Narra el film la historia del sheriff de Palomito, Mike Blueberry, educado por los indios y que intenta armonizar las dos culturas a las que está vinculado, siendo que esta entente lo pone en riesgo tanto ante a los indios como ante sus paisanos norteamericanos. Un buen día aparece por el pueblo un terrible asesino que pretende conseguir un valioso tesoro indio, trayéndole al personaje horribles recuerdos de juventud. Blueberry ha de luchar con sus propios demonios internos con la ayuda del chamán de la tribu, Runi, el hermano con el que se educó y creció, consumiendo sustancias tóxicas que lo ponen en trance y le ayudan a conocerse a sí mismo y a luchar contra sus miedos más profundos.

Se trata de un curioso Western psicodélico caracterizado por la abundancia las imágenes bizarras de las alucinaciones y tormentos que el protagonista tiene bajo los efectos de la mescalina u otra sustancia similar. También es una película de aventuras y de amor. E igualmente trata con un sesgo antropológico las costumbres, ritos y estilos de comportamientos de los indios en América del norte.

La peli tiene una buena fotografía, buena banda sonora, movimientos de cámara espasmódicos que sobrecogen, y un relato original para el género, con ese toque psicodélico y psicodisléptico que habría sido mejor aceptado hace cuarenta años. En fin, la cinta no es tan mala, según mi parecer, como se empeñan en asegurar otros críticos de esta página. Tal vez algo lenta y con interpretaciones mejorables. No la recomiendo encarecidamente, pero le veo sus puntos de originalidad e interés.

Apocalypto es una gran película, con una belleza violenta, inquietante a la vez que conmovedora, furiosa a la vez que idílica, un viaje a lugares donde un hombre actual nunca imaginó estar, a parajes y escenas con gran fuerza, viveza y dramatismo donde se roza el límite entre la vida y la muerte, donde el espectador de confronta permanentemente con el sentido supervivencial. Película de gran agilidad, sangrienta en su realismo, original, entretenida y visualmente impactante. La recomiendo a quien no la haya visto. La dirección de Mel Gibson, el guión del propio Gibson y Farhad Safinia, así como la excelente fotografía, música y montaje, e igualmente las interpretaciones que son meritorias, la genial dirección artística y la ambientación de la selva, sus sonidos, la respiración agónica del perseguido, los rugidos de los animales salvajes o el crujir de las ramas, etc., son impactantes. Todo esto hace de esta película un film fuera de lo habitual, intenso y muy recomendable.

Película de Reinaldo Marcus Green sobre la vida y la música de un personaje icónico que influyó e inspiró a generaciones con canciones cuyo mensaje central era el del amor y la unidad. La primera vez que podemos ver en la gran pantalla la historia de riesgo y superación de Bob Marley (Ben-Adir).

A lo largo de su breve vida, Bob Marley logró mucho sin lugar a duda. Trajo a la música el reggae como corriente principal, grabó álbumes con más de setenta y cinco millones de copias vendidas, se convirtió en una súper estrella reconocida mundialmente y difundió un mensaje en aras a la unidad y a la paz.

Marley era seguidor de Haile Selassie (Rey de Etiopía) a quien consideraba el profeta del movimiento Rastafari, por ser descendiente directo de Salomón y descendiente directo de Jesús en la tierra: un mensajero de Dios. Este es el fundamento de la vida cristiana de Marley que nunca fue apegado al dinero y sí a convertirse en una guía para sus seguidores.

Con apenas treinta y seis años Marley murió en la cima de su fama. Corría el año 1981. De manera que su figura, a estas alturas, ya estaba madura para esta película del director Reinaldo Marcus Green, que consigue una obra interesante, respetuosa y seria, contando elementos principales de la vida de Marley, aunque sin profundizar en exceso.

Comienza el filme en 1976 cuando Marley desea dar un concierto en su país, incluso tras un intento de asesinato. Marley, un músico que además tiene una carga espiritual y carisma para unir a la gente, que ofrece su vida para enriquecer la vida de los demás.

Esta obra es ante todo una cronología de aconteceres bien rodada, buena puesta en escena y efectos especiales digitales para las grandes multitudes en los grandes conciertos, un bonito espectáculo en pantalla.

El guion adapta la biografía de Bob Marley escrita por Winter y Flowers, un libreto que apuesta por el dinamismo y pierde en hondura. Apenas roza las partes más complicadas de la vida de Marley.

En el reparto es magnífica la actuación de Kingsley Ben-Adir como Marley, una presencia tranquila y una personalidad eléctrica en el escenario; además, acierta a capturar los gestos, el habla y la presencia del músico. El trabajo de Ben-Adir es motivo por si solo para ir a ver el filme.

