El visionado de esta cinta hará que sonrías o sencillamente rías a carcajada limpia con las extravagantes idas y venidas, ocurrencias y acciones de una familia singular, la del propio director del film Gustavo Salmerón, que pone en el foco de esta comedia-documento a su madre, una octogenaria Julia Salmerón que tiene el don de ¡caer en gracia’! y de sintonizar con la cámara con desparpajo, de manera natural. Lo que para sí quisieran muchas actrices.

La película viene a narra plan seguimiento (Gustavo Salmerón lleva 14 años grabando a su madre y lo que le ocurre a su padre y a sus cinco hermanos), el recorrido de una familia matriarcal al mando de Julita, una madre que ha ido cumpliendo sus sueños de tener una familia numerosa con seis hijos, con el tiempo un mono que resultó ser peligroso y que ha llegado a ser propietaria de su ansiado castillo, merced a una herencia que vino como llovida para una familia de clase media que tenía que hacer números para salir adelante. Pero tras la crisis económica en 2007, la familia se va quedando sin dinero para sostener el majestuoso inmueble, lo cual obliga a tomar la iniciativa de parte de la familia al conjunto de desalojar el castillazo, evitando que la familia no se hunda.

El director Gustavo Salmerón ha tenido una brillante idea que se ha hecho viral en cines y festivales, habiendo conseguido la fama contando de boca de su madre los avatares de una familia más que estrambótica, con muchos tics surrealistas y berlanguianos que ameniza los 90 minutos de rodaje-montaje en un torbellino de vida, emociones y diálogos aparentemente improvisados que mantiene al espectador pegado a su butaca.

El guion del mismo Salmerón junto a Raúl de Torres y Beatriz Montáñez no puede ser más redondo dentro de su cuadratura, o al revés. La cosa es nada sobra ni falta, todo encaja en un también excelente montaje que incluye una parte de filmaciones antiguas de la familia, cuando los hijos eran niños y los padres jóvenes. Magnífica la música de Nacho Mastretta y la inclusión final de Alberto Cortez y su canción “Castillos en el aire”. Buena la fotografía de Gustavo Salmerón y todo está rodado a la primera, sin repeticiones.

El reparto es el propio director Gustavo Salmerón junto a su súper madre Julia Salmerón que resulta un personaje insólito, entrañable, surrealista y gracioso; todo lo cual ha sabido sacar de ella su hijo Gustavo quien, por cierto, también produce el film.

Así es este documental, comedia o como se quiera llamar, una obra con un dislate tras otro que, empero encierra un poso de tristeza, que también muestra contradicciones y quiere combinar la parte luminosa con la más oscura de una Julia, mujer insatisfecha y a la vez disfrutona.

Creo que la clave principal de éxito de este film es su sinceridad, su limpieza y su encanto y por supuesto su tratamiento de comedia disparatada y absurda, todo ello junto a la capacidad escénica de Julia, amén de la habilidad de su hijo para extraer lo mejor de ella. Una película para verla, yo la recomiendo.

Esta es una cinta anti muchas cosas. Anti-hoy, época nuestra de desatino, falta de educación, grandes dificultades para encontrar una pasión absorbente en la vida o problemas para reflexionar. Así y contrariamente, el protagonista del film, Forrest Tucker, ladrón de bancos, es un hombre pulcro, correcto, apasionado por robar y evadirse de la cárcel cuando lo pescan. O sea, es educado, es vocacional y es juicioso. Además, hay igualmente otro aspecto en la peli que choca con el mundo actual donde los viejos ni roban ni nada de nada, porque no cuentan, no existen, son ‘invisibles’ socialmente. Aquí es todo lo contrario, Tucker y amigos viejetes forman la llamada ‘banda de los carrozas’, fichados y perseguidos, aunque sea por la justicia, pero hay alguien que los tiene en consideración. Nuestro personaje sabe de dónde viene y a dónde quiere ir. Es el la glorificación de lo más criminal pero que, al ser Forrest tan cordial y desinteresado, está por encima del asesino cruel, que no lo es.

