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Chile Chile · Santiago
Críticas de Lawrence
Ordenadas por:
53 críticas
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6
25 de mayo de 2020
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Basado en las aventuras del tierno osito que desde 1958 deleitara a los niños ingleses en una serie de libros y posteriores adaptaciones televisivas, este segundo film del británico Paul King parte de la premisa original de hace más de medio siglo: proveniente de la selva peruana, el animalito llega a Londres buscando a un explorador que conoció a su tía, y termina siendo encontrado y ayudado por una familia que lo bautiza con el nombre de la estación donde lo hallaron. Como es de suponer, acá estaremos ante el clásico motivo del personaje que debe adaptarse a una realidad totalmente ajena, lo que provoca una serie de situaciones divertidas y muy bien resueltas a nivel visual.

La historia es predecible, pero igual a lo largo de una hora y media se desarrolla con fluidez, entretiene y se luce por su dirección de arte, por lo bien lograda que está la animación del protagonista y su interacción con personajes de carne y hueso, encarnados por reconocidos actores british, además de Nicole Kidman como la villana de turno. Acostumbrados a ver en las últimas dos décadas largometrajes animados para niños que además apelan al público adulto con referencias a la cultura popular y más de un guiño o chiste de doble o hasta triple sentido, de vez en cuando también se agradece disfrutar de una película infantil inocente, encantadora y adorable como las de antes. Y en buena medida "Paddington" cumple con eso.
Lawrence
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6
25 de mayo de 2020
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Despobladas carreteras azotadas por el sol, amplios y secos espacios que se extienden a lo largo del horizonte, interiores sucios, desordenados y sombríos, son el marco en que se desarrolla esta co-producción australiana-estadounidense, estrenada mundialmente en el Festival de Cannes 2014. Ambientada en una Australia cuya sociedad soportara hace una década diversos colapsos y en la que más que personas, la mayoría de los sobrevivientes parecen muertos en vida, taciturnos, tristes y a menudo peligrosos, se centra en Eric, un hombre a quien una pandilla le roba el auto, pero en vez de resignarse decide perseguirlos, uniéndose posteriormente en el camino al joven Rey, quien fue abandonado por el grupo cuando fue herido.

Las visiones negativas y oscuras del futuro tienen reconocidos y variados precedentes a lo largo de la historia del cine, y se han multiplicado aún más en las últimas décadas, sintonizando indudablemente con las complejas realidades sociales del mundo contemporáneo. En ese sentido, a primera vista "El cazador" no ofrecería tanta novedad a los espectadores. Sin embargo, la puesta en escena del director australiano David Michôd maneja bien el suspenso y tiene momentos muy logrados en su exploración de la violencia y la alienación, lo que permite que el film destaque por sobre el promedio, aunque su ritmo es irregular, se hace algo reiterativo y puede impacientar a más de un espectador al no ser un vehículo de acción convencional, ya que alterna los estallidos sangrientos con tiempos lentos y contemplativos.

Michôd -elogiado y premiado en festivales como Sundance con su debut, "Animal Kingdom"- no esconde sus referentes, que van desde códigos del western clásico y el cine policial hasta personajes y situaciones que evocan a los libros de Cormac McCarthy y sus adaptaciones fílmicas ("Sin lugar para los débiles" o "La carretera"), o incluso a otra recordada producción australiana, "Mad Max". Y también desfilan perturbadores roles secundarios excéntricos y lacónicos que ineludiblemente recuerdan al cine de David Lynch.

Pero el realizador no se queda sólo en los homenajes, ya que muestra un sello propio y saca notable partido al implacable paisaje y las locaciones, muy bien capturadas por la fotografía de Natasha Braier, así como por el inquietante tono que aporta la interesante banda sonora de Antony Partos. Y además, por sobre varios personajes sin demasiados rasgos o relieve que corren el riesgo de ser meros arquetipos, destaca por la intensidad interpretativa de sus dos actores protagónicos: Guy Pearce y un Robert Pattinson que sigue demostrando que puede ser un buen actor y superar los clichés adolescentes en los que casi lo sumerge su participación en la popular saga "Crepúsculo".
Lawrence
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5
25 de mayo de 2020
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Casi una década después del estreno de la cinta original de Marcos Carnevale, llegó esta nueva versión del film homónimo argentino-español, con la misma historia de un entrañable romance entre dos ancianos de personalidades muy diferentes. Sin duda se trata de una revisión innecesaria, pero que de todos modos funciona con una importante cuota de buena voluntad de los espectadores. El experimentado realizador Michael Radford ("1984", "Il postino") no logra evitar que su amable relato se sienta convencional y predecible, e incluso que su puesta en escena recuerde a un telefilm de escaso vuelo, pero tiene a su favor a una imbatible pareja protagónica, porque los veteranos Christopher Plummer y Shirley MacLaine, no sólo sumaban en conjunto en ese momento 164 años de edad y ambos en sus espaldas premios como el Oscar y una carrera fílmica de más de medio siglo, sino además conservan lo que más los ha distinguido siempre: el talento. Aunque físicamente los dos reflejan marcadamente el peso del tiempo, se mantiene intacta la magia de su mirada, la expresividad de sus gestos. Eso es impagable, e incluso se luce a pesar de los ripios de un remake como este.
Lawrence
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6
25 de mayo de 2020
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¿En dónde reside la receta ideal para lograr que una comedia hollywoodense funcione por completo y logre convencer tanto en lo comercial como a los críticos más exigentes? No existe la respuesta definitiva, y la mejor prueba está en que prácticamente cada semana el cine estadounidense estrena uno o más largometrajes que tratan de hacer reír a los espectadores, pero en el balance final son pocas las que lo logran de verdad o consiguen convertirse en un éxito que perdure en el tiempo. En este caso, sin ser una joya del humor contemporáneo, este film funciona mucho mejor que el promedio de este tipo de producciones, a pesar de recurrir a ingredientes muy vistos en trabajos similares.

