US 
Canadá 
México 
España 
UK 
Irlanda 
Australia 
Argentina 
Chile 
Colombia 
Uruguay 
Paraguay 
Perú 
Ecuador 
Venezuela 
Costa Rica 
Honduras 
Guatemala 
Bolivia 
Rep. Dominicana
Críticas de burton
15 de octubre de 2006
38 de 45 usuarios han encontrado esta crítica útil
Una OBRA MAESTRA sin paliativos, "Fresas salvajes" es un compendio de las preocupaciones filosóficas de un artista comprometido con el mundo en explicarle las cuestiones existencialistas que están ahí, eternamente, y que aún el hombre (genérico) no ha sido capaz de dilucidar.
Una road movie que camina a lo largo de las dos dimensiones básicas; espacio y tiempo...
A través de un espacio físico que conduce a su protagonista, un hombre en su etapa de senectud a las puertas de una muerte inminente, hacia una nueva etapa más en su vida...y que a su vez invita al mismo a hacer una especie de regresión temporal de atrás hacia delante partiendo de 0..., de su época joven en aquellos campos de fresas salvajes, regurgitando atisbos de una vida que ya (en el presente) toca a su fin...
Todo un compendio metafórico de la vida de un hombre en manifestaciones artísticas mezcla de surrealismo a la hora de retrotaerse en la dimensión temporal, y expresionista a la hora de resaltar ciertos aspectos de ese pasado evocado y ejemplarizante...
Bergman facturó esta película en el mismo año (1957)que viera la luz otra de sus obras maestras indiscutibles; "El séptimo sello", escrita por él mientras yacía convaleciente en un hospital, dando un paso más en cuanto a sus habituales planteamientos filosóficos y existencialistas, como si quisiera hacer un resumen definitivo sobre sus planteaminetos y posturas artísticas...
La "palabrota" "Smultronstället", título original en el sueco materno de Bergman, viene a denotar ese tiempo de fresas silvestres que en Suecia se asocia como emblema del tiempo primaveral y que Bergman aprovechó como metáfora del paradigmático viaje a través del tiempo y del espacio, revelando las inquietudes vitales que instigan nuestra conciencia y la dejan perpleja al no encontrar respuestas definitivas...
La búsqueda de la felicidad no es un fin en sí mismo sino más bien un efecto colateral que nada tiene que ver con la voluntad y el proceso racional, sino con aquellos livianos subproductos que quedan en el camino...
Haciedo feliz a los demás, comportándose de manera altruista e incondicional, uno puede llegar a sentirse bien con uno mismo que es tanto como decir llegar a ser feliz...
El profesor Isak Borg (Victor Sjöström, legendario actor mudo del cine sueco ) es nuestro cicerone en esta búsqueda de la felicidad a través del tiempo y del espacio...
Magníficamente narrada y rodada, fotografiada espléndidamente por el visor de la cámara de un habitual de Bergman, Gunnar Fischer, en un blanco y negro por momentos (sobre todo en el sueño iniciático del profesor) portentoso y cálidamente expresionista reflejando soberbiamente la quietud de un tiempo amenazante y siniestramente agorero...)...
"...Las conversaciones suelen reducirse a comentar y censurar la manera de ser y el comportamiento del prójimo, y ésto me ha llevado a renunciar de manera rotunda del mundo social...".
O B R A M A E S T R A.
Una road movie que camina a lo largo de las dos dimensiones básicas; espacio y tiempo...
A través de un espacio físico que conduce a su protagonista, un hombre en su etapa de senectud a las puertas de una muerte inminente, hacia una nueva etapa más en su vida...y que a su vez invita al mismo a hacer una especie de regresión temporal de atrás hacia delante partiendo de 0..., de su época joven en aquellos campos de fresas salvajes, regurgitando atisbos de una vida que ya (en el presente) toca a su fin...
Todo un compendio metafórico de la vida de un hombre en manifestaciones artísticas mezcla de surrealismo a la hora de retrotaerse en la dimensión temporal, y expresionista a la hora de resaltar ciertos aspectos de ese pasado evocado y ejemplarizante...
