En su dilatada y exitosa carrera como director y productor, Steven Spielberg ha saboreado en muchísimas más ocasiones las mieles del éxito que la amargura del fracaso. En esta ocasión, con Mi amigo el gigante, le toca lo segundo. Estamos ante una de las películas más aburridas del Rey Midas del cine, quizá equiparable a El mundo perdido: Jurassic Park la segunda parte de la saga de los dinosaurios.

Con Mi amigo el gigante, el director se centra en un cine dedicado a los más pequeños, algo que ya le dio éxito en el pasado con títulos como E.T el extraterrestre. En aquel caso, nadie se pudo resistir a los encantos de un título que ha pasado a la historia del cine con todo merecimiento, pero en el actual, la historia basada en un cuento de Roald Dahl, no creo que llegue a entusiasmar ni siquiera al público infantil. El tandem formado por Spielberg y Melissa Mathison -guionista del filme- vuelve a colaborar tras la historia del simpático extraterrestre, pero esta vez el resultado es muy diferente.

Y es que nos encontramos ante una película sin chispa, sin gracia, que se hace larga y cuyo único aspecto positivo lo encontramos en el apartado técnico, ya que es una cinta bastante potente visualmente hablando -algo que en el director de Cincinnati se da por descontado-. Con un inicio prometedor, a medida que avanza el metraje se va diluyendo y haciendo pesado hasta un final irrisorio y ridículo, casi una parodia podríamos decir.

El filme llega con malas críticas de la prensa estadounidense y unos resultados bastante flojos en la taquilla, algo que difícilmente conseguirá revertir en su estreno en España y en el resto de Europa. Esperemos que sea un pinchazo, algo pasajero dentro de la carrera de uno de los directores más relevantes e influyentes en los últimos cincuenta años.

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En la actualidad es muy complicado poder sorprender. Más aún, cuando se realiza una película que tiene como referentes el universo Agatha Christie y el juego Cluedo. Por eso hay que destacar lo que Rian Johnson ha hecho en su último trabajo Puñales por la espalda. El norteamericano escribe y dirige un filme que engorda la nutrida lista de grandes películas estrenadas en este 2019, sin duda un año prolífico y reconfortante para los que somos amantes del séptimo arte.

Johnson no ha inventado nada nuevo, eso está claro. Cualquier seguidor de las aventuras de Sherlock Holmes o Hércules Poirot puede apostillarlo. Pero no defrauda, ni a los que sean fans de este tipo de ficción ni a aquellos que no estén familiarizados con el universo detectivesco, tanto literario como cinematográfico. Porque Puñales por la espalda es una gozada de principio a fin.

Su personaje principal, el detective Blanc, es hoy ya un digno heredero de sus míticos antecesores. Aquí Daniel Craig está perfecto en su rol, emitiendo carisma en cada fotograma. Junto a él, Ana de Armas, la verdadera sorpresa del filme. Dos intérpretes que encabezan un reparto de caras conocidas al que no se le puede pedir más. Las mentiras que vomitan alguno de sus personajes junto a las rencillas típicas en todas las familias -y cuando hay dinero por delante, aún más- dan a cada uno de sus intérpretes ocasión para brillar con luz propia dentro de la obra.

Un conjunto de actores que están dirigidos de manera impecable. Johnson realiza un alarde de estilo y narración que ya le habíamos visto en anteriores trabajos, especialmente en Brick y Looper. En esta ocasión, asistimos a una función en la que nos llevan de un lado a otro, con giros en la trama, pistas falsas, personajes con diferentes y, en algunos casos, oscuras motivaciones que harán que el espectador sospeche de todos aquellos que desfilan por la pantalla.

Y esas sospechas las harán probablemente con una sonrisa en la cara, pues nos encontramos ante una obra tremendamente ingeniosa, que además encierra cierta crítica a la política actual norteamericana. Como dice el personaje de Daniel Craig, una trama redonda como un donuts que ve como el agujero central se va rellenando a medida que avanza la misma.

Una propuesta muy reconfortante para estas últimas semanas de un 2019 que, como decía anteriormente, ha sido un gran año en el panorama cinematográfico. Una muestra más de que entretenimiento y arte pueden ir de la mano sin problemas. En definitiva, una de esas películas por las que merece pagar la entrada en nuestro cine habitual. Altamente recomendable.

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Original, fresca, divertida y en ocasiones emotiva. Así es el quinto trabajo del realizador belga Jaco Van Dormael, autor que se prodiga poco en el cine pero que cuando lo hace, consigue aunar resultados satisfactorios entre crítica y público. Con escenas bastante cómicas, especialmente a cargo de su protagonista masculino, con una estética que por momentos recuerda a los filmes de Jean-Pierre Jeunet -El extraño viaje de T.S. Pivet, Delicatessen- los mejores momentos de la película son aquellos que se producen tras la huida de Ea y su búsqueda particular de los discípulos que la deben acompañar. Las historias personales de cada uno de estos singulares apóstoles son fábulas dentro la obra que enriquecen la misma y le dan ese tono de cuento que tanto favorecen el desarrollo de la trama.

