‘Zona hostil’ es la ópera prima del realizador español Adolfo Martínez que la configura como un merecido homenaje a los hombres y mujeres de nuestro ejército. Un ejército olvidado por casi todos y al que sólo se le recuerda cuando hay alguna desgracia.
El film está basado en hechos reales ocurridos en Afganistán el 3 de agosto de 2012, cuando el helicóptero español HD.21-12 sufrió un percance quedando inutilizado en una “zona hostil”. Estos hechos son adaptados de manera bastante libre para resaltar la labor de nuestros militares.

Ahondando ya en la película, lo que más destaca es lo bien que Adolfo Martínez ha filmado todo lo relativo al rescate del Súper-Puma. Las secuencias aéreas son un lujo viendo en acción a los Chinooks y la presencia de los Tigres españoles haciendo pasadas para espantar al enemigo. También hay que resaltar que Martínez nos muestre los entresijos de la operación (la importancia de no dejar un helicóptero abandonado) y que se nos muestre además el trabajo de los puestos de inteligencia y satélite. En este y en otros aspectos (el actoral, por ejemplo) el film ha contado el apoyo del Ejército Español y esto se nota para bien.

En general, el trabajo del realizador nacido en EEUU y criado en España es bastante bueno, aunque quizás se echa en falta algo más de garra, intensidad y/o visceralidad a lo largo del metraje a la hora de la filmación de los ataques insurgentes que, salvo alguna escena en concreto, quedan algo descafeinados para lo que habría sido deseable o esperable en este film. Por otro lado, apuntar el buen tino con las localizaciones en Almería, Canarias, Madrid y Zaragoza que nos sitúan más que menos en Afganistán.

En definitiva: 'Zona hostil' es una nueva apuesta del cine español por ir abarcando cada vez más temáticas y que más o menos da lo que promete: buena ambientación y conseguida exhibición de la maquinaria militar a través del manejo de la cámara de Adolfo Martínez. Nueva meta conseguida por nuestro cine.

-Lo mejor: Las secuencias de los helicópteros. Una nueva y loable propuesta de nuestro cine. Contarnos una historia en 93 minutos y no en esos “metrajes interminables” de más de dos horas que tanto se estilan actualmente. El agradecimiento y homenaje a nuestros militares.

-Lo peor: El guión resulta sencillo aunque cumplidor para este tipo de producción. Se podía haber intentado profundizar algo en las motivaciones de los insurgentes.

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Aun siendo un tremendo nostálgico del film de los 80, este nuevo “reboot” no me ha desagradado y hasta me hizo pasar un buen rato. ¿Por qué? Por su tremenda ingenuidad, por no querer intentar superar ni probar nada y porque sus actrices te ganan con sus caricaturescas interpretaciones.

Aquí Paul Feig no ha intentado competir con el mito (lo cuál, dicho sea de paso, sería “imposible”) sino que nos muestra su propia versión, invitándonos a un divertido show que no se toma en serio así mismo ni un solo minuto… las continuas referencias cinéfilas o los guiños y cameos al film y al equipo original son una buena prueba de esto que digo. Referencias cinéfilas hay por un tubo: desde ‘Ghost’ hasta ‘Tiburón’; guiños al film original lo mismo (el logo, el coche, los mocos, Slimer…); y los cameos del equipo original están muy bien tirados incluyendo además el buenísimo gesto/detalle de una dedicatoria final. Es decir, Feig ha sabido honrar “a su manera” el legado del film original.

Con respecto a los efectos especiales comentar que todo lo relativo a las nuevas armas/gadgets de “las cazafantasmas” luce de maravilla y con un fenomenal lavado de cara. No puedo decir lo mismo de los aspectos de los fantasmas que parecen tan “retocados” y con una apariencia tan “nueva” que lo único que consiguen es restarles credibilidad y terror, haciendo que al verlos pensemos inmediatamente en los videojuegos de las consolas…

En el casting las cazafantasmas femeninas son Melissa McCarthy, Kristen Wiig, Kate McKinnon y Leslie Jones. Las cuatro actrices brillan a un buen nivel por lo que he comentado antes, porque son cuatro caricaturas andantes (en el buen sentido) que han venido a pasarlo bien y hacérselo pasar bien al público. No pretenden superar nada, sólo ofrecer un buen rato. El resto de intérpretes más o menos destacados siguen esa línea caricaturesca marcada por el cuarteto principal, especialmente un Chris Hemsworth "dibujado" como un completo y total inútil elevado a la máxima potencia.

En definitiva: Esta película no busca trascender y “sólo” se contenta con ofrecer un rato de simpática diversión, algo que termina por conseguir en mayor o menor medida… y eso ya es mucho en los tiempos que corren. Sólo recomendada para gente que quiera divertirse de manera inocente sin más pretensiones.

-Lo mejor: Las cuatro protagonistas personalizadas todas ellas como caricaturas andantes de dibujos animados. Los cameos de parte del elenco original. Los guiños/referencias al film de 1984 y a otras muchas películas. El espectacular y muy bien conseguido clímax final.

