Así reza el título original de este ejercicio de sosiego, dulzura y sencillez para una película densa y necesaria, educativa e ilustrativa como pocas, conducida con una dirección espartana que acaba apabullando, emocionando y paulatinamente entristeciendo. Fassbinder, liberado de todo lo superfluo aunque sin prescindir de momentos de genialidad, disecciona los prejuicios raciales y sociales de una Alemania hipócrita que mantenía restos de su pasado nacional-socialista; sin embargo, aunque la acción se ubique en Alemania, su denuncia traspasa fronteras y es fácil localizar en cualquier parte del mundo rico algunos de los síntomas que el director alemán ausculta. Mención aparte para la bella e inquietante historia de amor que usa como hilo conductor; en las antípodas del cine hollywoodense y que fuerza al espectador a ir más allá en sus tradicionales postulados acerca del amor. Hay que verla

Wong Kar-Wai da un tratamiento exquisito a la imagen y a la música, digno de un gran cineasta; pero el ritmo no es su fuerte y, en este caso, el guión tampoco: historias de amor imposible o caótico las tenemos a decenas en occidente y muchas de ellas tratadas -sin recargas visuales innecesarias- de modo más eficaz, más lírico, mas denso y con un alcance existencial mucho más profundo. Cierto es que el pensamiento y los modos de expresión orientales a veces tienen poco o nada que ver con los occidentales, así que mi concepción de la obra puede quedar lastrada. Dicho esto, creo que no es ni mucho menos la gran obra de arte que han querido vendernos, ni siquiera de lo mejor que se ha hecho en oriente en los últimos años (asómense, por proponer algo, al cine de Kim Ki-duk o Chan-wook Park). In the Mood for love es triste, un tanto experimental, delicada por momentos y con una música notable; sin embargo, a lo largo del filme se tiene la sensación de que se asiste a un buen espectáculo visual pero absolutamente vacío de contenido, salvo contadísimas excepciones. En definitiva, sobrevalorada y prescindible.

Absurda, ridícula, pseudo-intelectual e infantil película sobre la bajeza humana. Un insulto contínuo a la inteligencia del espectador que para colmo viene sazonado de una moralina de almacén que acaba por convertirse en vomitiva. A su vez es ejemplo paradigmático de basura cinematográfica que acaba conviertiéndose en obra de culto, posiblemente porque "está filmada de modo tan original, como nunca se había echo hasta el momento, tan atrevida, tan transgresora y bla, bla bla". Para colmo juega al "final sorprendente e inesperado que te deja atónito" pero lo único que consigue es la guinda perfecta para un pastel indigerible y que acaba con cierto gusto a broma pesada aunque, visto lo visto, no consigue engañarnos a todos. A destacar Nicole Kidman (que aparece preciosa) y los breves instantes de James Caan, que siempre se agradece. Solo apta para incautos. Avisados estais. Un abrazo a todos

Cine experimental, panfletario, irónico, contra clásico y Brechtiano. Godard recoge varios de los elementos del teatro de Bertolt Brecht y los usa, entre otros elementos, contra la linealidad, orden y “falsedad” del cine norteamericano. En “la chinoise” no solo asistimos a una película sino a la gestación de la misma. Evita en todo momento la configuración de una realidad ilusoria; el espectador debe mantener una distancia con el film, reflexionar sobre lo que sucede pero nunca “fundirse” con la escena; así, las interrupciones, explicaciones rotuladas, secuencias del “making off” se entrelazan azarosas, rompiendo en pedazos los moldes narrativos convencionales de presentación-nudo-desenlace. Brecht y el teatro marxista están presentes no solo en la forma sino en el contenido: Godard presenta a unos jovencísimos burgueses (sí, burgueses) revolucionarios y maoístas, a través de los cuales hace aflorar algunas de las aporías de la praxis revolucionaria-comunista del momento. Vilipendiada tanto por la derecha como por la izquierda de la época, mantiene en sus diálogos e imágenes un contenido político muy actual; y permanece como uno de las mas radicales demostraciones de hasta donde, el cine, como arte y como metacine, puede llegar. Difícil de ver, pero merece la pena.

Una película fascinante. Última parte de la trilogía dirigida por el realizador polaco sobre los colores de la bandera francesa y los principios que sustentaron la revolución social del país vecino. "Liberté", "egalité" y "fraternité" tuvieron su correspondiente manifestación cinematográfica en Azul, Blanco y Rojo respectivamente. En su momento, la película adquirió un carácter testamentario pues Kiéslowski falleció pocos meses después de finalizarla, dejando huérfano su proyecto para una nueva trilogía, en ésta ocasión sobre su visión del cielo, el infierno y el purgatorio que Dante relata en “La Divina Comedia”.

Rojo explora la viabilidad de la fraternidad hoy en día tomando como centro gravitacional a dos personas totalmente distintas que azarosamente se encuentran y comienzan una relación que cambiará, inexorablemente, sus vidas. El azar, el amor, la justicia, la verdad, la imponderabilidad del destino… son cuestiones que Kiéslowski plasma magistralmente a lo largo del largometraje, todas ellas bajo una atmósfera suave pero inquietante por momentos y donde el color rojo es el leitmotiv visual. A todo esto añadir que la fotografía, la música, el ritmo… son combinados de manera ejemplar por el genial cineasta y dan como resultado un verdadero tesoro del séptimo arte. Monumento al cine