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Críticas de Alfie
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Críticas 256
Críticas ordenadas por utilidad
8
7 de septiembre de 2008
33 de 37 usuarios han encontrado esta crítica útil
Esplendorosa cinta noir dirigida por uno de sus maestros, Mervyn LeRoy, y que cuenta con innumerables detalles de calidad y de buen cine tan escasos hoy en día. El reparto es sensacional. Encabezado por un sublime Robert Taylor y una bellísima Lana Turner la película cuenta con la aparición y consagración de uno de los secundarios con más calidad de la época: Van Helfin. Ganador de un Óscar por esta interpretación borda su papel de un tipo alcohólico, mano derecha del gángster y que empapa de reflexiones el discurrir de los acontecimientos llegando en ocasiones a tutear y sobrepasar la presencia de Taylor en la pantalla. Genial e inovidable interpretación.

Por otra parte la historia, sencilla en sí (otra más de gángsters), cuenta con un guión bastante atractivo y que dota al argumento de innumerables giros y sorpresas que, unidos a la maravillosa dirección de Mervyn LeRoy, hacen mantener la atención hasta el último y definitivo fotograma. De nuevo maravillosa utlización de las sombras y de los primeros planos que consiguen llenar de fuerza la fatídica relación, en este caso de Robert Taylor (Johnny Eager) y Lana Turner (Lisbeth).

Así pues gángters, fiscales, amores fatales, asesinatos, engaños y diálogos con gran carga dramática y emocional se vuelven a entremezclar en este clásico americano y que sin duda no deben perderse si son amantes de este género.
Alfie
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7
13 de septiembre de 2009
32 de 35 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cine de domingo por la tarde. “Corazones Indomables” forma parte de ese registro cinematográfico que nos acompaña las sobremesas del fin de semana. Cine puro de Ford, costumbrista y patriótico, que disfrutarán como siempre aquellos que se dispongan a verla sin prejuicios y sin dejarse llevar por la apariencia. Entonces, ahondarán en el fondo de la obra y verán las verdaderas intenciones del cineasta. Intenciones por cierto que grabó por primera vez en Technicolor alcanzando una visualidad excepcional. La cantidad de colores, los retratos pictóricos y, en definitiva, las bellas imágenes que acompañan a todo el film hacen de él un regalo para la vista.

El guión es bueno, entretenido y más cercano a la aventura que a otro género. La historia se centra en un joven matrimonio del Este que, antes del comienzo de la Guerra de Independencia, deciden ir hacia el Oeste y establecerse como granjeros cerca de la frontera, en territorio Mohawk. Allí, Lana (Claudette Colbert) y Gil Martin (Henry Fonda), evolucionarán tanto personalmente como en su relación. Golpeados constantemente por las consecuencias de una Guerra ya iniciada, los ataques de los conservadores pro-ingleses y sus aliados indios les dejarán sin casa y les harán vivir situaciones límites con la amenaza de la muerte siempre presente. Destacar sobre todo el personaje de Lana. Mujer de familia acomodada, se irá amoldando a las dificultades de ser una “mujer de frontera” y terminará cumpliendo a la perfección los cánones que presentaban los personajes femeninos de Ford: temperamentos fuertes, de marcado instinto familiar y que no dudan en coger el arma y colocarse al lado de su marido. Esta característica abrió a Colbert un abanico espléndido para lucirse y hacer de su actuación la más destacada de todas. No olvidar tampoco a Edna May Oliver como Mrs. McKlennar, una interpretación personalísima y que le valió una nominación al Óscar como mejor actriz de reparto. Mientras, Fonda se mueve en un registro muy apropiado para él y que le serviría como perfecto preámbulo para encarnar un año después a Tom Joad en “Las Uvas de la Ira”.

La cinta termina con un desenlace fordiano típico donde los planos emotivos o el mensaje final rotundo y moralista aparecen para conmover al espectador. No tan exaltada y aclamada como otras producciones de su filmografía, “Corazones Indomables” es una notable muestra de cine de aventuras que entretiene a la vista mientras se hace la digestión.
Alfie
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5
7 de noviembre de 2009
35 de 42 usuarios han encontrado esta crítica útil
Festival de Cine Europeo de Sevilla. Día 1: Vincere.

Marco Bellochio, director italiano de gran recorrido, filma esta historia que vio la luz unos años atrás y que desvela como en 1915 el entonces periodista y soldado italiano Benito Mussolini tuvo un hijo secreto con la joven Ida Dalser. Muy cercano siempre en su cine a figuras históricas de gran recorrido (Aldo Moro, Enrique IV, etc) Belocchio se atreve con “Il Duce” en una cinta donde el simbolismo y lo intimista predominan por encima de cualquier otra cosa. Se puede decir incluso que cambia de estilo, alejándose de los planteamientos políticos o de las justificaciones morales de una figura tan compleja como detestable. Quizás este último término es su principal lastre dejando al espectador en innumerables ocasiones sin explicación alguna sobre los comportamientos y vaivenes de un Benito Mussolini que es presentado con una personalidad dura e implacable.