-Lo peor: Salvo en el climax final (que se hace breve), el resto de efectos especiales relativos a los fantasmas son más propios de un videojuego que de una película que ha costado casi 150 millones.

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Hitchcock solía decir que una película es buena cuando puedes resumir su argumento en una sola frase. Y digamos que no es el caso que nos ocupa, aunque ello no implica que esta película sea mala, sino excesivamente compleja. ‘Dune’ está basada en la novela homónima de Frank Herbert, y es a todas luces un libro de ciencia ficción que ha servido de referente para un buen número de películas, llegando incluso a adentrarse en el mundo de los videojuegos. Es una buena idea leer el libro de Herbert para poder asimilar la película de Lynch. Aunque no es menos cierto que acometió la filmación sin tener en cuenta que resumir en apenas dos horas esta fantástica historia llena de complicadas intrigas cortesanas era tarea imposible. ‘Dune’ es un brillante desastre que fascina y satura por igual.

La obra de Frank Herbert si me perdonáis la comparación (la leí en algún sitio hace tiempo), esto sería como condensar ‘El Señor de los Anillos’ de Tolkien en una sola película… Muchos personajes, muchas historias cruzadas, intrigas políticas, mesianismo religioso, metafísica… Vamos, que te sientes abandonado a tu suerte sin nadie que te explique de qué va todo de forma tranquila y meticulosa. La verdad es que David Lynch no es santo de mi devoción, es más un artista que un cineasta, y mejor guionista que director, y ello conlleva que tire más hacia una intelectualización de sus obras en lugar de comunicar la historia al espectador. Eso es un auténtico lastre en esta película, y ha provocado que los fans de la obra de Herbert no se pongan de acuerdo a la hora de valorarla.

David Lynch se quiso ceñir a la novela original en todos sus aspectos. Eso se nota, sobre todo, en las pausas que imprime o también en esas voces en off que transmiten los pensamientos de los personajes. El ritmo narrativo es lento y constante, focalizado en conocer a los personajes y lo que piensan. La acción es dejada en un segundo plano, aunque en mi opinión se incrusta en los momentos precisos con bastante acierto. Cabe decir que si algo dejó claro George Lucas con “Star Wars” es que el público, cuando se sumerge en una historia entretenida, es capaz de absorber toda clase de conceptos y palabras. Y en ‘Dune’ no se obtiene esa sensación, quizás por el hecho de que se nos presenta la historia con una solemnidad excesiva. También podemos decir que la dirección de Lynch se mueve por altibajos constantes, dejando lo mejor de sí para cuando trata a los Harkonnen. Y es que Mr. Lynch es un gran amante de la perversidad y el surrealismo sexual, y eso se nota en escenas como la del Barón Harkonnen y sus granos supurantes, el sadismo y la crueldad llevado al extremo y rozando lo desagradable.

Por su parte, la banda sonora de esta película está firmada por Toto y alguna pieza de Brian Eno, y en general se puede decir que funciona perfectamente y crea un vínculo invisible con la estética de la película. Una estética que, lejos de buscar elementos futuristas típicos del género espacial, prefiere recuperar la esencia más barroca en cuanto a muebles, vestuario e incluso el diseño de las estancias. De los efectos especiales no podemos estar demasiado contentos y cualquier cinéfilo se preguntará por qué una película rodada posteriormente y con mayor presupuesto que otras es incapaz de lograr el nivel esperado. Nuevamente, la posible respuesta es que Lynch estuviera más interesado en plasmar conceptos que en entretener y captar la atención del espectador.

Concluyendo, esta película es obra de un director visionario, y como tal debe ser vista desde un prisma diferente. Se me hace muy evidente que David Lynch refrenó su vena artista todo lo que pudo para contentar a las masas, pero no pidamos milagros. A diferencia de otras películas arriesga y se mueve sobre un hilo, dejando demasiadas cosas sin aclarar. Y es que nuevamente me veo en la obligación de recomendar la lectura del libro para poder entender realmente la película y vislumbrar por dónde nos lleva Lynch. Un libro que, ya os aviso, es denso y complejo. Pero bueno, pese a ser un caos con una evidente saturación de elementos, la película está narrada de forma correcta y aporta escenas de acción intercaladas ingeniosamente. No deja de ser meritorio que en una época dominada por “Star Wars” y “Star Trek” esta película se hiciera un hueco. Y es que ‘Dune’ es ante todo una película para recordar, aunque el hecho de que sea un buen recuerdo o uno malo depende en gran medida de la tolerancia al cine gonzo que tenga el espectador.

-Lo mejor: Un diseño de producción barroco y fascinante que adapta perfectamente muchos de los elementos de la obra literaria original.

-Lo peor: La complejidad del universo de "Dune" es demasiado basta, a poco que el espectador se despiste acaba perdido y sin entender nada de lo que está viendo.

