Ayer, tuve el placer de disfrutar un largometraje que marcara un hito durante los siguientes años venideros, se trata del filme 2012, una película del director Roland Emerich (Independence Day, Stargate...).

Es la primera película que es superada por su propio trailer.

A ver, esta claro que yo sabía a lo que iba, a destrucción masiva, y efectos piro musicales de primera categoría, todo mezclado con alguna historia patriótica americana. Pero me llevé una tremenda sorpresa. Aunque antes que nada analicemos los pros y contras.


PROS:

-Sale Florentino Fernández haciendo caras (el gordo con gafas).


CONTRAS:

-Dura demasiado la patética tensión (casi 3 horas!!).
-El guión no llega a la altura de retrasado mental.
-Tomadura de pelo continua.
-Intentan hacer partes cómicas o entrañables, y ahí se quedan en el intento.
-Abusan de la lágrima fácil.
-Los actores principales son dignos del youtube.
-Los actores de reparto son infumables.
-El doblaje se ha hecho en un locutorio.
-Respecto a la BSO decir patética sería elogiarla.
-Los efectos visuales son espectaculares estéticamente, pero no tiene ni ton ni son. Los edificios siempre caen para el mismo lado.
-Entre el 2009 y 2012 se ponen de moda las televisiones retro. En el despacho oval, aun compran televisores de rayos catódicos BlueSky.
-Deprimentes escenas en las que los actores buscan la humanidad.
-Sorprendente que la hija del presidente después de saber que han muerto millones y millones de personas, se entristezca al ver que un tío muere en la tele.
-El actor principal roza lo vomitivo.
-Esta claro, mientras más caro sea el avión, antes fallara. Aparte de que mientras más grande sea menos asientos tiene.
-Si esperabas algo sobre la cultura azteca, no lo esperes.
-Europa somos la última mierda, no tenemos decisión ninguna.
-Los rusos...lo de siempre.
-Faltó una bandera norteamericana ondeando.
-Las limusinas americanas las fabrican con el mismo material que los tanques.
-etc...


En definitiva, bodrio total, que marca un antes y un después.

Mi nota: 0, y porque no se puede poner menos.

The Road.

En un mundo caótico y deprimente un padre y un hijo vagan por la oscuridad y por la penuria buscando un futuro mejor.
Esta podría ser la sinopsis más sencilla de esta tremenda película, y es que me enamoré a primera vista. Hay muchos tipos de películas, algunas te hacen reír, otras te entretienen cómodamente en la butaca del cine y otras simplemente son pasajeras. The Road es una película que te hace pensar, y no me refiero a que te plantea un enigma, tampoco a que encuentres una moraleja dentro de la historia, sino te invita a pensar qué hubieses hecho tú en las diversas situaciones que suceden durante el filme.
Es una película diferente, que no busca llamar la atención, ni tampoco se para en el pasado de los protagonistas (su profesión, sus estudios, su familia…), sino más bien se centra en la historia de dos personas y es eso exactamente lo mejor de ella.
No busquéis porqués en la película, dado que no hallaréis ninguno, únicamente dejaros llevar por el viaje, por el viaje al sur.

Os invito a conocerla, a introduciros dentro de un planeta gris, y real…demasiado real. Pero es como la vida, cruda y dura. Así que la película no es más que una ventana a nuestro instinto más primario: la supervivencia.

Respecto a la valoración en general de la producción destacar la impresionante escenografía donde se realizan las escenas, la excelente adaptación del libro y sobretodo el glorioso papel que realiza Viggo Mortensen durante el rodaje.

Si tiene alguna contra para mí es el final, debería haber acabado antes, le sobraban los últimos 5 minutos, pero aun así no me defraudó, simplemente lo hubiese cambiado.

Mi nota es un 9,2. Excelente y de obligada visión, crucemos los dedos para que pase al salón de la fama de los filmes.

En medio de una Europa sin rumbo, la historia se repite.


Hitler, Hitler, y más Hitler. Así se presenta la película alemana Ha vuelto del director David Wnedt, basada en el best seller de Timur Vermes.
Muy a mi pesar, y en contra de mis pasiones, he visto la película antes que leer el libro, pero por suerte, o por desgracia, podré tener una crítica diferente a la típica que quiere comparar eternamente si la adaptación es buena, o no.