Y es curioso porque no hace mucho tuve oportunidad de ver fuera de España, en Argentina concretamente, el film “Te Mule” (2018), aún no estrenada en España, donde un Eastwood de ochenta y muchos interpreta un rol igualmente verídico, de un anciano pintoresco que se vio obligado a realizar un trabajo fuera de la Ley, acosado como estaba por los Bancos y sin remuneración para subsistir y todo eso. Parece que a los viejos de Hollywood les ha gustado esto de la ‘sociopatía’, pero una antisocialidad entrañable y digerible.

El director David Lowery, con un guión suyo, adaptación de un artículo del periodista David Grann sobre la historia del impenitente ladrón de Bancos Forrest Tucker, consigue tejer una historia agradable, inteligente, delicada y simpática, con momentos sin duda exagerados y conjugando otros instantes de romance con el sabor agridulce de las cosas de la vida. Así es el planteamiento de cinta sobre incansable y gentil atracador que nunca hirió a nadie, y que incluso encuentra un amor otoñal con una mujer interpretada con solvencia por Sissy Spacek.

El reparto y la película están obviamente sostenidos por un Robert Redford que es ya un icono, uno de los actores más solventes de la historia del cine norteamericano junto. Redford, rostro surcado por el tiempo, broncíneo, limpio en su mirada azul, con aspecto de hombre sabio, se despide a lo grande, sin aspavientos, haciendo lo difícil fácil. Junto a él una Sissy Spacek con quien protagoniza escenas románticas muy bellas e intensas. Y entre tanto poderío no hay que olvidar la meritoria interpretación de Casey Affleck como el policía obsesionado e incluso encariñado con el asaltante ‘carroza’.

La película es Robert Redford, no sólo actor o cineasta en su más amplia expresión de director, productor, etc., sino que él mismo es el elemento sustancial que da sentido cabal al relato. Lo queramos o no, muchos hemos ido a ver esta película por ser el adiós de un actor para la eternidad, un actor que ha interpretado y dirigido grandes películas y que, ese es el quid de los grandes, tiene sintonía con la cámara y llena pantalla.

La cinta, a pesar de su tintura nostálgica, los adioses y todo eso, no renuncia al sentido del humor, que es un recurso muy importante de este testamento cinematográfico.

También creo ajustado decir que esta obra destila el aroma del cine independiente, del que Redford fue un gran defensor y todo un emblema para directores de este corte a través del Sundance Film Institute, el organismo creado en los años ochenta para apoyar a nuevos directores. No sólo la película desprende esa esencia, sino que debe servir de ocasión para felicitar y felicitarnos por este actor que a lo largo de su vida, lejos de adormecerse en su fama y su esplendor, no dejó de trabajar por y para el Séptimo Arte.

En resolución, la película cumple a modo de perfecto broche final de la carrera de Redford. Lowery no sólo volvió a ver las películas más emblemáticas del actor antes de rodar esta, sino que llega a incluir imágenes de archivo de otras películas suyas para recrear los atracos del viejo Redford, escenas de títulos como “La jauría humana” entre otros.

Bye viejo amigo. Esperamos los aficionados al cine que este cortarte la coleta, haya sido una ocurrencia que tiene margen para ser corregida, para que te volvamos a ver de nuevo.

La historia que cuenta el film fue real y se refiere a Eugène-François Vidocq (1775-1857), quien tras haber sido uno de los delincuentes más buscados de Francia, eterno fugado de presidios, se convirtió en el primer director de la Sûreté Nationale y un investigador cimero. Vidocq fue un personaje de leyenda, mencionado en su momento por Victor Hugo, Honoré de Balzac o Edgar Allan Poe, entre otros. Su trayectoria como investigador fue pionera en formas y técnicas modernas, convirtiéndose en un precursor de los métodos forenses en la investigación de casos criminales en el país galo.