Asimismo, las interpretaciones de los dos protagonistas son uno de los puntos fuertes de la cinta ya que, tanto Poelvoorde como la joven Groyne están perfectos en su rol de Padre e Hija. El primero, uno de los mejores cómicos del panorama europeo, brinda a su amigo y director de la película una de sus interpretaciones más completas, mientras que la segunda sorprende por su juventud y poca experiencia frente a las cámaras, ofreciendo un contrapunto tan redondo a su partenaire.

Un filme muy recomendable, que a pesar de sus casi dos horas de duración no se hace pesado gracias al ritmo del mismo, con una galería bastante rica de personajes secundarios bien escritos y un final muy original que pone la guinda perfecta y deja al espectador con una amplia sonrisa.

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Con pulso firme, sabiendo combinar la historia de amor con la acción y tensión propias de cualquier cinta bélica, Zemeckis vuelve a demostrar ser un valor seguro en la dirección. El veterano director -responsable de títulos míticos como Forrest Gump o la trilogía de Regreso al futuro- mantiene al espectador pendiente de lo que sucede en la pantalla durante los más de 120 minutos que dura la obra.

Apoyado en dos interpretes de lujo -Pitt y Cotillard- como pareja protagonista, Zemeckis recupera el aroma de ese cine clásico que tanto gusta y que muchas veces echamos de menos en el cine actual. Son muchos los ejemplos en el Hollywood más reciente en los que una historia de amor ha acabado estropeando una película entera. Se me vienen a la cabeza títulos como Enemigos Públicos -Michael Mann, 2009- o Legend -Brian Helgeland, 2016-. Trabajos en los que un producto aparentemente atractivo cae sumido en el tedio más absoluto y la película es olvidada por el espectador al poco de verla.

He de reconocer que la historia en sí no me atraía demasiado antes de ver Aliados. El temor a ver una película que pudiese caer con facilidad en la sensiblería y acabar empalagando por la parte romántica de la misma, se ve disipada desde el inicio. El toque clásico que desprende desde la primera escena hace que el espectador se interese por lo que nos están mostrando en la pantalla.

He de reconocer que la historia en sí no me atraía demasiado antes de ver Aliados. El temor a ver una película que pudiese caer con facilidad en la sensiblería y acabar empalagando por la parte romántica de la misma, se ve disipada desde el inicio. El toque clásico que desprende desde la primera escena hace que el espectador se interese por lo que nos están mostrando en la pantalla.

La actriz francesa ofrece un contrapunto perfecto a su partenaire, llenando la pantalla cada vez que aparece con esa sensación de elegancia y peligro que su personaje desprende. Jared Harris -Sherlock Holmes- es el secundario que más destaca, como superior dentro del ejército del teniente Vaten. Como curiosidad, resaltar que Harris ya hizo de jefe de Pitt en la película El curioso caso de Benjamin Button.

Una película muy recomendable y por supuesto, en versión original, ya que los actores hablan en inglés, francés y alemán.

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Love & Mercy -Bill Pohlad- narra los comienzos de la banda californiana a través de la figura de Brian Wilson, así como su vida décadas después de alcanzar el éxito y su relación con el polémico terapeuta, Eugene Landy. Interpretando al músico y compositor en su juventud, nos encontramos a Paul Dano mientras que John Cusack se encarga de dar vida a Wilson en su época post divorcio. Elizabeth Banks es Melinda Ledbetter, vendedora de coches de la que Wilson queda prendado, mientras que Paul Giamatti es el enigmático y controlador Dr. Landy.

La película mezcla los momentos en los que la banda lideraba el panorama musical en la década de los 60 con el presente de Brian Wilson, en su constante lucha contra los problemas mentales que sufre. Dicha combinación supone un acierto dentro del filme, ya que el espectador puede asistir a momentos sublimes, en los que el Wilson compositor reúne a una banda de músicos de estudio para elaborar la melodía de títulos como God Only Knows, con situaciones agobiantes y desoladoras en las que el mismo personaje, dos décadas después, vive atormentado y acongojado por una especie de esquizofrenia y por la manipulación de su terapeuta.

La opera prima de Bill Pohlad es un triunfo a nivel narrativo y de interpretación. El espectador asiste, como si fuera un músico más, a las grabaciones de la banda; secuencias que quizá sean las de mayor disfrute. Los actores están impecables, en especial Paul Dano y John Cusack. Mientras el primero escenifica a la perfección el cambio que experimenta el músico en su juventud, el protagonista de Alta Fidelidad está mas desatado y en algunos momentos rozando la 'sobreactuación', pero no pasando ese límite que estropearía o supondría un borrón en su trabajo. Por su parte, Giamatti en su papel del cruel psicólogo consigue una de sus mejores interpretaciones o por lo menos, de las más inquietantes.

Y así, Love & Mercy es uno de esos títulos que, a pesar de llegar sin hacer mucho ruido, sin una gran promoción y en un momento del año en el que los grandes blockbuster se suelen repartir el pastel que supone la cartelera veraniega, se convertirá en una de las grandes sorpresas de la temporada y en una obra que merece ser vista más de una vez. Una pequeña joya y un gran tributo a uno de los mejores músicos del siglo XX, Brian Wilson. Por cierto, aguanten hasta los títulos de crédito. Merece la pena.

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