Tan alto es el talento empleado para suplir la falta de recursos, que un triste mortal como el que redacta este despropósito como reseña, no ha podido desentrañar el verdadero argumento de esta extraña obra. Uno se ve tentado a la temeraria recomendación de esta película, ante la duda de que la misma sea en verdad una obra notable. Por otra parte, en caso de que el filme sea en realidad una porquería, darle un elogio, un mimo, un aliento a que sea visto por mucha gente puede interpretarse como un acto de condescendencia y de absurda generosidad para con los responsables. Porque, aunque sea obvio señalarlo, aquí hay responsables que no son precisamente el reseñador de la crítica, y bueno es amplificarlo: el Sr. Joseph Mbah fue el guionista y director de esta Alien Sniperess, además de productor ejecutivo. Releído el enunciado anterior, más parece una condena que un halago. Pero en fin, el libreto es lo suficientemente enrevesado como para dar tanto una felicitación como un desprecio absoluto por la obra. En el rubro responsabilidad también habría que incluir a quien esto escribe por haber invertido su tiempo en comentar eventual obra de arte.

Veamos las dificultades de comprensión. El argumento plantea una invasión alienígena que se hará a través de un virus que ha llegado a la Tierra en sucesivas lluvias de meteoritos, y que entrando por la epidermis de los brazos a través del torrente sanguíneo se aloja en la amígdala pre-frontal del cerebro, y provoca un cambio de comportamiento que hace que todos los humanos se maten entre sí. He aquí la primera dificultad de comprensión. Si se va a aniquilar a la raza humana por su propia agresividad ¿cuál es el propósito de la invasión? No habrán seres a quienes someter y esclavizar. Pero, además, el virus adopta la forma de una pequeña babosa de color oscuro que es altamente vulnerable a las emisiones de los teléfonos móviles. Por lo que, conocida esta característica no bien se inicia la película, ya está servida en bandeja el diseño de un arma de defensa.

Nunca se ve un solo extraterrestre, ni nave espacial ni armas sofisticadas, seguramente los 200 Euros invertidos en la producción de esta obra condicionó la ausencia de estos elementos. Pero uno invirtió la expectativa de ver ciencia ficción con el visionado de la película, pero claro el espectador está forzado a un enorme esfuerzo de imaginación que pueda sobrellevar la ausencia de decorados, de utilería, de maquillaje y eso deviene en que la obra estará bien alojada en la imaginación del público, de la misma forma que las babositas colonizan el cerebro de los personajes.

Hay como no podía ser de otra manera, una especie de científico loco que ha estudiado a las babosas del espacio y que diseña un plan de exterminio con una señal telefónica que será transmitida a todos los celulares del planeta en forma simultánea a una hora específica. Y acá viene otro elemento que hace más incomprensible la historia. Sin decir agua va ni agua viene, la solución es poner 3 granadas en sendas latas de gasolina y que serán estalladas con disparos efectuados por la francotiradora, personaje principal de todo este asunto. La historia de los celulares se deja de mencionar en forma abrupta y sin explicación.

A pesar de la oscuridad argumental puede destacarse la belleza del fusil de asalto usado por la francotiradora. El arma está camuflada con ramitas y pequeñas flores silvestres que, seguramente, son producto de la dirección de arte de un maestro de origami japonés. Cabe señalar que en los créditos no se deja constancia de este artista, por lo que no sería de extrañar de que tal artesano no tuvo participación alguna.

En fin, muchos disparos y tiroteos (en general no se sabe muy bien quiénes son los buenos y los malos, aunque esto francamente importa poco) en medio de diálogos sencillos pero incomprensibles. Drama de la finitud de la vida y de la eternidad mortal, de la conciencia cósmica y del Superyo terrenal. En pocas palabras, Sigmund Freud cabalgando en los misterios de multiversos que enviaron meteoros con colonias de babosas para exterminar a la humanidad. Seguramente hay significados soterrados y enterrados en la línea argumental, a tal extremo de que no son para nada apreciables.

A modo de epílogo: pensar que hay personas que creen que es imposible sacarle lustre a las rocas.

No es una película para ver. Es una obra de arte que primero se debe sentir y luego decodificarla.

El director Mathieu Amalric hace una apuesta muy arriesgada para la puesta en escena de Sarre Moi Fort, porque elige un planteamiento para nada lineal y que deliberadamente violenta la continuidad cronológica de la historia.

Debe advertirse al eventual público que esta extraordinaria película requiere un esfuerzo muy intenso para su visionado, pero a medida que avance el metraje las piezas del rompecabezas comienzan a acomodarse en lo que podría definirse como una gigantesca vuelta de tuerca que se desarrolla desde el minuto 8 y culmina recién al finalizar la película.

Juego de espejos con una cinematografía subyugante en todos los rubros técnicos y actorales. Es así que, por ejemplo, la excepcional banda sonora no sólo gratifica con exquisitas obras pianísticas clásicas, sino que el sonido se convierte en un aliado fundamental para una mejor compresión del argumento. Aquellos que cuenten con auriculares, deberían hacer un intento de soportar la incomodidad que provocan su uso y, seguramente, irán descifrando más temprano que tarde cuál es el tema de este filme.

De ausencias y pérdidas. De soledades y desencuentros. De búsquedas estériles y hallazgos dolorosos. La quintaesencia de la incomunicación (al mejor estilo Ingmar Bergman) te la presentan en un menú que demoras algún tiempo en poder degustarlo en toda su intensidad.

