Mantícora trata un tema tabú en la sociedad, y reflexiona sobre la necesidad de ser amado que todo el mundo experimenta, incluidos los monstruos. Perturba y emociona.

Cuarto film del director Carlos Vermut, el film es impecable en la construcción de sus personajes, sus diálogos y en su progresión dramática. Con un tono naturalista y unas interpretaciones notables, Vermut hace avanzar su trama sin prisa, dejando que el espectador se posicione. El film plantea una love story que choca contra el rechazo social de las oscuras perversiones de la mente humana. Esa aproximación a un tema tabú en nuestra sociedad, conecta de alguna manera el film con Tras el Cristal (1986) de Agustí Villaronga.

Ahí es donde Mantícora es dura. El monstruo es humano. Lucha por no ser monstruo, quiere ser amado y necesita amar. El espectador se incomoda ante su imposibilidad por empatizar con el protagonista, cuando en el fondo entiende su sufrimiento. El film tensa la cuerda al máximo sin romperla, y consigue momentos muy incómodos, a la vez que verosímiles y coherentes con toda la trama.

La película plantea un molesto dilema moral al espectador (por qué condenar a alguien que no ha hecho nada malo en el mundo real) aprovechando la supuesta libertad que ofrece la realidad virtual. Pero más allá de posicionamientos morales, es un film honesto, notable y confirma (por si alguien tenía alguna duda) la filmografía de Carlos Vermut como una de las más estimulantes del cine español actual.

El Páramo practica el relato atmosférico, el terror cocido a fuego lento, pero no despega.

Ambientada en el siglo XIX, localización sombría con un diseño de producción muy cuidado. Una magnífica fotografía y brillantes interpretaciones (a destacar el niño Asier Flores). Con una paleta de colores muy marcada y un ritmo pausado, el film desprovecha un arranque prometedor, que va perdiendo interés conforme avanza la trama.

O le sobra metraje o le faltan ideas. El resultado es que se hace predecible, lenta y reiterativa, sobretodo en su tramo final.

Top Gun: Maverick da lo que promete. Es el paradigma del Blockbuster made in Hollywood: entertaiment palomitero.

Es interesante como Tom Cruise (productor y estrella absoluta del film) construye un film autoconsciente a partir del film original, jugando con sus mismos ingredientes (adrenalina+testosterona), incorporando la nostalgia (más de 3 décadas después) y consigue un producto que funciona como un trueno en su público objetivo.

No plantea alternativa o relevo (como otros revivals de films ochenteros: Indiana Jones, Star Wars), ni tiene ningún interés en actualizar una mirada de género (que sigue anclada en los ochenta). Utiliza inteligentemente todos sus recursos: aparición estelar de Val Kilmer, emulación del estilo visual que Tony Scott supo dotar al film inicial, utilización máxima de tecnología y ópticas del cine de acción que evita al máximo el CGI para ganar en espectacularidad. Su trama es totalmente accesoria, construida ad-hoc para potenciar la presencia de la super-star Tom Cruise y la adrenalina de las escenas de acción.

Interesante como el film ha conseguido conectar automáticamente con los fans del film original y cumplir sobradamente sus objetivos de blockbuster palomitero a nivel planetario, con ingredientes tan obvios, y (hay que reconocerlo) ejecución técnica impecable.

Bombshell es cine de consumo rápido. Elegimos un tema que está en la agenda mediática. Buscamos un director que no nos cueste una fortuna y nos haga una película con buen ritmo. Llenamos el póster con 3 actrices con solvencia en taquilla y un "villano" que maquillamos para que se parezca al personaje real (Y nos nominen al Oscar al mejor maquillaje). Se añade una buena promoción y Voila! tenemos un film no excesivamente caro que se coloca en el escaparate de los Oscars. Y el año que viene , ya veremos...

En realidad no es una mala película. El tono medio documental me parece acertado, aunque hay cosas inexplicables (era necesario romper la cuarta pared?). La actuaciones son correctas y el film se deja ver, más como vehículo de denuncia vinculado al #metoo que como obra cinematográfica destacable.

Vestida de Azul fue un documental pionero en España en tratar la transexualidad.

Su director, Antonio Giménez Rico, selecciono inteligentemente seis perfiles diferentes de transexuales de la escena madrileña. Él mismo reconoce que intentó encontrar algún caso que no se dedicara a la prostitución y no encontró a nadie (lo cual ya es muy significativo del estado del colectivo).

La fuerza del film es su verdad. El director concentra a sus seis personajes en el Palacio de Cristal de Madrid, y las deja que hablen, sin guion previo. Eva, Renée, Loren, Josette, Tamara y Nacha nos muestran con una apabullante humanidad y naturalidad como es su vida en términos de exclusión social (Sin asistencia sanitaria, sin DNI que cuadre con su género, sin poder acceder a trabajos convencionales, perseguidas por las Leyes de Vagos y Maleantes). Giménez Rico desgrana con una mirada muy limpia, sin ridiculizar ni buscar el morbo, situaciones de su cotidianidad: la mili, sus actuaciones en los cabarettes (más cerca del freakshow), sus clientes de clase alta, sus bodas o relaciones con mujeres, su situación social por pertenecer a colectivos doblemente marginados (gitanas, edad madura).

El film transgresor en su momento, programó en el Festival de San Sebastián, y en el Festival de Chicago de 1983. Se estrenó en salas comerciales, con 250.000 espectadores. Y durante mucho tiempo estuvo sin distribución, ni posibilidad de visionado en formato digital. Un film de culto, maldito en toda regla. Imprescindible para entender la lucha del colectivo (y de cualquier minoría discriminada) en la sociedad española, supuestamente democrática, pero con grandes problemas de tolerancia en cuanto a diversidades psico-afectivas.

Imprescindible, irrepetible, honesto, lúcido.