Personalmente la película me ha encantado, creo que ha sido una obra maestra, y que pone de manifiesto un temor, un recuerdo, una duda, ya no de los espectadores, más bien de la sociedad en general, de la sociedad capitalista del siglo XXI. El argumento es tan sencillo como preguntarse, ¿qué pasaría si Hitler apareciese en Alemania 70 años después?
La respuesta se manifiesta como sencilla, pero como desenvuelve de una forma prodigiosa la obra, no todo es como aparenta. Como describe Vermes, la sociedad no ha avanzado tanto en estos años, y seguramente esos miedos volverían a desarrollares. El miedo no es otro que la incapacidad de razonamiento de una sociedad (la europea) sin rumbo, narcisista y autocomplaciente. La tesis es clara: Hitler no fue un loco, un excéntrico, o un poseido por el Diablo. El führer era justo lo contrario, un tipo inteligente, decidido y muy lúcido, el problema de fondo no era su personalidad, más al contrario, lo que razonaba.

Pero el trasfondo del filme no se centra tanto en la figura de Hitler, es más, el autor hábilmente regatea los temas más peliagudos como el antisemitismo o el anticomunismo del líder del Tercer Reich. La esencia del filme va en torno a los postulados de la extrema derecha europea, del miedo al otro (inmigrantes), y del deseo perverso de una clase media de volver a políticas de búnker.

Hitler ha vuelto, o mejor dicho la extrema derecha, como ya se manifiesta en las grandes economías europeas, ha vuelto. Al igual que hace 80 años se viste de forma sibilina, y con un discurso racista infecta a las clases medias europeas, que más allá de ver el problema de su crisis económica interna en el reparto de cromos de una oligarquía financiera, ataca vehementemente a las clases trabajadoras, primero las que consideran extranjeras, y segundo, aunque todavía está por definir a las clases trabajadoras nativas.

El acorazado Potemkin es una obra maestra, una referencia obligatoria para todos los profesionales y aficionados del cine. Esta obra marca un antes y un después, y es que su diseño, su puesta en escena, y su oda a la narración, crea una atmósfera perfecta para el pleno deleite de la misma. La historia, basada en hechos reales, narra la sublevación de las tropas del Potemkin, hartas ya del trato discriminatorio que estaban sufriendo, hasta el punto de ser fusilados por negarse a comer comida podrida. En el largometraje también podemos observar lo sucedido en Odesa en 1905, cuando las tropas del Zar atacaron a la población, cortando de raíz cualquier tipo de rebelión.

Pero, más allá de los hechos narrados, el comienzo de la revolución Rusa, El acorazdo Potemkin es una obra muy bien trabajada, sobre todo en su forma de narrar los sucesos. La caída del bebé por las escaleras en Odesa, la muerte del marinero rebelde, la celebración popular, o el final de la película con la imagen del acorazado pasando por encima de la cámara, son pequeñas muestras del gran talento del director ruso.

En definitiva, el trabajo de Eisenstein merece la pena ser reproducido y transmitido, y aunque han pasado casi 90 años de su creación, sigue estando vigente como cualquier película actual.

El musical no es especialmente un género que me entusiasme, pero la película Cantando bajo la lluvia me sorprendió gratamente. Para que un musical funcione debe de tener un aspecto creativo y original que lo separe de la simple secuencia de videoclips musicales encajados uno tras otro. Por ejemplo Bailar en la Oscuridad (2000) de Lars Von Trier es una clara muestra de hasta donde se puede explotar el género, sin parecer cursi y ñoño.

El largometraje de Stanley Donen y Gane Kelly, tiene fuerza y una trama interesante. Aunque peca de tener un hilo predecible, ya desde el principio sabes con quien va a acabar el actor principal, su ambientación y su narración de fondo son espectaculares. Es una obra magnífica para conocer un paso clave de la historia del cine: el nacimiento del sonoro y la muerte de la película muda. En Cantando bajo la lluvia se hacen múltiples referencias a la primera película sonora El cantor de Jazz (1927), y como ésta revolucionó el mundo del séptimo arte. Aparte, los actores deben adaptarse a esta nueva época, y dejan de ser ‘simples’ amateurs en el mundo de la interpretación, para convertirse en profesionales. Algunos actores serán capaces de dar el paso y otros no. Este tema es recurrente en el cine, tanto hoy en día, un ejemplo claro es The Artist (2011) de Michael Hazanavicius, como en el pasado donde un modelo magnífico es la obra El Crepúsculo de los dioses (1950) de Billy Wilder.

En materia musical cabe decir que el filme cuenta con una decena de números que sobresalen por su variedad de estilo y recursos. Desde el típico espectáculo de Broodway, pasando por número a dúo como “Moses Suposses” o el clásico “Singin’ in the Rain”. Las canciones están bien logradas y la escenografía demuestra calidad y acierto.