actor de las últimas dos décadas y que las escasas veces que nos obsequia con minutos ante la cámara, siempre son de una calidad inigualable.
Emily Watson consigue también una gran actuación y sigue muy bien el paso marcado por Lewis.
Como secundario, el veterano Brian Cox no defrauda en su rol de cabecilla de la banda.

Buen trabajo, que sigue la línea de En el nombre del Padre, y en la que Daniel Day Lewis continua engrandeciendo su leyenda.
santos
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7
26 de abril de 2011
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Manny, un criminal recluido en una prisión de máxima seguridad, que acaba de salir de tres años en una celda de castigo, y cuya relación con el alcaide de la prisión es de odio mutuo, se fuga junto a Buck, un ingenuo joven que le venera. En su huida por las gélidas tierras de Alaska, optarán por subir a un tren que les conduce a un callejón sin salida, y a un encuentro consigo mismos.
Atípica historia, en la que detrás de un tema aparentemente simple y fantástico, se ponen de manifiesto ciertas ideas y razonamientos de un peso moral y ético bastante profundo.
Se encarga de ella el director y guionista ruso, (aunque aquí sólo dirige) Andrei Konchalovsky, que rinde a buen nivel; aunque siempre nos quedará la duda de que hubiera sucedido si la hubiese dirigido el maestro Akira Kurosawa.

Hay algunos aspectos de la película que dejan mucho que desear, por ejemplo: la fuga de la prisión; la visión que se ofrece de esta cárcel, que es muy pobre; algunos personajes, como el alcaide, son desmesuradamente arquetípicos, o la banda sonora, que es francamente mala.
Además, el argumento parece de cine de sobremesa de Antena 3, salvo por dos puntos determinantes: el fondo moral que plantea, y el duelo interpretativo.

El trabajo de John Voight es fenomenal, con una fuerza y una fiereza que corta la respiración, compone a un animal, que fulmina con la mirada y que derrocha resquemor hacia todo y hacia todos; una lástima que esta fuese una de las últimas demostraciones de su auténtico potencial.

Le da la réplica Eric Roberts, que brinda la mejor actuación de su trayectoria, (otro que entró en barrena después de esta), como un joven que conjunta inocencia, pero a la vez garra y energía.
El toque femenino lo agrega Rebecca De Mornay y sus ojazos. El resto de secundarios me parecen bastante normalitos, por no decir flojos.
Película que propone bastante más de lo que puede parecer a simple vista, y en la que Voight echa el resto.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
santos
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8
5 de abril de 2011
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Que Fernando Trueba es uno de los directores más artesanales del panorama nacional es ya bien sabido, con Belle Epoque alcanzó para mi su techo como cineasta y así se quedo patente por la lluvia de permios y reconocimientos nacionales e internacionales que obtuvo esta película.
- Para empezar yo destacaría el gran trabajo de guión hecho por Rafael Azcona,( con el que ya había colaborado en un antecedente a esta obra como El año de las luces, y posteriormente en para mi gusto la fallida: La niña de tus ojos) Es un guión lleno de aciertos, de naturalidad, divertido y ante todo brillante.
-La fotografía y los escenarios son simplemente maravillosos y contribuyen a darle a la película ese aroma a dulce sueño que vive su protagonista. Debo confesar que quedé impresionado por la excelente fotografía y que es sin duda una de las claves del éxito de Belle époque.
-El trabajo de Trueba es de director con mayúsculas, venía de hacer la muy personal, arriesgada ypara mi gusto no muy satisfactoria: El sueño del mono loco, y se marca esta joya. Simplemente me quito el sombrero, aunque creo que esta cima a día de hoy se antoja muy difícil de alcanzar y no digamos de superar.
-El elenco de interpretaciones es sin duda equiparable a la ambición de este proyecto: Si hay un papel de un hombre mayor, traemos al mejor, a Fernando Fernán Gómez, que se precisa un joven galán, pues a Jorge Sanz que esta en la cresta de la ola, un secundario gracioso y un tanto perdedor, quien mejor que el Gabino más en forma. Para redondear el plantel, cuatro ninfas que están todas fantásticas y cerramos el círculo con Agustín González y Chus Lampreave, para que decir nada más.
Comentar que todos están magistrales, desde el infalible Fernán Gómez, a la sorprendente Penélope, pasando por la siempre seductora Maribel Verdú. Hasta Jorge Sanz( quien pese a su enorme popularidad y éxito de aquellos años, no destacaba precisamente por su saber hacer delante de la cámara) está más que correcto en el papel que más peso tiene en la película.