Bergman facturó esta película en el mismo año (1957)que viera la luz otra de sus obras maestras indiscutibles; "El séptimo sello", escrita por él mientras yacía convaleciente en un hospital, dando un paso más en cuanto a sus habituales planteamientos filosóficos y existencialistas, como si quisiera hacer un resumen definitivo sobre sus planteaminetos y posturas artísticas...
La "palabrota" "Smultronstället", título original en el sueco materno de Bergman, viene a denotar ese tiempo de fresas silvestres que en Suecia se asocia como emblema del tiempo primaveral y que Bergman aprovechó como metáfora del paradigmático viaje a través del tiempo y del espacio, revelando las inquietudes vitales que instigan nuestra conciencia y la dejan perpleja al no encontrar respuestas definitivas...
La búsqueda de la felicidad no es un fin en sí mismo sino más bien un efecto colateral que nada tiene que ver con la voluntad y el proceso racional, sino con aquellos livianos subproductos que quedan en el camino...
Haciedo feliz a los demás, comportándose de manera altruista e incondicional, uno puede llegar a sentirse bien con uno mismo que es tanto como decir llegar a ser feliz...
El profesor Isak Borg (Victor Sjöström, legendario actor mudo del cine sueco ) es nuestro cicerone en esta búsqueda de la felicidad a través del tiempo y del espacio...
Magníficamente narrada y rodada, fotografiada espléndidamente por el visor de la cámara de un habitual de Bergman, Gunnar Fischer, en un blanco y negro por momentos (sobre todo en el sueño iniciático del profesor) portentoso y cálidamente expresionista reflejando soberbiamente la quietud de un tiempo amenazante y siniestramente agorero...)...
"...Las conversaciones suelen reducirse a comentar y censurar la manera de ser y el comportamiento del prójimo, y ésto me ha llevado a renunciar de manera rotunda del mundo social...".
O B R A M A E S T R A.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
30 de noviembre de 2006
39 de 48 usuarios han encontrado esta crítica útil
Entre medias de su obra cumbre dos años antes "Otto e mezzo" y la posterior e irregular "Satiricón", Fellini vuelve a sorprendernos, esta vez en color, su primera
y bendita paranoia en color, con una obra difícil de catalogar, pues aunque el maestro de Rímini sigue exponiéndonos sus inquietudes existenciales de manera tan personal y sublimemente artística, al mismo tiempo nos gotea con una sucesión de imágenes delicatessen y oníricas...
El miedo a afrontar la realidad por miedo a una situación distinta a la comodidad de lo ya
conocido..., los fantasmas del pasado que atormentan nuestras pusilánimes existencias con recuerdos mitad reales, mitad ficiticios...las pócimas para el olvido...el recurso espiritual como instigador de esos fantasmas y el recurso del psicoanálisis para ahuyentarlos...
Con una estupenda fotografía en color a cargo de Gianni Di Venanzo ("Otto e mezzo" y "Rufufu") y una correcta banda sonora a cargo del maestro Nino Rota con la participación especial de Eugene Walter para el corte final en "Go milk the Moon" y la ambientación
jazzisística en general, Fellini factura esta obra de ritmo y cadencia desigual, adquiriendo por momentos el carácter de un alubión de gags visuales y surrealistas que hacen que el espectador pierda comba de la trama, pues los fantasmas y espíritus que se le presentan a
la genial Giulietta Masina(esposa del director) forman parte de una vida en su apogeo sentimental más tensionado, llena de contradicciones y dudas existenciales...
Fellini falla esta vez a mi modo de ver en partes del planteamiento y sobre todo en la exposición de la obra, pues como piezas inconexas y difíciles de ensamblar y ubicar, la obra naufraga finalmente en su desarrollo narrativo, si bien quedarán para el recuerdo sus habituales exhibiciones de portento creativo e imágenes de una belleza plástica difícilmente comparables en la filmografía de cualquier otro autor de cualquier época...
La participación anecdótica del inclasificable y bien relacionado José Luis de Villalonga como José, el huésped español de su marido Giorgio, ensalzando los "valores" patrios (toros, sangría y demás tópicos sandungueros y pandereteros) me confirman en la puntuación final, pues a
fuerza de creativo a veces se pasa dos pueblos cayendo en la más profunda y burda pretenciosidad...