La protagonista Vicky Krieps (la misma de Phantom Thread) hace un trabajo de interpretación que a fuerza de gestos, miradas y de intensos parlamentos que se dicen prácticamente en of, te deja la piel erizada por la intensidad con que comunica el dolor de una madre que, en principio, no se sabe muy bien si se va o está llegando. Crónica del dolor y diario íntimo del crecimiento de todos los personajes.

Hay dos chicos adolescentes (Anne-Sophie Bowen-Chatet y Sacha Ardilla) que si continúan en su vida adulta con actuaciones tan intensas como estas, se convertirán seguramente en grandes figuras.

¡Qué linda sorpresa esta película! Todo jugado a un excepcional guión, a una dirección que sabe muy bien adónde quiere llegar y a un elenco (dicho sea de paso con un “casting” perfecto) de excepcionales artistas.

Más allá de que el hilo conductor recae en el sicario (Neal McDonough) en esta obra puede afirmarse que hay un protagonismo coral. No importan los muchos o pocos minutos que cada personaje ocupa la pantalla, todos ellos están milimétricamente creados, descriptos y desarrollados en su psicología como un gran puzzle. No ha sido necesario usar 2 horas y media de metraje para presentar a los agonistas y, además, los diálogos son bien parcos, sintéticos y ajustados a la trama. Aquí no se nota una sola falla en el libreto que ha tenido la precisión y la maestría de decir exclusivamente lo necesario porque el resto es cinematografía pura.

En la ficha figura el “thriller” como género, pero en realidad es un drama poderoso, muy duro y hasta difícil de soportar, especialmente en el tercer acto. Una historia de derrotas y derrotados, de crueles faltos de corazón, de miserias pequeñas y egoísmos mayúsculos, de la culpa y la redención. Es una pena que ante la amenaza de la guardia pretoriana que filtra arbitrariamente nuestras reseñas, todo tenga que ser dicho en forma elíptica o lisa y llanamente omitido, como es en este caso. La posible no publicación obliga a hablar mucho y decir poco. Esta es la razón por la cual anuncio a los co-foristas que este será mi último aporte a FilmAffinity (aunque seguramente a muy pocos les importará que deje de estar mi opinión) porque es imposible escribir con la espada de Damocles colgando encima. Y ahí, en el limbo, quedarán “The Cleaner”, “The Amityville Moon” y la notable “Coming Home in the Dark” que nunca verán la luz porque me he negado a modificar las ridiculeces que me sugirieron y que los administradores no se han atrevido a eliminar.

Lamento no tener el poder de convicción y la llaneza de la escritura para alentar, estimular y despertar la curiosidad de los eventuales espectadores, porque esta notable película "Red Stone" debe ser, en mi modesta opinión, vista por la mayor cantidad de gente posible. Recomendada desde el corazón y la razón.

Parece mentira que Lionsgate ponga la firma en este desastre. La idea argumental es sencillamente descabellada y ridícula. Con situaciones pocos creíbles y tontas, con un único escenario que pasa en un santiamén desde la aridez total de un terreno casi desértico a un bosque que en cuestión de metros se convierte en una selva tropical, y con unos diálogos imposibles de calificar por lo infantiles, cursis y por la forma en que son recitados por un elenco a la deriva que parece ponerse en marcha frente a las cámaras por su propia cuenta, sin la existencia de un director.

Estoy tentado de mencionar 5 o 6 ejemplos del dialogado, pero seguramente los censores de la nueva inquisición de esta página filtrarían esta reseña aduciendo rebuscados argumentos de spoiler y, por lo tanto, ocurren dos cosas: a) no quiero calentarme cuando me frenen la publicación; y b) francamente esta película no merece la pena de que uno gaste demasiados caracteres en su análisis.

Finalizo con una conclusión que podrá ser entendida por casi todos. Parece que Bruce Willis está siguiendo los mismos pasos que Nicolás Cage: sumar cheques con cada nueva producción y despeñar su carrera sin freno alguno en caída libre al vacío..

Seguramente el único punto débil del guión sea usar como hilo conductor de la historia a una periodista que sale de la redacción de un diario (en épocas en que la prensa escrita parece estar cavando su propia tumba por efectos de las plataformas digitales) en búsqueda de una noticia que involucra a la historia, la tradición y a un esplendor ya caduco de un pequeño pueblo turístico canadiense. Que 60 años atrás el lugar haya sido el escenario natural del rodaje de una película clásica por su protagonista, por el argumento navideño y, sobre todo, por una pegadiza canción compuesta por la estrella principal del filme, es la excusa para descubrir una historia de amor que permaneció en secreto por décadas.

La simpleza del planteo está escrita con inteligencia sin apelar a clisés ni golpes bajos para relatar una historia romántica que gira en torno, no solamente a la película rodada en esa alejada locación, sino que tiene como escenario principal a una sala de cine como las que ya no existen, con grandes alfombrados, platea circular y una sala de proyección que no apela al uso de soportes digitales, sino que hay dos enormes proyectores de 35 milímetros.

Existe una acción paralela entre la investigación del antiguo romance oculto y escenas de la propia película rodada hace décadas. Es una declaración de amor, no solamente entre algunos personajes sino que también declara su cariño y admiración por el cine. Incluso, dentro de la modestia de un presupuesto reducido (se trata de un telefilme) se hace un par de guiños a “Cantando Bajo la Lluvia” y a la célebre canción de Gene Kelly (ver Spoiler).

Con excepción de la protagonista principal (Holly Deveaux) cuya actuación es bastante plana, monocorde e inexpresiva, el elenco cumple con corrección lo que puede esperarse de una historia que hará suspirar a quienes gusten del género romántico. No pasará a los anales de la cinematografía, pero es una película amable que se deja ver y provoca las emociones y la nostalgia del cine de antes.