El defecto de la obra consiste en que Richet consigue una mezcla de policial y cine violento, quitando al personaje su carácter icónico y excepcional. Es decir, el perfil de Vidocq carece en el film de la singularidad que requiere tan ilustre personaje, deviniendo hombre de acción como tantos que en el cine hay, como muchos héroes de la cinematografía americana, sobre todo.

Pero la película y la misma figura del histórico Vidocq, tiene momentos que resultan fascinantes (como cuando se introduce desafiante él solo en la celda de los delincuentes que ha apresado), lo cual es debido en gran medida a la magistral interpretación que del personaje hace Vincent Cassel, un grande de la pantalla, aunque en ocasiones haya errado al escoger papeles a su medida. Y de entre los diversos actores que participan en la cinta dotándola de enjundia, está también Fabrice Luchini, que interpreta al Ministro de la policía Joseph Fouché.

La película ofrece imágenes, tanto de los irrespirables y mugrientos bajos fondos parisinos, como de los distinguidos salones y despachos de palacio, lo cual sirve de encuadre a esta especie de folletín de aventuras que incluso se atreve con ciertas reflexiones políticas no siempre atinadas.

Tiene una fotografía interesante de Manuel Dacosse, apagada y oscura, propia de los ambientes criminales que recoge. Richet hace un trabajo hiperrealista de las escenas violentas que abundan en estallidos de pólvora y sangre, e inimaginables luchas de sable que nunca antes vi en el cine, con harakiri doble incluido. Es vistosa la perspectiva del París napoleónico, que pretende ir acompañada de una historia épica que no acaba de lucir lo que debiera. La banda sonora de Marco Beltrami y Marcus Trumpp es distinguida y hace a la estética de la obra.

La resultante es un metraje que descuella como obra entretenida que tiene su interés como film de acción. Ya estamos un poco hartos de la gran cantidad de producciones francesas tipo comedias remake de originales americanos o sencillamente insoportables (no todas, claro). Por ello, bienvenida esta cinta sobre el histórico y memorable personaje Eugène-François Vidocq, con mucha emoción, violencia bien rodada y agradable de ver.

Genial película dirigida y escrita por el celebérrimo Aki Kaurismäki, una película que habría podido ser muda, de no ser que tal vez nos habría privado de sus canciones (tangos, mambo, pop finlandés), y de su otra banda sonora que nos llega a través de la radio.

Hace hincapié en una representación normalizada y sin drama del sufrimiento, casos de alcoholismo, de escasez, de tragedia y de pobreza. Todos, clase trabajadora muy mal tratada y en condiciones que bordean lo intolerable.

Los personajes de Kaurismaki pasean por la pantalla casi a rastras, como un perro dócil y cariñoso, también desvalido. No hay queja, no se dejan atribular por las circunstancias, tampoco hay arrogancia ni afectación. Personajes tan conscientes de su dolor, que llegan a emocionar.

Ansa (Pöysti) (Ansa significa “trampa” en finlandés), encarnada por Alma Pöysti, es una mujer soltera y vive en Helsinki trabajando, con un contrato abusivo, en un supermercado, reponiendo mercancía de los estantes, con un trabajo precario que roza lo vergonzoso. Una noche, se encuentra con el también solitario trabajador Holappa (Vetanen), un hombre adicto al alcohol, que vive también en el límite de lo decoroso y en la mera supervivencia..

Dos personajes que llevan a cuestas toda su verdad, su aislamiento y su soledad, con sus conflictos laborales, con empleos duros y mal pagados, en empresas abusivas con patronos rigurosos y tiranos. Cuando los vemos en la pantalla con su rutinario y alienante día a día, parecen seres de ficción, aunque una ficción muy real que sobrellevan con paciencia cenobítica.

