La quinta temporada de Fargo resulta plenamente satisfactoria, posee las suficientes dosis de tensión, acción, fatalismo, crueldad o humor negro para asimilarla al origen de la saga, a las dos primeras temporadas y a esa conexión tan demencial entre crimen y estupidez humana que no deja de ser la esencia de Fargo.

Varios capítulos son espectaculares, como el primero, en el que Noah Hawley recurre al espíritu de los Coen y son constantes las referencias a la primera temporada. Es una historia fundamentalmente sombría y triste (no puede ser de otra forma con la temática que trata) y que se burla con crueldad y con énfasis del trumpismo y del sector paleoconservador de la sociedad americana.

Cada nueva temporada de Fargo es un fantástico acontecimiento, esperemos que la próxima no tarde mucho.

Qué tal, amigos. Volvió seis años después de "El otro lado de la esperanza", su anterior película, el maestro finlandés Aki Kaurismäki. Y lo hace con una extraordinaria película, "Fallen Leaves", una obra maestra cautivadora, llena de vida y de profundo carácter social.

Con su mecánica habitual (con las hechuras del cine mudo) y un dominio apabullante del lenguaje cinematográfico; cine solemne, con un preciso uso del primer plano para acercarse a sus personajes con discreción. Al igual que Ford, Hawks, Chaplin y otros maestros del cine clásico, la dignidad y el respeto a sus personajes son una máxima innegociable, y esto a mí me fascina y lo echo de menos en otros cineastas de incuestionable talento como Giórgos Lánthimos. Mientras Capra mostraba la desigualdad mostrando el enfrentamiento con ricos y poderosos, Kaurismäki directamente los desprecia, no hay espacio en su cine para ellos.

Y al igual que Chaplin, Billy Wilder o a veces Woody Allen, Kaurismäki cuenta historia tristes de personas vulnerables en contextos sombríos (el conflicto bélico de Ucrania presente a lo largo de toda la película y la atroz crisis económica actual), afronta la realidad y presenta la soledad de los personajes sin esconderse, pero de forma tan amable, lírica y cautivadora (y no exenta de fantásticos momentos cómicos), creyendo firmemente en segundas oportunidades y capacidad de redención, que uno sale del cine realmente reconfortado.

Se puede entender el cine desde muchos puntos de vista, pero el de Aki Kaurismäki es realmente ejemplar. La mejor comedia romántica que hemos visto en mucho tiempo, cargada por cierto de constantes guiños cinéfilos (Jarmusch, Bresson, Rossellini)

"La última noche", una historia realmente conmovedora, cuenta las últimas horas antes de entrar en prisión de Monty Brogan, condenado a siete años por tráfico de drogas, un joven aparentemente normal que alcanza el éxito por la vía rápida y fácil, que se adentró de forma estúpida en un mundo siniestro y peligroso y ahora ha de pagar por ello.

En esas últimas horas, acompañado en diversos momentos por su padre (Brian Cox), su pareja (Rosario Dawson) y sus dos amigos de juventud (Phillip Seylour Hoffman y Barry Pepper), le pasa toda la vida por delante, asume la realidad del pozo sin fondo en el que ha caído y de como estaba tan cerca y a la vez tan lejos de sus seres queridos. La irresponsabilidad y la soberbia de la juventud que le hizo pensar que era indestructible lo lleva a una realidad desoladora, incluso más que por el hecho del castigo que le espera, por la conciencia de que ya es demasiado tarde y de que todo se podría haber evitado mucho antes de forma relativamente sencilla.

Monty asume que es el único y total responsable de su destino sin posibilidad alguna de redención, una realidad realmente insoportable, una desesperación irracional que explota a través del brutal monólogo (muy Spike Lee) fuck you frente al espejo del baño donde estaba cenando con su padre.

La película muestra también definitivamente como ninguna otra toda la depresión de un fantasmagórico New York post 11 de septiembre, impregnado de pesimismo y sueños truncados.
Fantástico Edward Norton, como casi siempre, así como la música del trompetista de Nueva Orleans Terence Blanchard (habitual colaborador de Spike Lee). Y grande Lee con su habitual pericia en el hábil retrato de los personajes, con escasos pero muy bien insertados flashbacks y una narración concisa y siempre más más atento a las preguntas que a las respuestas.

Siempre me fascino “Lord Jim”, tanto la novela de Joseph Conrad (solo faltaría) como la película de Richard Brooks. Brooks, uno de los grandes adaptadores de relatos literarios del cine americano (en este caso es una obra británica), guionista de todas sus películas y un formidable generador de diálogos. Quizá “Lord Jim” esté entre mis favoritas junto a “El fuego y la palabra” y “A sangre fría”, aunque no andan muy lejos “Los profesionales”, “Muerde la bala” o “Looking For Mr. Goodbar”.