Acompañan en el reparto la rotunda Lashama Lynch, muy bien como la señora Marley (Nia Ashi como Rita adolescente); Lynch alterna el cariño y la paciencia con la ferocidad y la iracundia en sus ojos; James Norton bien como Chris Blackwell; y otros artistas secundarios hacen de miembros del grupo The Wailers, todos bien y conjuntados.

Kris Bowers compuso la banda sonora de la película, después de trabajar con Green y King Richard, aunque el grueso y lo más llamativo de las notas musicales y la letra pertenecen a Bob Marley y sus muy conocidas y eternas canciones tipo reggae: “No Woman No Cry”, “Concrete Jungle”, “One Love/ People Get Ready”, etc. Música conmovedora, como si al oírla fuera la primera vez.

Obra bien confeccionada que ofrece una experiencia visual bonita, impulsada por la música y la actuación sobresaliente de Adir-Marley.

Publicado en revista ENCADENADOS: https://encadenados.org/criticas/bob-marley-one-love-2/

Por sus características geográficas frágiles y un exceso de turistas, Venecia se resiente en lenta agonía, y ese deterioro invasivo desata la ira entre los venecianos. Para frenar la turbamulta turística provocada por un alborotado grupo de jóvenes turistas, algunos venecianos se han organizado, guiándose por cierto instinto de supervivencia.

Los protagonistas, el grupo de visitantes españoles que viaja a la ciudad de los canales para divertirse, están ajenos a los problemas que les rodean y, finalmente, ante la ofensiva de los oriundos se verán obligados a luchar para salvar sus propias vidas.

Acierta Álex de la Iglesia en su manera de llevar esta especie de thriller de terror divertido, colorista y excitante. Tiene su importante carga de malicia y, haciendo honor a su título, presenta un esquizofrénico ejercicio de amor al mal, y de villanos que van de lo razonable a la locura asesina.

No faltan las víctimas propiciatorias, y los dilemas morales y sociales que más bien corren de cuenta del espectador, no de un guion explicativo o pretencioso, tal el que firman el propio De la Iglesia junto a Jorge Gerricaechevarría.

Hay asesinatos creativos y sangrientos en escenarios ultramodernos, como ruidosas discotecas y fatales carnavales turísticos, que devienen puro divertimento de horror y suspense.

Reparto equilibrado y coral con artistas como Ingrid García Johnsson, Silvia Alonso, Alberto Bang o Cosimo Fusco, entre otros. Música de Roque Baños que envuelve el enigma y ayuda a crear la atmósfera suspense y sangre de la cinta, y una sensacional fotografía de Pablo Rosso luminosa y de colores estridentes.

Crece y se disfruta esta celebración del cine cuando pierde el control, cuando a De la Iglesia se le ve disfrutar por el vértigo que produce verse en mitad del canal agarrado a un poste de madera; y cuando se le aclara la idea de dar la vuelta sin pudor a todos los tópicos venecianos: su pomposo carnaval, sus paseos en góndolas y el glamur de su festival de cine.

Un granjero californiano tiene dos hijos, Cal y Aron, dos seres antitéticos, con caracteres muy diferentes. Ambos rivalizan por el cariño del padre, siendo este conflicto la encarnación del relato bíblico de Caín y Abel: un mito universal.

La situación de Cal se complica cuando averigua que su madre está viva, contrariamente a lo que pensaba, y que regenta un local de alterne.

Dirigida con excelencia por Elia Kazan, es adaptación de la novela homónima de John Steinbeck. Es considerada una de las obras maestras del cine cincuentero y una de las mejores películas de Kazan.

La película ha recibido numerosas críticas positivas por su realismo, su intensidad y el estudio de los personajes, una historia visceral, un intenso drama en el que podemos observar cuán poco han cambiado los conflictos familiares y sociales.

Es de resaltar igualmente el estupendo guion de Paul Osborn (novel de Steinbeck) y la sensacional fotografía atmosférica de Ted D. McCord. Todo lo cual subraya la importancia en la trama de la búsqueda de las raíces, la influencia genética en la conducta (la madre), la apreciación subjetiva de la bondad y la maldad, la necedad del maniqueísmo o la redención en un contexto alienado.

En el reparto destaca un buen James Dean (siempre sobrevalorado), que se convirtió en el ícono juvenil de su generación, junto a Raymond Massey (padre), Richard Davalos, Julie Harris, Jo Van Fleet o Burt Ives. Grandes interpretaciones y un certero sentido de la época y de su entorno.