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Críticas de Iván Roldán
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124 críticas
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8
19 de agosto de 2016
48 de 59 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tercera y última película de Na Hong-jin, desarrollada sobre la misma línea que sus anteriores trabajos: el thriller de intriga, pero a diferencia de su extraordinario debut The Chaser (2008) o The Yellow Sea (2010) –ganador al premio como Mejor Director en Sitges 2011–, el tema sobre el cual se estructura The Wailing no es la inmigración, el crimen o la amenaza de un asesino en serie como tal, sino el folclor japonés, imbuido de magia y misticismo.

No hay nada más aterrador que no tener claro a qué le estás teniendo y a qué debes tenerle miedo. The Wailing inicia con el descubrimiento de una serie de misteriosas y horribles muertes ocurridas en la tranquila jurisdicción de Gokseong (sin razón aparente los crímenes son cometidos por un miembro de la familia quien permanece bañado en sangre como si estuviese en trance). Pero las investigaciones pronto apuntarán hacía una dirección más peligrosa: lo sobrenatural. ¿Cómo investigar, perseguir y detener a un demonio?

Hong-jin se basa en las tradiciones chamánicas del yamabushi y algunos símbolos religiosos occidentales para evocar un reino oscuro y primitivo que arroja su violencia en la naturaleza y en el seno de los hogares. Una exploración al mundo de los espíritus a través del razonamiento y el esfuerzo de quizá no el mejor policía (eficaz y deductivo) pero si de un buen padre, un padre dispuesto a hacer todo por salvar a su hija. Una carrera contra el tiempo en medio de una fantasía alucinatoria que sumergirá al protagonista en un infierno de dudas e impotencia.

Un filme entretenido en sus más de dos horas, de tensión y, tan propios de la histeria escenificada (común en el cine coreana o japonés), destellos de comedia negra. Superstición y lógica. Posiblemente una metáfora sobre los fantasmas que aún hoy día necesita expiar la Corea del Sur rural, xenofóbica y herida por el pasado (el colonialismo japonés, la guerra civil, la partición).

La fotografía a cargo de Hong Kyung Pyo me ha encantado, haciendo tan vivida la lluvia y la naturaleza, en sus azules y verdes. El diseño de los personajes es otro aspecto a favor, como mencionaba, la inclusión de un policía no muy hábil pero sí amoroso y resolutivo, del religioso japonés, el contraste de los chamanes (en las montañas y el de la ciudad), y las mujeres (madre, suegra y ¿fantasma?), así como la feroz representación del ritual. Lo que considero un tanto olvidable es la música, y aunque en una reflexión posterior, tal vez… no halles (¿o sí?) alguna explicación satisfactoria sobre el final e inicio, me parece el interés y la atmósfera de la que fue capaz nos evita frustraciones y vale el visionado.

http://teatro-vandrian.blogspot.mx
Iván Roldán
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7
7 de junio de 2011
19 de 19 usuarios han encontrado esta crítica útil
Supongo todos en algún momento, ya sea con mucho interés o porque no nos quede de otra, hemos prestado atención a las escenas o conversaciones ajenas. Les observamos y escuchamos desde nuestro lugar en algún punto del transporte (bus, metro); cual espectadores de una representación dramática dispuesta a amenizar nuestro viaje. Una dosis de surrealismo que no es raro que llegue a horrorizarnos tanto como encantarnos, es la empatía que le brindamos al protagonista de la telenovela o el filme, sólo que aquí es de carne y hueso, y ese momento irrepetible de su vida se convierte también en un momento grabado en la nuestra.

En estos días cada vez más las personas tienden a aislarse, concentradas en su mundo con tan altas barricadas de música que si la persona de nuestro lado muere súbitamente con un grito ni le escuchamos por los auriculares, o ensimismados en las páginas de un libro despegamos los pies de la tierra y nada más sabemos hasta llegar a nuestro destino. Pues bien, este cortometraje nos habla un poco del primer párrafo, y como a veces llegamos a vivir y a sentir a través de esos personajes.

Lo que nos cuenta: un hombre mantiene una conversación telefónica en el autobús, una conversación que envuelve al resto de los pasajeros haciéndolos desear unánimemente un final feliz para esta pequeña historia.

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Iván Roldán
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7
19 de abril de 2011
21 de 25 usuarios han encontrado esta crítica útil
Original cortometraje que denuncia la violencia de género. Si bien es de corte social fue ubicado en la categoría de ficción en los premios Goya por la manera en que está compuesto, repleto de metáforas y simbolismos, lo cual lo hace bastante único, y trascender ya no a una exposición simple de dicha violencia sino a un mensaje más esperanzador, bastante sabido pero pocas veces tomado.