A modo de lenitivo para estos trabajadores, aparece el amor, cupido que ayuda a que no caigan los brazos, incluso cuando el destino juega muy en desfavor. El filme es en cierto modo una parábola sobre el amor como salvación, como colchón que amortigua la brutalidad de jefes sin escrúpulos. El amor que da fuerza y sana, caminos hacia el consuelo, la esperanza y la luz de la mano de Kaurismäki.

El día que se conocen, ambos, el uno al lado del otro pero sin mínimo roce ni insinuación, van a ver una película de zombis (que por cierto la hizo Jarmusch) y entonces imaginan la idea de seguir igual, o sea, mal, pero con un perro y juntos. Contra todo pronóstico y tras muchos malentendidos, consiguen construir una relación y como resultado, Holappa logrará controlar su alcoholismo.

Esta obra es el vigésimo largometraje de Kaurismäki. Constituye el cierre de su llamada «serie proletaria» (enfocada en la cotidianidad de la clase obrera), que comenzó con “Sombras del paraíso” (1986); “Ariel” (1988) y “La chica de la fábrica de cerillas” (1990). Esta serie fue diseñada originalmente como una trilogía y el título de esta entrega (nueva y deliciosa comedia bañada en vodka), es la cuarta pata del banco.

Fallen leaves («Hojas caídas»), hace referencia a la canción francesa Les feuilles mortes, homenaje a la Nouvelle Vague: https://www.youtube.com/watch?v=zGoWW2GkW78

La película es casi silente, de puro gesto, mínima en su conjunto, poética al máximo y social, muy social. Según el director finés, el amor verdadero asoma tras las acciones y los gestos minimalistas. Miradas como notas de música, el andar pausado y casi etéreo de la pareja protagonista, sus anhelos apuntados en algún mohín imperceptible, una historia de amor que asoma apenas cuando van al cine, cuando visionan una película de zombis (ojo al detalle).

Además, sorprende ver a unos personajes y a unos paisajes urbanos pauperizados, justo en uno de los países con más calidad de vida del mundo. Parece que Kaurismäki prefiere fijarse y detenerse de nuevo en los desclasados, en las «hojas caídas» del título, en las almas solitarias, hombres y mujeres que viven en los márgenes.

Un alcohólico en paro casi permanentemente, una empleada de supermercado acusada cruelmente de haberse llevado un alimento caducado que iba a descartar la tienda, mujer que acaba trabajando en una fábrica. De cómo ambos personajes se enamoran en un modesto karaoke con algunas bellas canciones que sintonizan plenamente con el hilo de la trama.

La poética de Kaurismäki continúa fiel al laconismo, a la concisión verbal, a la expresividad cromática, a los encuadres fijos, a veces primeros planos sugerentes, a un sobrio sentido del humor, y a una construcción de personajes sintética a la vez que plena de emotividad.

Historia de amor constantemente atravesada por noticias de la guerra de Ucrania, emitidos lo noticiarios por aparatos de radio muy antiguos y mobiliario vetusto (parece que Kaurismäki quiere dejar testimonio de que las tropas de Putin están muy cerca de su país). Y a pesar de este panorama de objetos viejos, noticias horribles y parquedad, está la impresión de que esa repetición que vemos en la pantalla es hermosa.

El reparto es muy al estilo kaurismaquiano. Alma Pöysti encarna más que mejor a Alma, muchacha contenida que busca el amor, manteniendo abierto el corazón, pero no a cualquier precio; Jussi Vetanen es Holappa, y parece que lo fuera de verdad, en forma auténtica, de tan creíble como nuestro actor sabe encarnar a un personaje beodo y simple, que camina con un aire de desgastado desapego.

Sensacional el habitual director de fotografía, Timo Salminen y el diseñador de producción Ville Grönroos, con quienes Kaurismäki nos brinda una puesta en escena deslumbrante. Como el cuarto donde se cambian de ropa las chicas del supermercado, en el cual vemos el contraste entre el verde y el rojo de las taquillas y los abrigos de las trabajadoras.