Dos sucesos históricos sirvieron como inspiración a Conrad para escribir Lord Jim. El primero, un incidente de un barco de británico (S.S. Jedah, en 1880), el cual llevaba a bordo a cerca de un millar de musulmanes que iban de peregrinación hacia La Meca, cuando, de repente, un fuerte huracán parecía hacerlo naufragar. El capitán entró en pánico y abandonó la nave en un bote salvavidas dejando a los cientos de pasajeros a merced de su destino. Pero la nave finalmente no naufragó, fue rescatada y la deshonra alcanzó al capitán, luego de padecer un tremendo escándalo y un proceso judicial. Este hecho marca el destino de Lord Jim (un fenomenal Peter O’Toole en un papel en el que encaja de miedo), un personaje torturado y aquejado de fuertes remordimientos que da lugar a una profunda reflexión sobre el lado oscuro de la naturaleza humana y sus demonios interiores. Desde el conformismo y la depresión hasta la búsqueda de una siempre improbable redención, el personaje de Lord Jim se convierte en un aventurero errante que va deambulando a través de nada estimulantes trabajos y por diversas aventuras a lo largo de diferentes episodios.

El segundo suceso se refiere muy libremente a James Brooke, un aventurero inglés nacido en La India, quien se hizo al poder en Sarawak, y convertido en el primer rajá blanco, estableció un Estado independiente en la isla de Borneo. En “Lord Jim” se ubica en Patusan, un remoto asentamiento malayo ocupado por el tirano general interpretado por Eli Wallach, estableciendo una evidente conexión con el campamento del Coronel Kurtz.
De profundo carácter introspectivo y reflexivo sobre valores universales como la traición, la cobardía, el honor, el miedo, el remordimiento y la culpa que conlleva; Lord Jim jamás se perdona porque el orgullo le impide liberarse, hasta cuando lidera la liberación de los nativos oprimidos lo hace por cierto sentido de la responsabilidad; total, el honor es algo que está vedado. De igual forma, en el momento de conducirse con un innegable sentido de la integridad y la justicia, aquellos que son su reverso no dejarán de actuar de acuerdo con su locura y sus egoístas intereses (impagable en este sentido el personaje del Caballero Brown interpretado magistralmente por James Mason). El bien y el mal y las tentaciones que hay que vencer para no pasarse al lado oscuro. Dicho lo cual y pese al tono sombrío que impregna el relato, Richard Brooks hizo de “Lord Jim” una hermosa y épica historia de aventuras coloniales con todos sus ingredientes inherentes; escenarios exóticos (rodada en Camboya), héroe carismático y contradictorio, villanos desalmados, abundante acción y suspense, mamporros y explosiones.

Visualmente es evidente la conexión con el cine de David Lean, más aún teniendo en cuenta que Brooks utilizó al director de fotografía Freddie Young (“Lawrence de Arabia”, “Doctor Zhivago” o “La Hija de Ryan”), y al director artístico Geoffrey Drake (“El puente sobre el Río Kwai”).

Existe una adaptación de "Lord Jim" de 1925 a cargo de Victor Fleming, pero no he tenido oportunidad de verla.

"Una de la cosas que tenemos en común es que escuchábamos las mismas emisoras, esas estaciones X de México que eran ilegales en Estados Unidos, pero pasaban mucho blues: Freddie King, Albert King, Muddy Waters, Howlin' Wolf. Nosotros sin conocernos habíamos crecido los mismos programas y estábamos muy influenciados por ellos. Eso nos encantaba, pero también amábamos el rock'n'roll, nunca dijimos que éramos una banda de blues. Sólo interpretábamos blues." Dusty Hill

"Tomaron los licks del blues y tocaban rock'n'roll, con sus amplificadores grandes y su batería ruidosa. Era la combinación de esos licks de blues, ese sonido único de sus amplis y las letras. Entones ZZ Top toca blues pero no canta blues. Hacen del blues música para fiestas." Robin Hood Brians

"ZZ Top: That Little Ol' Band from Texas", de Sam Dunn, uno de los mejores documentales musicales que he visto en los últimos años. Estrenado en 2019, un par de años antes del fallecimiento de Dusty Hill, narra la historia de la banda a través recuerdos y experiencias de los tres protagonistas con muy buen tono y de forma concisa y entusiasta, centrándose en lo realmente importante: la música, el origen (imágenes fantásticas de 13th Floor Elevators y The Moving Sidewalks), las influencias y un buen puñado de jugosas anécdotas.

Con grabaciones en estudio para la ocasión, se aportan pinceladas muy discretas y limitadas de tipos como Joshua Homme, Dan Auerbach o Billy Bob Thornton, así como colaboradores de la banda como el técnico de sonido Robin Hood Brians. Se recuerda y se hace justicia al manager que los acompañó toda su carrera hasta su fallecimiento (Bill Ham) y se dan detalles de eventos tan cruciales como el Texas Worldwide Tour, el contrato con Warner, el origen de las barbas, la publicación de "Tres Hombres" o la irrupción de la MTV.

Una gozada esta película para los fans de Billy Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard, tres tipos discretos (cuatro con Bill Ham) que consiguieron desarrollar una fantástica carrera juntos durante más de cinco décadas, todo un ejemplo. Máximo respeto.