Inútil y triste es esperar que la vida cambie por sí misma porque no existe el valor para cambiar el orden de las cosas, ese orden nefasto que puede envenenar generación tras generación. La esperanza de la que nos hablan, es esa capacidad para tomar grandes decisiones en el momento adecuado y así, impedir una vida de temor.

Muy agradable y agudo guión, en dónde en ningún momento palparemos la violencia pero sin embargo, sabemos que existe. Y a veces eso es lo más doloroso, lo que se calla, lo que no se ve.

Yendo a terrenos más técnicos, hermosa música y fotografía pulcra.

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Iván Roldán
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7
30 de agosto de 2015
17 de 20 usuarios han encontrado esta crítica útil
El cine austriaco es conocido en sus orígenes –haciendo de lado sus cortometrajes de corte erótico de principio de siglo– por sus dramas y comedias románticas situadas en Viena del siglo XIX y hoy en día por dramas sociales basados en hechos reales, como Die Fälscher (2007) de Ruzowitzky o en su momento El séptimo continente (1989) de Haneke, punto y aparte este director quien Siempre ha sabido impresionar a la crítica en cualquier festival y por supuesto, a nosotros como simples consumidores del cine. Sin embargo cabe mencionarse la limitada expansión del cine austriaco restringiendo el género de terror a menos de 10 largometrajes, destacando a Angst (1983) de Gerald Kargl como el “primero” –¡debes verla!–,y Funny Games (1997) de Haneke como la película de culto que es. Por ello Goodnight Mommy es uno de los pocos pero valiosos filmes de terror tanto a nivel nacional como internacional.

Severin y Veronika elaboran un thriller psicológico sobrecogedor aprovechando el potencial terrorífico que posee una condición gemelar, su comunicación intuitiva, lealtad y tendencia conspirativa (lejos de aquellas historias donde un gemelo suprime al otro), no sé, de momento recuerdo a las niñas fantasmales de El Resplandor de Kubrick, los pelirrojos de AHS Murden House o Niles en The Other (1972) de Mulligan –parecido hay con ésta, ¡de verdad!, pero no hablemos de ello –. Sin olvidar el aditivo de la perversidad infantil que brilla en muchas películas como The Bad Seed (1956) de LeRoy, The Omen (1976) de Donner, ¿Quién Puede Matar a un Niño? (1976) de Ibáñez, The Good Son (1993) de Ruben, etc…. Los niños pueden ser tan malos.

El filme comienza de la manera más sana ejemplificando la unión familiar a través del juego, con Lukas y Elias, inseparables, viviendo un mar de fantasía y alegría hasta la llegada de su madre, un hecho que en contra de lo esperado: completar un círculo de candidez en este retiro campestre; trae consigo tinieblas en un permanente recordatorio que algo no anda bien: la ausencia del padre (hasta en fotografías), la frialdad maternal dominada por una vida profesional y el aparente disgusto con Lukas: su madre simplemente no le dirige la palabra, es como si quisiera omitir su existencia. Triste, pero tolerable es saber que tu madre no te quiere cuando tienes el apoyo de tu hermano.

Bien podría ser un caso más donde la indiferencia de los padres inmersos en sus problemas de éxito personal obliga a sus niños a refugiarse en una imaginería de sueños. Pero esto no es así, el arquetipo de madrasta malvada que envuelve a la madre de Elias y Lukas arroja su universo infantil a las ideas más descabelladas pobladas de paranoias extraterrestres, de alienígenas suplantadores o bien, alguna mujer psicótica. ¿Qué ha hecho con su madre? Sin pauta para la ciencia ficción yacemos a “realismo” más puro y duro. Semejantes a un par de animales acorralados Elias y Lukas no sólo se escurren por las frías habitaciones de su casa en busca de la libertad del campo, sino también deciden hacer frente a esta entidad transfigurada en su madre. Y es que estos niños cazadores de cucarachas no sólo son presas, poseen una astucia animal que hará canalicen sus sospechas y terrores a una etapa de perversidad sin consecuencias ni miramientos.

Un filme abocado en la construcción de su atmósfera capaz de torcer el victimismo más de una vez, saltando de la inocencia despreocupada a la frialdad más próxima a la de un asesino que a la de un niño. Un tamiz psicológico que puede ser entendido como predecible, según nuestra experiencia en este cine podemos deducir fácilmente lo que pasa, y es un atributo de Goodnight mommy, juega con la sorpresa pero no engaña puesto que jamás la oculta. Todo esto, acompañado de un dejo de horror corporal cronnenbergiano, guiños al catolicismo y un toque a lo Damien Hirst.