Rodada en una oscuridad continua, el excesivo metraje y la complejidad de la primera parte del film no ayudan para nada a un visionado fácil y entretenido. Tarda en definirse y en enseñar al espectador sus verdaderas intenciones y que no son otras que mostrar que el poder de ocultamiento y de manipulación que tenían estos dictadores era infinito. En cualquier aspecto. Lo manejaban todo y hay que reconocer que con una brillantez espeluznante. Otra historia aparte es la de Ida Dalser, figura en la que Bellochio intenta sostenerse haciendo principal protagonista a su comportamiento dramático y desesperado. Para ello elige bien a Mezzogiorno una actriz de una gran variedad de recursos y que ya me encantó en trabajos con Comencini u Ozpetek. Su evolución a lo largo del film es de destacar y tiene escenas de realmente mucho mérito.

Sin embargo, hay una figura que se eleva por encima de cualquier otra de la cinta. Además Bellochio se hace partícipe de ello dándole una cuota de pantalla que en ocasiones roza el más absoluto de los protagonismos. Hablo de Benito Mussolini, el real. Oigo unas butacas más adelante: “Mussolini es mi dictador preferido”. Tras la risa-indignación-descolocación posterior, el comentario de la chica en cuestión me hizo ver la luz: que buenos actores hubieran sido estos cabrones. Con imágenes de archivo, bastantes de ellas, cada aparición de “Il Duce” saca de ese letargo en el que a veces cae la historia y eleva el interés de una manera brutal.

En definitiva, una cinta compleja, larga y que hubiera ganado peso con un guión un poco más extenso en el diálogo y con un hilo argumental menos complejo en su comienzo. Quizás merezca el bien porque no podemos obviar el excelente trabajo de la mayor parte de sus componentes, desde el director-guionista (la cámara está utilizada con gran calidad) hasta los actores, pasando por una puesta en escena cuidadísima y una música arrebatadora. Pero es cuando no te haces entretenida…
Alfie
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5
30 de enero de 2008
35 de 42 usuarios han encontrado esta crítica útil
Se queda casi insuficiente. En su reparto, en su dirección, en sus interpretaciones, en el guión...y en unos cuantos aspectos más. Y es triste, teniendo en cuenta de la historia y del personaje del que trata. A decir verdad esperaba mucho más. No a la altura de Casino, por ejemplo, pero si un poquito más. Gran parte de culpa la tiene Warren Beatty (para mi gusto uno de los actores más sobrevalorados de Hollywood), que hace de su actuación una especie de festival hacia su persona sin llegar en ningún momento a acercarse a la figura del gran gángster. Y los secundarios, que los hay buenos como por ejemplo Joe Mategna Y Ben Kingsley, no entran en ningún momento en la película y quedan oscurecidos, más bien apartados, por el excesivo e innecesario protagonismo de Warren Beatty.
Por decir algo bueno la ambientación y el vestuario son muy buenos (consiguió un par de Oscars en este apartado), pero ya digo, se queda muy corta la película y a los amantes del cine mafioso se les quedará una sensación de desengaño por...lo que podía haber sido y no fue.
Alfie
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8
7 de marzo de 2010
32 de 36 usuarios han encontrado esta crítica útil
Alcanza Rossellini en “Paisá” su cine más circunstancial. Aquel que no tenía una planificación clara y que era esclavo de las propias situaciones que se les planteaban a los personajes. Unos personajes, por otro lado, que transitan sobre la inmediatez de los acontecimientos presentados de una manera tan espontánea como real. Y es que Rossellini es más que nunca narrador, cronista con su cámara de la liberación de Italia. Pero narrador en todos los aspectos; en la introducción de todos los episodios o, y más importante, en la forma de utilizar sus imágenes, sus planos. Estos, generalmente medios y generales, harán converger en uno la mirada de director y espectador haciendo que éste último se integre completamente en la propia narración y se convierta un “testigo presencial” de excepción. Una vez llegados a esta simbiosis, el film se transforma automáticamente en la exposición verídica y objetiva a la que Rossellini, sin duda, quería llegar.

Intención buscada y nacida solo de la cabeza de un genio. Basta solo con conocer como Rossellini llegó a ese convento y descubrió a esos mojes, con su sencillez y con su ingenuidad, para incluirlos en un episodio maravilloso y que anticipa claramente a “Francesco, Giullare di Dio”. O como utilizó a un regimiento de soldados americanos estacionados cerca de Roma, incluido su material, sus carros blindados o incluso un grupo de soldados alemanes que tenían como prisioneros. Aspectos afortunados, espontáneos o una mezcla de ambos pero que transforman el film en algo único e irrepetible. También en este sentido volver a destacar el contexto bélico natural donde se rueda, con imágenes de la Roma liberada, de la huída de las tropas alemanas, la presencia de una Florencia desconocida y fantasmagórica o el desembarco de las tropas anglo-americanas en Sicilia.

La evolución de los episodios es clara y nuevamente intencionada, adquiriendo más dramatismo conforme estos van avanzando. En especial los dos últimos, que se reivindican como los de más calidad y que obligan al espectador a tomar conciencia de los hechos presentados, tal y como haría en “Roma, Cittá Aperta” o “Germania Anno Zero” las dos otras obras maestras que completan la trilogía de la guerra de Rossellini. Un Roberto que con estas tres películas regala una visión objetiva como pocas del desarrollo de la Gran Guerra y de los posteriores estragos que causó en territorio europeo. “Paisá”, otra muestra de modernidad que, como sus dos hermanas gemelas, se hace completamente necesaria e imprescindible.
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
Alfie
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