Para cerrar sólo decir que es una obra, que sin ser una obra maestra, ofrece desde un talento y un estado de gracia, una historia simpática, fresca, dichosa y sobre todo amable y lo más importante, algo que sale de los esquemas que ofrece habitualmente el cine español y por ello la hace aún si cabe más imprescindible.
santos
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10
21 de marzo de 2012
6 de 8 usuarios han encontrado esta crítica útil
-Por McNulty y su "profesionalidad"
-Por Daniels y su oficio
-Por Greggs y sus huevos
-Por Pryzbylewski y su escuela
-Por Carver y su ascenso
-Por Herc y su cámara
-Por Freamon y su paciencia
-Por Pearlman y su tenacidad
-Por Bunk, por ser Bunk
-Por Bubbles y su colaboración
-Por Avon y sus esquinas
-Por DÁngelo y su oportunidad
-Por Wallace y su inocencia
-Por Omar y sus principios
-Por String y su ambición
-Por Frank y su sindicato
-Por Nick y su primo
-Por Colvin y Hamsterdam
-Por Cutty y su gimnasio
-Por Michael y su renacimineto
-Por Dukie
-Por Bodie y sus escupilajos
-Por Marlo y su frialdad
-Por Chris, Snoop y su pistola de clavos
-Por Joe y su serenidad
-Por Levy y sus defensas
-Por Carcetti y sus promesas
-Por The Baltimore Sun y sus periodistas
-Por HBO, por superar a Los Soprano
-Por la televisión de España, porque con la ínfima calidad de sus productos te fuerza a refugiarte en grandes series como esta
-Por los dobladores, nunca nadie elevó tanto el valor de la versión original como los de aquí
-Por Enrique y sus recomendaciones
-Por Raúl y Mora que me la pasaron
-Por mi, por darle una oportunidad
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
santos
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10
5 de junio de 2011
4 de 4 usuarios han encontrado esta crítica útil
Holly Golightly es una joven simpática, independiente, elegante y terriblemente irresistible que vive en Nueva York con su gato. Paul es un escritor en horas bajas que se muda al piso superior de Holly y entre los dos nace una fuerte amistad y complicidad.

Como bautizo a este modesto análisis creo que Hollywood es o al menos fue una fábrica de sueños, y esta obra contribuye fuertemente a esta premisa. Los compases iniciales, sonando la melodía de Henry Mancini en la quinta avenida desierta, donde vemos a una deslumbrante Audrey Hepburn desayunando ante un escaparate de la joyería Tiffany son memorables y enamoran.

Adaptación del popular libro Breakfast at Tiffany's de Truman Capote realizada por Blake Edwards, un hombre que desarrolló labores de dirección, guión y producción y que no pasará a la historia como uno de los grandes, pero que dejó en su haber una serie de títulos muy interesantes como Días de vino y rosas, Chantaje contra una mujer o La pantera Rosa. Sin embargo Desayuno con diamantes es la obra que marca un antes y un después en su filmografía y es incontestable la autoría que Edwards imprime a la película.

La verdad es que sería imposible hablar de este filme sin hacer escala en el legendario vestuario, tan cuidado y seleccionado que provocó que Audrey Hepburn emergiera como un icono de la moda que perdura hoy día. Tan importante como el vestuario es la música de Henry Mancini, su Moon River con la voz de Audrey es una de las canciones del cine.

La nómina de intérpretes está encabezada por Audrey Hepburn que crea el papel femenino más famoso y reconocible de la historia, dota a Holly de un estilo, un encanto y un desenfado que la hacen maravillosa; pero también en ella se perciben grandes temores e inseguridades que la vuelven frágil y delicada. Audrey ya tenía una carrera plagada de triunfos, pero Tiffany fue, es y será siempre su diamante más preciado.
George Peppard no está mal y Patricia Neal secunda muy bien.
Pero quería detenerme en dos puntos:
1) La muy apropiada elección de Buddy Ebsen para encarnar al bonachón Doc.
2) La no tan oportuna contratación de Mickey Rooney como el estridente vecino japonés.

Clásico con todas las letras.
santos
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