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Esta nueva película de Gabriele Muccino vuelve a incidir en las relaciones paternofiliales y en la familia. Aquí, y por un lado, seremos testigos de la bonita y cariñosa relación que se establece entre Jake Davis y su hijita Katie tras sufrir ambos una gran pérdida... y por otro lado seremos testigos de las intrigas familiares de su cuñada para intentar arrebatarle a Jake a su pequeña. Además, la película también avanza hacia el futuro de Katie mostrándonosla ya como una joven y ejemplar estudiante de Psicología que tiene un tormentoso lado oscuro provocado por el pasado.
El medio cinematográfico que Gabriele Muccino usa hábilmente para contarnos las historias descritas en el párrafo anterior es el flashback. Las miradas al pasado y al presente son continuas en la narración pero muy naturalmente insertadas en el film.

Al margen de las relaciones paternofiliales y la familia, el libreto del film incide también con bastante tino e interés en cuestiones importantes como son: la enfermedad mental, la escritura, los niños con problemas y la falta de una afectividad amorosa que empuja a la autodestrucción personal.

Donde más luce 'De padres a hijas' es en el apartado actoral, destacando especialmente Russel Crowe y Amanda Seyfried. Crowe realiza otra gran interpretación sin caer en “aspavientos” ni “exageraciones” innecesarias a la hora de mostrar en la pantalla las visicitudes de su personaje. Por su parte, Seyfried logra una de sus mejores interpretaciones como Katie.
Sin embargo, y aún estando fabulosos Russell Crowe y Amanda Seyfried, la gran revelación de este film es la pequeña Kylie Rogers. Kylie convierte en una explosión de naturalidad todas y cada una de sus intervenciones, amén de sentir a Russell Crowe como si fuera su propio padre y lograr transmitir todo ese amor al público. Esta pequeña me ganó por completo.

En definitiva: ‘De padres a hijas’ es una película que destaca fundamentalmente por sus estupendas actuaciones que transmiten plenamente los diferentes estados de ánimo por los que pasan los personajes del film. Emotiva, muy sentimental y con una dramática historia de la vida cotidiana por contar… así es ‘De padres a hijas’.

-Lo mejor: Las actuaciones, todas ellas sobresalientes y con una mención especial para la pequeña Kylie Rogers que enamora la pantalla con su increíble y desbordante naturalidad.

-Lo peor: La temática que incide en la relación de “padre/hija en problemas” está quizás ya muy vista pero se completa de manera hábil con el resto de temáticas del film.

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El 23 de julio de 2011, Amy Winehouse pasaba a formar parte del Club de los 27, la trágica lista de estrellas de la música que de forma prematura habían pasado a mejor vida. Considerado por muchos como la crónica de una muerte anunciada, el fallecimiento de la solista sentó como un jarro de agua fría a gran parte de la población.'Amy' es el primer documental entorno a la figura de la cantante londinense, y se convierte en una pieza definitiva para comprender a la persona y al personaje, para así llegar a amar aún más su legado.

Contado a modo de compendio de videos caseros, entrevistas, conciertos, videos de YouTube, grabaciones telefónicas y testimonios de sus más allegados, ‘Amy’ funciona a la perfección como fiel retrato del sensacionalismo. Es aterrador contemplar como una horda de seres depravados decidieron convertirse en carroñeros de la vida de Winehouse, gallina de los huevos de oro en forma de niña atrapada en el cuerpo de una mujer. Si algo queda patente en la magnánima tarea llevada a cabo por Asif Kapadia, es que muestra sin ningún tipo de rubor la verdadera cara de aquellos quienes decidieron vivir a costa de la artista. Incisiva, sin llegar a caer en el amarillismo de quienes convirtieron la vida de Amy en un infierno, nos hace partícipes de la vida privada (que nunca llegó a ser lo íntima que ella hubiera deseado) de la cantante a través de las escuchas de aquellos que decidían grabar sus conversaciones telefónicas con ella, aspecto clave para entender el nivel de malicia de los mismos. El doloroso precio de la fama.

Kapadia no plasma únicamente las sombras de la protagonista en ‘Amy’, entre las que figurarían su relación con las drogas, lo tóxico que resultó su matrimonio con Blake Edwards o el oportunismo de su padre... sino que también hay mucho tiempo para las luces de Winehouse.

En conclusión: No estamos ante una hagiografía ni, por lo contrario, ante una pieza sensacionalista. Tenemos la suerte de que se estrena un retrato fiel del mundo del espectáculo, donde las sombras brillan más que las luces, pero en el que pese a toda la oscuridad que la rodeó en vida, Amy Winehouse consigue seguir resplandeciendo por encima de todos. Sigue descansando en paz, Amy.

-Lo mejor: No se anda con rodeos, consiguiendo hacer que su mensaje nos llegue al alma a modo de cuchillo afilado.

-Lo peor: Contemplar en primer plano la vomitiva actitud del “señor” Mitch Winehouse.

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