Auque sólo sea por deleitarnos con la plasticidad y creatividad original de las imágenes de su particular mundo onírico merece la pena su visionado. Cuando menos;
I N T E R E S A N T E.
y bendita paranoia en color, con una obra difícil de catalogar, pues aunque el maestro de Rímini sigue exponiéndonos sus inquietudes existenciales de manera tan personal y sublimemente artística, al mismo tiempo nos gotea con una sucesión de imágenes delicatessen y oníricas...
El miedo a afrontar la realidad por miedo a una situación distinta a la comodidad de lo ya
conocido..., los fantasmas del pasado que atormentan nuestras pusilánimes existencias con recuerdos mitad reales, mitad ficiticios...las pócimas para el olvido...el recurso espiritual como instigador de esos fantasmas y el recurso del psicoanálisis para ahuyentarlos...
Con una estupenda fotografía en color a cargo de Gianni Di Venanzo ("Otto e mezzo" y "Rufufu") y una correcta banda sonora a cargo del maestro Nino Rota con la participación especial de Eugene Walter para el corte final en "Go milk the Moon" y la ambientación
jazzisística en general, Fellini factura esta obra de ritmo y cadencia desigual, adquiriendo por momentos el carácter de un alubión de gags visuales y surrealistas que hacen que el espectador pierda comba de la trama, pues los fantasmas y espíritus que se le presentan a
la genial Giulietta Masina(esposa del director) forman parte de una vida en su apogeo sentimental más tensionado, llena de contradicciones y dudas existenciales...
Fellini falla esta vez a mi modo de ver en partes del planteamiento y sobre todo en la exposición de la obra, pues como piezas inconexas y difíciles de ensamblar y ubicar, la obra naufraga finalmente en su desarrollo narrativo, si bien quedarán para el recuerdo sus habituales exhibiciones de portento creativo e imágenes de una belleza plástica difícilmente comparables en la filmografía de cualquier otro autor de cualquier época...
La participación anecdótica del inclasificable y bien relacionado José Luis de Villalonga como José, el huésped español de su marido Giorgio, ensalzando los "valores" patrios (toros, sangría y demás tópicos sandungueros y pandereteros) me confirman en la puntuación final, pues a
fuerza de creativo a veces se pasa dos pueblos cayendo en la más profunda y burda pretenciosidad...
Auque sólo sea por deleitarnos con la plasticidad y creatividad original de las imágenes de su particular mundo onírico merece la pena su visionado. Cuando menos;
I N T E R E S A N T E.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
Llegó a mí
30 de julio de 2006
36 de 42 usuarios han encontrado esta crítica útil
"...La leyenda debe continuar...".
Estas palabras bien pudieran haber sido pronunciadas por Norma Desmond en la obra maestra de Billy Wilder, "El crepúsculo de los Dioses", pero se tratan simplemente de una frase sentenciadora en la vida de Fedora, una creación literaria del escritor Thomas Tryon que fue lllevada a la gran pantalla por el gran Billy Wilder con la colaboración inestimable de su casi inseparable co-guionista Diamond, y que guarda un enorme parecido formal con su mencionada obra maestra (Sunset Boulevard).
Rodada en los estudios Bavaria en Alemania, en Boulogne en Francia y con exteriores en Grecia y Francia, la fotografía corrió a cargo de Gerry Fischer y la música fue obra del prestigioso Micklos Rozsa.
Si bien puede decirse que es una obra menor que "El crepúsculo de los Dioses", no deja por ello de ser otra obra más de relumbrón en la brillante filmografía de este director de origen vienés, que en esta ocasión factura una impecable película, su penúltima cinta antes de "Aquí, un amigo".
Con una fotografía francamente meritoria ayudada por una belleza de paisajes extraordinaria y sublime, Wilder nos legó en su ocaso esta obra crepuscular, tal vez para recordarnos que una vez, realizó un ramillete de obras que quedarán impregnadas para siempre en la retina del espectador, como pedazos de ARTE inigualables.
Fedora ha muerto sí, pero aún nos queda hora y tres cuartos de metraje, en el que poder sumergirnos de tanto en tanto en busca de cine, de buen cine, de ese cine con mayúsculas al que Wilder nos tenía "mal acostumbrados"... Sobre la búsqueda de la fama y la leyenda, de la belleza incorruptible, sobre los viejos tiempos gloriosos, y sobre todo sobre las miserias del alma humana...
