Soy un admirador de ese joven lleno de talento que era “Robert Downey Jr” al inicio de la década de los noventas y que ascendió al podio de hollywood con su interpretación del más grande comediante de la historia, el maestro Charles Chaplin.

Hoy en día su talento sigue intacto, pero de ahora en adelante deberá escoger guiones que le permitan desarrollar sus capacidades interpretativas, aunque claro tampoco es pecado capital participar en títulos “Light” para las grandes masas; de esos que ya tienen asegurados 400 millones de dólares en taquilla aún antes de su estreno.

Pues bien; ya entrando en el tema que nos compete, hay unas 5 o 6 cosas que decir sobre esta mega producción.

Cosa #1: La película no es mejor que su predecesora, ni siquiera se le acerca.

Cosa #2: Queda una vez más confirmada la dificultad existente para que un guión bueno, una buena dirección, “tecnología”, explosiones, buenas interpretaciones, puedan coexistir dentro de un mismo film, y demuestra que lo de (El caballero de la noche), no fue el inicio de una nueva tendencia, sino más bien una excepción, casi un error cósmico, en el cual todos los ingredientes cinematográficos mencionados, coincidieron en tiempo y espacio, para dar como resultado una casi perfecta película. Pero este no es el caso.

Cosa #3: No pasará a la historia, pero no defraudará del todo a los amantes del género, que gustan de producciones estrepitosas, frenéticas, llenas humo, fuego, malvados haciendo caritas de malo, etc. Todos ellos se divertirán con esta cinta y serán capaces de obviar los muchos errores. Algunos como yo pasarán un rato entretenido si se despojan de prejuicios, al menos durante el primer visionado. Pero habrá otros que la vomitarán porque seguramente buscaban una obra maestra y se equivocaron de sala. (De estos últimos seguramente tendremos noticias en el espacio de críticas).

Cosa #4: Y esta creo que es la cosa más importante, pues a mi juicio es el mayor error de la película. Existe una sobrepoblación de personajes en el film, que impide la evolución y desarrollo de algunos de ellos, y terminan dando la sensación de que nunca debieron haber existido, pues aportan poco o nada nuevo e interesante a la trama. Scarlett Johansson es sin lugar a dudas una mujer sensual y un plus mercado lógico pero su personaje no aporta gran cosa, y su interpretación menos aún.

Cosa #5: Dentro de los 124 minutos de metraje hay una cantidad excesiva de pistas sobre una tercera entrega de la saga, y esto en vez de ser interesante llega a ser molesto y entrabar el desenlace.

Ultima cosa: Vayan a verla pues es un buen espectáculo, eso si, no lleguen a la sala con ilusiones de ver algo más que eso “un simple espectáculo”.

Como diría el bueno de (Forest Gump) “ es todo lo que tengo que decir sobre eso"…

Saben creo que no soy muy buen crítico en cuanto al cine se refiere, tengo una marcada preferencia por hablar bien de lo bueno, antes de hablar mal de lo malo. Si estoy en contra de la guerra como efectivamente sucede prefiero pronunciarme en favor de la PAZ que en contra de la guerra. Shutter Island me ofrece esa hermosa oportunidad de hablar bien de lo bueno.
Moría de ganas de ser testigo de esta esperada nueva colaboración entre Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio, la cuarta ya después de “El aviador”, “Infiltrados (The departed)” y“Gangsters de Nueva York (Gangs of New York)”). A partir de la novela de Dennis Lehane, “Shutter island” arranca en 1954, con los agentes judiciales Teddy Daniels (DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) a bordo de un barco rumbo a una remota isla de la bahía de Boston para investigar la desaparición de una demente asesina recluida en un hospital psiquiátrico. Nada especial como premisa, pero, ¡damas y caballeros!, Scorsese nos introduce en su juego desde el minuto uno…
En esto radica precisamente la clave de “Shutter Island”: aunque la novela en la que se basa está muy bien escrita, su argumento no tiene mucho de brillante ni de original y podría haberse convertido en carnaza de olvidable producto directo a DVD, pero, por suerte, su adaptación cayó en manos de unos de los mejores directores de la historia del cine. Y el resultado es que Scorsese nos ofrece casi dos horas y media gloriosas, absorbentes, fascinantes. Estamos ante un thriller dirigido con mano maestra (su tono y su música recuerda en muchos momentos a “El cabo del miedo”) donde lo que menos importa es la gran sorpresa final. De hecho, el desarrollo de la historia te prepara de forma muy coherente y nada tramposa para ese final, que está implícito en muchas de las secuencias, por lo que es fácil adivinar o intuir a grandes rasgos lo que está ocurriendo en esa isla (¡casi tan misteriosa como la de “Lost”!). A pesar de las pistas que el guión da conscientemente, el disfrute sigue siendo enorme hasta el último segundo de metraje.
Y, por supuesto, “Shutter island” también le debe gran parte de su eficacia a ese DiCaprio gigante y omnipresente, arrollador en una interpretación que consigue estremecer. Le secundan unos estupendos Ben Kingsley, Michelle Williams, Max von Sydow, Emily Mortimer y Patricia Clarkson, todos con sus momentazos. Sólo Mark Ruffalo se muestra un poco más perdido en el conjunto, pero pocas debilidades más se le pueden encontrar a una película tan gozosa, vibrante e impecable.
Este film no defrauda sino más bien hace crecer una leyenda ya de por sí enorme llamada Martin Scorsese, pero claro no faltará quién cansado de escuchar cosas buenas del maestro diga que esta es una pésima película, previsible, bla,bla,bla…En fin gracias a Dios por la libertad de opinión y por el bueno de Scorsese.