Un protagonista que ante un momento crítico en lo personal puede encontrar apoyo y refugio en su disfuncional familia, cuando se ven obligados a reunirse por circunstancias inesperadas; un funeral que es el detonante de situaciones divertidas; la mezcla entre lo cómico y lo sentimental; sorpresas y revelaciones que van agregando sazón a la trama; un sólido elenco de actores en una historia coral que puede permitir al público identificarse o reconocer a más de uno de los personajes... No se puede negar que esta película cuenta con una fórmula ya conocida y probada en diversas oportunidades, pero de alguna manera el cineasta Shawn Levy logra que todo se mezcle de manera efectiva. Y eso que revisando su trayectoria fílmica previa, iniciada en 1997 y que cuenta con una decena de películas, no se podría decir precisamente que es un maestro de la sutileza, porque ni títulos como "Más barato por docena", el remake de "La pantera rosa", las tres películas de "Una noche en el museo" o "Aprendices fuera de línea" son precisamente hitos ilustres de la comedia de las últimas décadas.

Puede que de algo le sirviera a Levy haber trabajado previamente con estrellas de la comedia como Steve Martin, Ben Stiller, Steve Carell, Owen Wilson y Robin Wiliams, porque en verdad "Hasta que la muerte los juntó" convence, entretiene, tiene buen ritmo y se siente entrañable, dinámica y cercana, a pesar de no esquivar los clichés o trazos gruesos. Con guión del escritor Jonathan Tropper adaptando su propio best seller de 2009, el director desarrolla un tono distinto al de las comedias estadounidenses que hasta hace poco dominaban el panorama en Hollywood, impulsadas por figuras como el director y productor Judd Apatow; acá la factura de cierta manera es más clásica y convencional, y saca el máximo partido de un interesante y atractivo reparto, en especial a través del protagonismo de talentosos comediantes cuyo éxito y prestigio televisivo no siempre se han visto adecuadamente reflejados en la pantalla grande, como Jason Bateman y Tina Fey.

Es verdad que entre tantos personajes es inevitable que algunos se queden sólo en el simple esbozo sin mayor desarrollo, pero la buena química que exhiben entre sí ayuda a la fluidez y ligereza del tono general, y uno de verdad cree que son una familia. Y por supuesto que no es un mérito menor que Levy sepa aprovechar los ilustres recursos interpretativos -a menudo desaprovechados desde su esperado regreso al cine en 2005- de la legendaria Jane Fonda, quien en esos momentos a sus 76 muy bien conservados años se luce como la desinhibida y liberal matriarca de la familia.
Lawrence
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5
25 de mayo de 2020
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En su cuarto largometraje, el realizador australiano Jonathan Teplitzky se inspira en la historia real del británico Eric Lomax, de acuerdo al libro autobiográfico que éste escribió y publicó en 1995, contando su doloroso proceso personal como sobreviviente de la Segunda Guerra Mundial. Capturado por los japoneses junto a su batallón en Singapur, Lomax fue enviado a un campamento de prisioneros, donde debió trabajar en la línea del ferrocarril, y tras ser descubierto como el responsable de haber construido secretamente una radio, fue atormentado y torturado severamente.

Aunque luego de ser liberado el protagonista logró volver a su vida cotidiana y continuó con la relación con sus amistades y con su obsesión con los trenes y recorridos ferroviarios, internamente el trauma por lo vivido nunca fue borrado por completo, y eso quedará paulatinamente al descubierto cuando inicia una relación amorosa con una mujer a quien conoce en un tren, Patti, quien terminará convirtiéndose en su esposa y pronto comenzará a preocuparse cuando descubra las pesadillas y recuerdos que atormentan a su marido. El único apoyo para encontrar una solución podría ser el mejor amigo de éste, Finlay, quien también estuvo con él en la guerra y sobrevivió al campamento de prisioneros. El nexo directo con el pasado surgirá tarde o temprano, como poco a poco va revelando la película.

La impecable factura de la cinta, que resalta por la fotografía de Garry Phillips, el diseño de producción de Steven Jones-Evans y la dirección de arte de Nicki McCallum, todo sumado a la efectiva música de David Hirschfelder, es un factor de innegable atractivo para la atractiva ambientación de época. Pero todo eso no impide que "Un pasado imborrable" se perciba a menudo demasiado académica y convencional, tanto en lo narrativo como en su puesta en escena. Hay que reconocer que Teplitzky sabe capturar el interés del espectador con un muy buen punto de partida, al retratar con encanto el encuentro entre Lomax y su futura esposa, y el rápido proceso de enamoramiento de la pareja. Pero luego todo se hace más predecible, tanto en las escenas durante la guerra como en las posteriores.

A pesar de todo lo anterior, el film no es tan fallido como parecían indicar las negativas críticas de diversos países o las decepcionantes cifras de la taquilla internacional. Puede que no emocione tanto como se podría esperar, pero igual funciona como drama de época, como enésimo relato de penurias bélicas y de los ecos que éstas dejan en el presente y futuro, y también como mirada a la posibilidad de perdonar y olvidar para sanar las heridas. Y sobre todo logra interesar gracias a las sobrias y convincentes interpretaciones de su elenco: muy bien secundado por Nicole Kidman (quien hace lo mejor que puede con su rol de esposa preocupada y abnegada), el siempre sólido actor sueco Stellan Skarsgård y el japonés Hiroyuki Sanada, el británico Colin Firth es un creíble protagonista, frágil, dolido y fracturado.
Lawrence
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