Aún seguimos sin saber nada de la vida de Fedora y su séquito de hipócritas cómplices que la llevaron a su destrucción...
Estas palabras bien pudieran haber sido pronunciadas por Norma Desmond en la obra maestra de Billy Wilder, "El crepúsculo de los Dioses", pero se tratan simplemente de una frase sentenciadora en la vida de Fedora, una creación literaria del escritor Thomas Tryon que fue lllevada a la gran pantalla por el gran Billy Wilder con la colaboración inestimable de su casi inseparable co-guionista Diamond, y que guarda un enorme parecido formal con su mencionada obra maestra (Sunset Boulevard).
Rodada en los estudios Bavaria en Alemania, en Boulogne en Francia y con exteriores en Grecia y Francia, la fotografía corrió a cargo de Gerry Fischer y la música fue obra del prestigioso Micklos Rozsa.
Si bien puede decirse que es una obra menor que "El crepúsculo de los Dioses", no deja por ello de ser otra obra más de relumbrón en la brillante filmografía de este director de origen vienés, que en esta ocasión factura una impecable película, su penúltima cinta antes de "Aquí, un amigo".
Con una fotografía francamente meritoria ayudada por una belleza de paisajes extraordinaria y sublime, Wilder nos legó en su ocaso esta obra crepuscular, tal vez para recordarnos que una vez, realizó un ramillete de obras que quedarán impregnadas para siempre en la retina del espectador, como pedazos de ARTE inigualables.
Fedora ha muerto sí, pero aún nos queda hora y tres cuartos de metraje, en el que poder sumergirnos de tanto en tanto en busca de cine, de buen cine, de ese cine con mayúsculas al que Wilder nos tenía "mal acostumbrados"... Sobre la búsqueda de la fama y la leyenda, de la belleza incorruptible, sobre los viejos tiempos gloriosos, y sobre todo sobre las miserias del alma humana...
Aún seguimos sin saber nada de la vida de Fedora y su séquito de hipócritas cómplices que la llevaron a su destrucción...
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
29 de abril de 2006
36 de 42 usuarios han encontrado esta crítica útil
Aunque esta película esté a años luz de una película redonda, sus diálogos, y su ritmo narrativo noquean tus sentidos, entrando en una especie de trance emocional que desemboca en festival orgiástico para los sentidos. Jamás escuché frases mas punzantes y dichas con tan mala leche como en esta película. Es difícil que el espectador no se conmueva y agríe su carácter.
Si bien David Mamet, genial guionista e irregular director, escribió el guión sacado de su pieza teatral epónima, Foley ha sabido imprimirle un vigoroso y portentoso sentido del ritmo narrativo.
Los actores son buenísimos, y sus interpretaciones poderosísimas. De hecho, si revisamos las obras de cada uno de los intérpretes, esta película ocupa con certeza absoluta y sin ningún tipo de apasionamiento una de sus tres mejores interpretaciones respectivas.
Pacino, el más hábil de los vendedores es aquí la confirmación de que cuando se pone a ello está entre los cinco mejores actores de siempre. Lemon está sencillamente INSUPERABLE. ¡Guau! es increíble su derroche interpretativo. Conmueve. Ésto lo dice todo de una interpretación. El resto del elenco estelar también abruma.
Aunque otras película estén mejor facturadas desde una perspectiva técnica, GlenGarry se lleva el premio al "equipo revelación".
Si bien David Mamet, genial guionista e irregular director, escribió el guión sacado de su pieza teatral epónima, Foley ha sabido imprimirle un vigoroso y portentoso sentido del ritmo narrativo.
Los actores son buenísimos, y sus interpretaciones poderosísimas. De hecho, si revisamos las obras de cada uno de los intérpretes, esta película ocupa con certeza absoluta y sin ningún tipo de apasionamiento una de sus tres mejores interpretaciones respectivas.
Pacino, el más hábil de los vendedores es aquí la confirmación de que cuando se pone a ello está entre los cinco mejores actores de siempre. Lemon está sencillamente INSUPERABLE. ¡Guau! es increíble su derroche interpretativo. Conmueve. Ésto lo dice todo de una interpretación. El resto del elenco estelar también abruma.
Aunque otras película estén mejor facturadas desde una perspectiva técnica, GlenGarry se lleva el premio al "equipo revelación".