Esto no es una crítica, es más bien un homenaje informativo, que les hará dimensionar de manera correcta esta obra cumbre del 7° arte. Mi opinión no es necesaria (sólo miren mi puntuación).

Cuando Francis Ford Coppola se abocó finalmente al rodaje de “Apocalypse Now”, allá por fines de la década del setenta tras los dos capítulos (que luego terminaron siendo tres) de su exitosa saga “El Padrino”, no se imaginó realmente qué le esperaba. Años más tarde, en Cannes, durante la presentación de su film, habría de decir “No es un film que hable de Vietnam, es Vietnam”.

La locación elegida había sido Camboya, y Coppola, aunque de forma accidentada, habría de contar con la colaboración del gobierno local. Visualmente, era lo mismo que estar filmando en Vietnam, y el ejército podía prestarle sus equipos, que eran los mismos que en el otro lugar. Sin embargo, lo que no se imaginaba el director era la odisea en la que estaba a punto de embarcarse, que ya mostraba sus aristas desde el día cero: al finalizar la primer semana de rodaje, Coppola llegó a la conclusión de que su actual actor protagónico, Harvey Keitel, no era el indicado para el rol de Willard.

Martin Sheen tenía en ese momento unos treinta y tantos años, y habría de cumplir otro par durante la filmación. Lo que pensó sería un trabajo de unos cuatro meses (dieciséis semanas de rodaje), terminó siendo… bueno, mucho más. Sheen era conocido por sus colegas como un tipo simpático, abierto, agradable para tener de compañero. Pero Sheen también era actor de método, y eso implicaba compenetrarse con el personaje. Siglos después de aceptar la oferta de Coppola, para el día de su cumpleaños número 36, aquel hombre extrovertido había dejado paso a otro depresivo y oscuro, que se sentía extraviado en el mundo y muy solitario en Camboya, lejos de su familia. Se emborrachó a más no poder y esa noche, durante la filmación de lo que sería la secuencia inicial de “Apocalypse Now”, estuvo muy cerca de un brote psicótico. Quienes estuvieron en el rodaje cuentan que el clima se volvió denso y se cortaba con un cuchillo, lo que resulta irónico, porque Sheen, en una de las acciones, y debido a su estado de ebriedad, calculó mal e hizo trizas un espejo, haciéndose un corte profundo en la mano. Pero el rodaje no se cortó, sino que continuó a pedido del propio actor, que seguía lanzando líneas de diálogo mientras sangraba profusamente. Un par de días después, como resultado del pico de stress, Sheen habría de tener un infarto; según le dijeron los médicos, el infarto de una persona veinte años mayor que él. La producción no podía detenerse, aunque los productores entraron en pánico, así que, sin ninguna certeza sobre el futuro, debieron arreglarse sin él durante un mes. En este lapso, discutiendo con el estudio, Coppola llegó a gritarles “Martin Sheen no se muere hasta que yo lo digo”.

