Ferdinando Cefalú (Marcello Mastroianni) un noble siciliano de familia venida a menos está perdidamente enamorado de Ángela, su prima adolescente. Intentará por todos los medios que su mujer Rosalía le ponga los cuernos para utilizar en su favor un código penal italiano que le daría razón en unas determinadas circunstancias a la hora de poder casarse con Ángela.

Pietro Germi elabora una comedia dramática para hacer una dura crítica a la hipocresía de la sociedad retrógrada/machista y a las leyes italianas de aquella época.

La crítica se focalizaba en la inexistencia del divorcio y los problemas que provocaba. También sobre el código penal italiano de aquellos tiempos que establece una importante reducción de penas en los casos de "delito de honor" (asesinato de la mujer cuando el marido la encuentra en flagrante adulterio).

Divorcio a la italiana se trata de una de las películas clave de lo que se denominó Commedia all'italiana. Este género, muy vinculado a la cultura popular de Italia, nació como contraposición al neorrealismo italiano que imperó la cinematografía italiana de mediados de los 40 a finales de los 50.

Los dos elementos más destacados de la película son: la galopante banda sonora que acompaña los 104 minutos de película a la desbordante interpretación Marcello Mastroianni.

Mastroianni está memorable con su sempiterno cigarro con boquilla, su mueca burlona y su estampa de hacerse “el tonto” en una de las comedias más negras de la historia.

El elegante y afable Roger Willoughby (Rock Hudson) es trabajador de la sección de pesca de los almacenes Abercrombie & Fitch. Su trabajo es muy bien valorado por sus clientes al considerarle ducho en la materia. Pero nada más lejos de la realidad ya que utiliza los consejos de unos clientes para dárselos a los otros. Su farsa se empieza a tambalear cuando su jefe insiste en que debería representar a la empresa en un campeonato de pesca en el lago Wakapoogee. La relaciones públicas del evento (Paula Prentiss) y la hija del organizador descubren su mentira e intentarán por todos los medios ayudarle para que nadie lo descubra.

El director Howard Hawks de 68 años quería hacer con esta película su propio homenaje a su gran comedia Screwball: “la fiera de mi niña” de 1938. Los actores originales (Hepburn y Grant) no quisieron participar, pero consiguió que los actores Rock Hudson y Paula Prentiss hicieran igualmente un trabajo extraordinario.
El personaje de Willoughby avanza la historia aprendiendo a pescar y a tratar a las mujeres. Este segundo juego, el de conquistar a las mujeres, es la respuesta a la pregunta del título original de la película: Man's Favorite Sport?

El film cuenta con un guion ágil, rápido y libre de prejuicios con unos diálogos divertidos y con el siempre buen pulso narrativo de Hawks que apuesta por mostrarnos que los polos opuestos se atraen.
El realizador minimiza el componente romántico y sirve con, imágenes de archivo de dos trenes chocando, una metáfora visual del amor como algo que surge a través de los roces y de los choques constantes entre dos grandes fuerzas.

Como curiosidad estamos ante la última comedia de Hawks que finalizaría su carrera con los archiconocidos westerns crepusculares “El dorado” y “Rio Lobo” también homenajes de películas suyas. Por lo tanto, podemos decir que Hawks terminó su carrera autohomenajeándose y creando, por si la podríamos llamar así, esta “comedia crepuscular”

Henry Mancini resalta los gags y el tono humorístico con su banda sonora más que correcta y acompaña a un technicolor que hizo uso continuado Hawks en sus últimas obras.

La señora Kurowski (Brigitte Mira), una sexagenaria de origen alemán, se resguarda en un bar durante un día muy lluvioso. En este bar conocerá a Ali (El Hedi ben Salem m'Barek Mohammed Mustafa) un joven marroquí que le invitará a bailar para posteriormente iniciar una relación sentimental con ella en una Alemania donde el racismo estaba a la orden del día.

Reiner Werner Fassbinder, el director de esta película fue uno de los máximos exponentes del nuevo cine alemán surgido en la década de los 60. Fue una mente brillante, pero con una personalidad autodestructiva. Murió joven, a los 37 años, por mezclar cocaína y somníferos. No sin antes dejar grandes obras y un estilo muy personal.

Nos encontramos ante un Fassbinder inconmensurable en el movimiento de la cámara y junto a un guion tal vez inspirado en “Solo el cielo lo sabe” de Douglas Sirk o “Harold y Maude” de Hal Hashby obtenemos un cóctel de imágenes para el recuerdo.

Azotado por la realidad de su época, el realizador utiliza la historia de amor de dos personajes de mundos completamente diferentes para hacer una crítica feroz al racismo y frialdad imperante en la Alemania de la postguerra y del atentado de Múnich 1972.