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
23 de diciembre de 2006
48 de 67 usuarios han encontrado esta crítica útil
Excelente psicothriller neurótico y claustrofóbico, justo al año siguiente de su obra maestra, el elegante y azabache "Chinatown" y nueve años después de que el maestro polaco nacionalizado francés, Roman Polansky, nos introdujera en detalles con la excelente también "La semilla del diablo"...
Con una excelente y decadentemente melancólica y acongojante fotografía en color a cargo de un maestro del asunto como fue Sven Nykvist, el fotógrafo habitual de Ingmar Bergman, y una efectiva e intrigante banda sonora a cargo de Philippe Sarde, el cineasta de "Repulsión" y "El pianista" factura este impecable psicothriller donde el personaje del polaco Trelkovsky interpretado no casualmente por el propio Polansky, traza un perfecto manual sobre la locura y la paranoia como si del maestro H. P Lovecraft se tratara...
Y todo ello y tal como ya ocurriera en su mencionada "La semilla del diablo", en el microespacio vital de una comunidad de vecinos que actúan como fantasmas precursores de la galopante locura a la que Trrelkovsky se ve indefectiblemente impelido...
Brutal el retrato psicológico de unos personajes opacos pero magistralmente cincelados con unos trazos gruesos pero enormemente descriptivos...
Poco a poco el claustrofóbico hábitat de la comunidad de vecinos en un ambiente demasiado represivo le hará convencerse de que sus vecinos conspiran contra él de la misma manera a como lo hicieron contra la anterior inquilina del apartamento...arrastrándole irremisiblemente a una violenta y repentina muerte ventana abajo del patio interior de la comunidad...
No contiene a penas acción, pero sí mucha, mucha psicología y estimula a la reflexión sobre una transición social de la población continuamente adaptándose a los cambios habituales de generación...
¿Hata qué punto uno debe renunciar a su parcela de intimidad para vivir en sociedad? Las extrañas costumbres de sus vecinos impulsaron a Trelkovsky hacia las montañas de la locura como muy bien se encargara de reflejar esta estupenda obra del polémico maestro polaco...
Año tras año la obra se convierte en una película
N E C E S A R I A (Y sin duda alguna Alex de la Iglesia tomó buena cuenta de ésto en su película "La comunidad").
Con una excelente y decadentemente melancólica y acongojante fotografía en color a cargo de un maestro del asunto como fue Sven Nykvist, el fotógrafo habitual de Ingmar Bergman, y una efectiva e intrigante banda sonora a cargo de Philippe Sarde, el cineasta de "Repulsión" y "El pianista" factura este impecable psicothriller donde el personaje del polaco Trelkovsky interpretado no casualmente por el propio Polansky, traza un perfecto manual sobre la locura y la paranoia como si del maestro H. P Lovecraft se tratara...
Y todo ello y tal como ya ocurriera en su mencionada "La semilla del diablo", en el microespacio vital de una comunidad de vecinos que actúan como fantasmas precursores de la galopante locura a la que Trrelkovsky se ve indefectiblemente impelido...
Brutal el retrato psicológico de unos personajes opacos pero magistralmente cincelados con unos trazos gruesos pero enormemente descriptivos...
Poco a poco el claustrofóbico hábitat de la comunidad de vecinos en un ambiente demasiado represivo le hará convencerse de que sus vecinos conspiran contra él de la misma manera a como lo hicieron contra la anterior inquilina del apartamento...arrastrándole irremisiblemente a una violenta y repentina muerte ventana abajo del patio interior de la comunidad...
No contiene a penas acción, pero sí mucha, mucha psicología y estimula a la reflexión sobre una transición social de la población continuamente adaptándose a los cambios habituales de generación...
¿Hata qué punto uno debe renunciar a su parcela de intimidad para vivir en sociedad? Las extrañas costumbres de sus vecinos impulsaron a Trelkovsky hacia las montañas de la locura como muy bien se encargara de reflejar esta estupenda obra del polémico maestro polaco...
Año tras año la obra se convierte en una película
N E C E S A R I A (Y sin duda alguna Alex de la Iglesia tomó buena cuenta de ésto en su película "La comunidad").
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
Más sobre burton
Cancelar
Limpiar
Aplicar
Filters & Sorts
You can change filter options and sorts from here