“Ajami” llama la atención de manera trágica y realista sobre el conflicto de judíos y árabes, hurgando también en las complejas relaciones entre los propios palestinos.
A raíz de una confusión de identidad, un muchacho que arregla un automóvil en las calles de Ajami, un barrio árabe de la occidental ciudad israelí de Yafo, es asesinado a tiros desde otro vehículo. Así comienza el filme.
Pronto, la historia, que transcurre en un contexto de pobreza severa, delito y desintegración social, evoluciona hasta convertirse en un poderoso relato de sufrimiento, venganza y supervivencia.
Dirigida por el judío Yaron Shani y el palestino Scandar Copti, “Ajami” muestra el peor escenario de unas vidas vividas en circunstancias trágicas, reflejando los muchos conflictos que dominan las existencias de judíos y árabes dentro de Israel y Palestina.
Montando distintas recreaciones del episodio final, los relatos de los protagonistas son examinados una y otra vez, creando un panorama cada vez más poderoso y caótico sobre la sombría realidad de Yafo.
Esta ciudad portuaria israelí, integrada a la metrópolis Tel Aviv y ubicada también sobre el mar Mediterráneo, fue antes un importante centro de población palestina.
En el corazón de la misma, Ajami es un barrio venido a menos y, todavía, predominantemente árabe. Allí, la ley y el orden a menudo son menos importantes que las estructuras familiares.
En la vida real, en los últimos años Ajami se ha convertido en un importante imán para los magnates de los bienes raíces. Toda Yafo se ha aburguesado: cada vez más israelíes judíos llegan allí atraídos por la perspectiva de mudarse a un área “exótica” con vista al mar.
Todas estas tensiones socioeconómicas y culturales subyacen al poderoso drama humano de la película, fuerte candidata al premio más prestigioso de la industria cinematográfica.
Sin embargo, “Ajami” no es un filme habitual sobre el conflicto. No se trata de un panfleto visual, con personajes estereotipados y manidos diálogos en busca de un simbolismo obvio.
Lo que vuelve a “Ajami” tan inusual es que va elaborando el complejo e implacable tejido social de una minoría árabe que enfrenta una serie de conflictos sobre el lugar que ocupa en la sociedad israelí. Y, al mismo tiempo, se enreda en las complejidades del conflicto más amplio con sus hermanos palestinos en los territorios ocupados y más allá.
De este modo, la película se vuelve un relato no sólo sobre árabes e israelíes, sino también sobre musulmanes y cristianos y beduinos. Y también sobre los ricos que dominan a los pobres.
Los protagonistas no juegan un rol en los conflictos preponderantes en la región. Luchan por su propia supervivencia. Pero, en última instancia, son afectados por la incapacidad de los políticos a la hora de solucionar esa crisis más amplia.

Si ves lo primeros capítulos y te gustaron ya es demasiado tarde para salirte, ahora eres tan prisionero como Nikita, pero si no te enganchaste de inicio nunca vas ha enamorarte de la serie. Yo particularmente pertenezco al primer grupo y me enamoré de esa rubia de ojos azules que tal vez no sea muy buena actriz pero sí cautiva.
Condenada a muerte por un terrible crimen que no cometió, Nikita accede en contra de su voluntad a ser reclutada, tomando así la decisión vivir a partir de ese momento bajo una nueva identidad: una asesina secreta del gobierno. Su vida cambiará por completo, una vez que ésta sea controlada por un misterioso agente y sus colegas.
La serie era muy atractiva y completa desde el punto de vista de los guiones y efectos especiales, acompañada con convincentes escenarios; en cada capítulo había una apasionante trama en la que se conjugaban los medios más modernos de lucha antiterrorista y una bien estudiada maraña sicológica donde se combinaban el cinismo, la aparente apatía y los sentimientos enfrentados a principios morales, que atraían al público. La aparente frialdad de los personajes frente a sus sentimientos se enmascaraba en el ambiente de trabajo netamente profesional y competitivo donde los sentimientos humanos no tenían más cabida que para usarlos en alguna misión. NIKITA era la excepción, no podía dejar de lado sus sentimientos humanitarios que contrastaban con las directrices de la sección produciendo conflictos entre los integrantes que prácticamente eran robots desechables pro su frialdad. La serie fue cancelada tras una quinta temporada y se comenzó a especular que se debía a los recientes hechos que afectaban a MANHATTAN, los ATENTADOS TERRORISTAS DEL 11 DE SEPTIEMBRE DE 2001.
El asunto radicó en los deseos de salvar la serie por parte de los fanáticos con los que contaba la serie, pero éstos se vieron enfrentados a la sensibilidad de un país herido por los atentados del 11 DE SEPTIEMBRE; además se agregaba que en la última temporada de la serie la trama hacía énfasis al grupo ALQAEDA como una de las organizaciones terroristas más sólidas de la historia del mundo y no se trataba de enaltecer el ego de los criminales. Las mismas retransmisiones de la serie se vieron afectadas, pues el canal USA consideró necesario sacar de la parrilla la serie y no emitir repeticiones; lo paradójico es que los productores de la serie se embarcaron en un nuevo proyecto lejano a realidad que marcó NIKITA, MUTANT X… pero muy lejano, eso si no se puede negar…
Nikita brilló como ninguna serie durante sus cinco temporadas, pero no se le perdonó que aprovechara la sensibilidad de un país herido tras el 11 de Septiembre y la idea de una 6° temporada se descartó.