Nos encontramos ante un film con un encuadre y una escenografía casi perfecta pero despojado de todo sentimentalismo o dramatismo. Estamos ante una película extremadamente intelectualizada, fría, distante e incluso en algunos momentos interpretaciones cuasi robotizadas. Estamos ante el Universo Fassbinder al que no todo el mundo tiene acceso.

La película ganó en el festival de Cannes de 1974 dos premios. Premio del jurado ecuménico y premio FIPRESCI. Fassbinder utiliza como siempre a su propio séquito de actores y ayudantes de dirección. El actor que hace de Ali mantuvo una relación sentimental con el propio Fassbinder teniendo una vida incluso más tumultuosa que el propio personaje de Ali.

- Martinetti: “Amigos, iremos a la huelga y ma... el que se quede atrás”

A raíz de un accidente laboral los trabajadores de una fábrica de Turín deciden reclamar ciertos derechos laborales. Con la llegada del profesor Sinigaglia (Marcello Mastroianni) estas protestas se vuelven cada vez más exigentes y acaban en una huelga mucho más cruda para ambos bandos: Trabajadores y Patronos.

El comité de los obreros formados por los carismáticos: Pautasso (Folco Lulli), Martinetti (Bernard Blier) y Cesarina (Elvira Tonelli) junto al irreverente Raoul (Renato Salvatori) deberán decidir si siguen las indicaciones del incansable profesor o ceden ante la escasez de alimentos y vuelven al trabajo.

Mario Monicelli, fue considerado uno de los maestros de la Commedia all'italiana. Sin embargo, en esta película se embarcó en un drama social y proletario con resultado más que satisfactorio.

El realizador nos muestra un veraz y duro retrato del mundo obrero italiano de finales del Siglo XIX. Acompañado por una serie de personajes de gran calidad que harán más creíble y compacto el relato, junto a una ambientación decadente y de pobreza que se hace patente en todo momento a través de la comida y de las casas deplorables, el director de fotografía Guiseppe Rotunno logra envolver todo este paquete de elementos en unas imágenes de atmósfera singular.

La huella y poso que dejó el neorrealismo en el cine italiano aun es palpable en “Los Camaradas” pese a ser un film alejado temporalmente de este género italiano.

La escenografía es impactante y muy realista. La crudeza de la situación es palpable desde el principio de la película y servirá para introducirnos en el estado tan lamentable en el que vivían muchas familias en esa época. “Los Camaradas” narra lo que sería la semilla de los posteriores movimientos obreros de Italia y en concreto del conocido Bienio Rosso.

Como aspecto negativo es posible que pierda fuelle en el ritmo e incluso se vuelva áspera en algunos momentos. Pero son defectos que permanecen en segundo plano por el excelente guion que fue nominado al Oscar ese mismo año.

Como anécdota cabe reseñar que a pesar de la buena repercusión que tuvo en Europa (varios premios internacionales y la citada nominación a mejor guion original) fue una película donde no se permitió su estreno en algunos países (incluidos España) porque se consideraba "peligrosa" por su contenido izquierdista.

Es por ello por lo que escuchamos frases en la película que no se hubieran permitido en un doblaje en la época franquista, pero si a partir de la muerte del dictador y el reestreno de películas vetadas. Un ejemplo de estas frases sería con la que hemos iniciado este escrito.

Joe Rolfe (John Payne) es víctima de un robo a un banco donde es equivocadamente inculpado. Seguirá las pistas de los verdaderos culpables para así salvar su propio pellejo.

El director Phil Karlson, influenciado por su infancia y adolescencia en la conflictiva Chicago, manejó con gran acierto multitud de películas de cine negro de serie B sin llegar nunca a sobresalir como un gran director.

Lo primero que llama la atención de "El Cuarto hombre" es sin duda su fuerza visual, obtenida por medio de una puesta en escena virulenta y poderosa que no deja nada a la zaga al más puro estilo de la serie B.

Karlson teje un thriller fogoso y trepidante que encierra bajo su máscara de puro entretenimiento una intrincada trama de traiciones y denuncia referente al carácter putrefacto de una sociedad americana totalmente absorbida por la corrupción y la falta de valores morales.

El inicio es prometedor, un relato realmente pulp, pero a medida que avanza la trama se diluye con un guion que pierde fuelle a cada paso incluyendo con calzador a “la chica” y una falta más que palpable de fuerza en la profundidad de los personajes.

En el elenco sobresalen más los actores secundarios como Lee Van Cleef, Preston Foster o Jack Elam.