Hermosa película, entretenida a pesar de su tempo tranquilo, divertida más allá de penalidades y con una duración óptima en estos tiempos de excesos: 80 minutos, duración que acierta a concentrar emoción, risa, miradas tiernas, sutiles, tragos de vodka y una singular fiesta del karaoke.

Publicada en revista de cine ENCADENADOS: https://encadenados.org/criticas/fallen-leaves-3/

Maravillosa película, premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, cuenta la historia de dos niños de 13 años: Léo (Eden Dambrine) y Rémi (Gustav De Waele). Ambos amigos de siempre, sueñan un mundo a sus pies, siempre juntos, inseparables, atentos el uno al otro; Léo admira el talento musical de Rémi que toca el oboe. Siempre ambos cerca (“close”) en un paraíso del que acabarán siendo expulsados.

La entrada en el Instituto desvelará su unión cara a los compañeros, hasta convertirse en víctimas de bullyng; algo rompe su inocencia. Hay rumores que Rémi desoye, pero que a Léo no le gustan nada y los comentarios crueles le hacen estar enojado, asustado y humillado; como consecuencia decide comenzar a alejarse de su amigo y relacionarse con nuevos compañeros. Pero a la larga acaba provocando un suceso que cambiará para siempre su vida.

Para Rémi, la repentina decisión de Léo de romper con él tiene el mismo efecto que si su madre lo rechazara o que el sol ya no volviera salir por la mañana. Es una ruptura indescriptiblemente triste, y Rémi no tiene capacidad mental ni emocional para explicarse a sí mismo tanto dolor.

La historia de una separación dolorosa: la edad de la confusión, de la inseguridad y del desconcierto sexual y personal. Quizá ese pudor de saberse observados como “pareja”, su desconocimiento de las esfera sexual. Hasta que aflora la tragedia.

Lukas Dohnt construye un mundo reconocible y transparente. Entonces, la pantalla, a modo de espejo, hace que se vea con claridad, que lo que está sucediendo está en los ojos y en la memoria del espectador. La agonía que presenciamos es la nuestra, la fragilidad es la de todos.

Gran dirección de Dhont y magnífico guion de este junto a Angelo Tijssens que recoge los innumerables detalles de la historia. Dos niños cuya intensa amistad preadolescente, en el inicio de un tránsito siempre difícil, genera los previsibles equívocos entre sus compañeros del colegio.

Filme que radiografía el vacío perfecto de una amistad-amor (¿hay algo más frágil?) que se quiebra (“yo lo rechacé”). Película que además de visionarse se vive, con la respiración contenida y cierto sentimiento agónico de unas vidas en la cuerda floja.

Gran dirección de los niños Eden Dambrine, con una interpretación muy rica en la expresión de sentimientos, entre miradas, gestos, poses y culpas; y la sensibilidad de Gustav De Waele; no pueden estar mejor, precisos y sintónicos con el espectador, y con química entre ellos. Muy bien Émile Dequenne como la madre de Léo y Léa Drucker, como Nathalie, madre de Rémi, entre otros.

Dhont atrapa las tensiones de esa edad y explora la complicada línea que separa la intensa amistad adolescente de la homosexualidad. Cuando se concreta la tragedia, Dhont nos describe el proceso del duelo. En primer término la necesidad de asumir la pérdida, después es preciso reconciliarse con el entorno abandonado.

Finalmente, Léo se acerca a Sophie (Dequenne) para tratar de entender y progresivamente, hace una catarsis que le permita despojarse de la culpa, agarrándose a esa tabla de salvación, la única luz puede alumbrar su aciago camino, el único bote salvavidas emocional al que Rémi puede agarrarse.

Todo funciona con gran intensidad emocional y unas imágenes muy bellas que transmiten el dolor.