La fotografía es fantástica, reflejando una elegancia minimalista en los interiores de una moderna casa de campo, en contraste con la belleza natural de los bosques y lagos de su alrededor, paralelo en su serenidad a la violencia existente tras las paredes y ventanas. En conjunto con la música, un ambiente inquietante aprovechado por la buena actuación de un par de niños debutantes en la actuación y Susanne Wuest (a quien le faltó un poquito de histeria, algo más a lo Babadook).

Atractivo filme en mi opinión, para muchos original (si su visionado en estas películas es menor). Si algo hemos de tachar es la escena de La Cruz Roja, totalmente fuera de lugar, y algún cabo suelto, fuera de eso, agradable.

Habrá que seguir de cerca los pasos de Severin y Veronika, sobrino y esposa del productor (productor de este filme), guionista y director, Ulrich Seidl.

Por último y como breviario, Ich seh ich seh es un juego infantil de adivinanzas traducido como veo veo, puedes leer de él en wikipedia.

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Iván Roldán
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8
12 de julio de 2016
14 de 14 usuarios han encontrado esta crítica útil
Extra-ordinaria película de acción, un cruce entre Universal Soldier (1992) de Emmerich, Crank (2006) de Neveldine y Tylor (en sí cualquier película protagonizada por Statham) y la franquicia Call of Duty; que ve su mayor ventaja en que sus intenciones y el público al que va dirigido son claros, así mismo su técnica… en ella reside su mayor cualidad: POV. Un filme estimulante y único. Divertido, frenético, acompañado de una banda sonora estupenda que prácticamente nunca deja de escucharse, bonitas prostitutas y el uso de drogas.

A pesar de su reducido presupuesto y escasa campaña publicitaria a su estreno, Hardcore Henry se ha convertido en una de las propuestas más arriesgadas y efectivas, que viene a caer lejos del cine Serie B (cuando leemos bajo presupuesto + violencia es lo que pensamos), es… algo diferente, más apegada en su factura a un videoclip, tendencia dada por su director y guionista, también guitarrista y vocal de la banda de rock Biting Elbows, quien ya había producido para su banda con las mismas características los vídeos The Stampede y Bad Motherfucker.

Por su puesto, una cosa es editar 4-5 minutos y otra hora y media. Considerando que la mayoría de los cineastas limitan (o simplemente descartan) su creatividad cinematográfica optando por planos convencionales dejando fuera recursos como el Point of View (y en menor medida el plano secuencia), esperemos no suceda lo que con el subgénero mockumentary (tampoco que Naishuller repita, al menos no igual) y sea pauta para una “pequeña revolución cinematográfica”, traducido como una oleada de películas en primera persona. Pero en fin, desde la unicidad: ¿qué hace brillar a Hardcore Henry? Probablemente sea que su novedosa perspectiva nace en el momento adecuado, donde persiste el aprecio por los videojuegos en primera persona cada cual más realistas y el gusto por la GoPro y los vídeos extremos en youtube.

Ahora, dejando de lado esta cuestión técnica/estética el guion me parece… “muy bueno”, no así el argumento, bastante pobre pero que nos invita a dejarnos llevar. Cuando la premisa es ir del punto A al punto B checando un GPS, con la intención de salvar a tu bella esposa de la cual no sabes nada salvo que te ha reconstruido como un ciborg y, quien amenaza su reencuentro y la paz del mundo es un loco con telequinesis que planea conquistar al mundo creando un ejército ciborgs… no hay demasiada sapiensa que exigir salvo que las cosas resulten divertidas. Y es donde viene el guion, Naishuller emula a la perfección un vídeo juego ofreciendo variedad en sus secuencias de acción y la manera en que progresa la misión cada vez más compleja en dificultad. El buen resultado indiscutiblemente de debe a Jimmy, maestro del disfraz, interpretado genialmente por Sharlto Copley (District 9, The A-Team, Europa Report), quien funge de personaje secundario de apoyo, donde gracias a su oportuna aparición en los diferentes escenarios podremos escapar, disponer de un arsenal u obtener las explicaciones/instrucciones a seguir. Por otro lado, aporta al filme ese toqué gamberro y cómico. Curiosamente, este personaje (tan no-real, ya verás por qué) es el más sustancial del filme, siendo Henry sólo un medio (para golpear, estallar, disparar, etc.,) y su némesis Akan, una imagen lejana (como la de todo villano de videojuego).

Ideal para mirar a todo volumen y en una gran pantalla (si no llega a los cines de nuestro país). Una experiencia agradable y aún más si eres fan de estos videojuegos, para mí sin serlo es mejor de lo que esperaba… aunque admito es fatigante y ligeramente aturdidora pero gustoso la volvería a ver.

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Iván Roldán
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