11 o 13 personas destrozadas, hundidas, machacadas y perdidas, sacan fuerzas de donde no las tienen para, en un minuto muy avanzado del metraje, cantar "Wise Up", de Aimee Mann. Magnolia no es un musical. Lo que cantan viene a decir que o espabilan... o abandonen. Y es que casi la totalidad de los personajes de esta magnífica, brillante película coral parecen estar necesitados de un urgente cambio de rumbo. Tenemos a la yonkie que guarda un secreto; tenemos el ex niño prodigio que tiene mucho amor que dar (enorme William H. Macy como el fracasado Donnie Smith), tenemos al moribundo que sufre de dolor; tenemos al predicador que presume de su misoginia.

Cada uno de ellos tiene excasas horas del día (las 3 horas que dura la película recogen aproximadamente 3 horas de sus vidas) para contarnos por qué están tan jodidos y para pensar qué hacer. Las "predicciones" meteorológicas que abren cada capítulo de la película parece anticiparnos lo que vendrá a continuación; pero no habrá "predicción" más certera que la bíblica para cerrar un capítulo donde parece que todos los personajes buscan el perdón.

Magnolia habla de eso: del perdón. Y también de la pérdida de la inocencia; de la soledad enorme; del dolor; de la ausencia de amor, del amor correspondido y del amor tardío; habla de los "putos remordimientos"; habla (y sé que es decir mucho) de la vida misma.

La película es intensa, no se puede negar. No deja un solo minuto (de sus 188) para el relax (aunque sus fantásticos minutos iniciales, a modo de prólogo, parecen anticipar otro tono). Las historias que cuenta parecen rodar pendiente abajo sin control, pille al que pille en su camino. Y es ahí, en esos momentos de intensidad extrema, donde destaca una inmensa actriz, Julianne Moore, que no puede estar más perfecta interpretando a Linda Partridge, la última esposa de un anciano a punto de morir. Sus monólogos, escritos con sangre, son, en la boca, las manos, la cara y las lágrimas de la gran actriz, municiones que no dejan títere con cabeza.

Paul Thomas Anderson manifestó al estrenar la película (cuyo guión escribió en tan solo 2 semanas) que nunca podría hacer algo mejor que Magnolia. En ocasiones hay genios que saben que están rozando la brillantez más absoluta.

Aunque hace años vi Trainspotting y me gustó muchísimo, me he enfrentado al resto de las películas de D. Boyle desde la ignorancia y sin pretender gran cosa. Fue por eso por lo que me pudo sorprender La Playa; por lo que me entretuvo 28 días después; y por lo que me atrapó 127 horas.

Me enfrenté a Slumdog Millionaire del mismo modo, tras saber que era la triunfadora de los Oscar de su edición y tras varias recomendaciones. Y he de decir que, sin entusiasmarme, creo que tiene grandes cosas que destacar.

Por un lado el guión, que es pretendidamente enrevesado, e incluso surrealista, en muchos momentos, pero que sigue una estructura muy original, contando con un continuo flashback la historia de Jamal y Latika durante 3 momentos diferentes de su infancia/adolescencia en el Bombay más pobre.

Algo que siempre es de destacar en las películas de Boyle es su capacidad de sorprender con su cámara, sus colores, sus planos. Como si se tratase de la continuación de la famosa persecución que protagonizase Mark Renton y los suyos en Trainspotting, varias de las secuencias de Slumdog transcurren con una cámara en mano persiguiendo a los protagonistas mientras estos se escabullen por todo tipo de paisajes, exóticos y apasionantes a nuestros ojos occidentales. Son escenas rodadas con gran fuerza (a destacar el trabajo del Director de fotografía de sus últimos trabajos, Anthony Dod Mantle), e intercaladas con música potente, otro de los dones con los que ha sido tocado el director.

En resumen: una propuesta interesante, efectista y tramposilla a veces, pero nunca aburrida.

¿Y quién no es un soñador? Pues Isabel y Theo lo son. Son, además, dos hermanos cuya pasión por el cine, y por la reivindicación en la calle les une más de lo normal.

Soñadores es la historia de estos dos hermanos y un amigo ámericano al que también le gusta el cine y que, pronto, entrara en su juego.

Con una frescura que no parece propia de un director que lleva tantos años tras la cámara, Bertolucci retrata el parís del 68 en el que el sexo, el arte y la libertad eran conceptos esenciales. Para ello de sirve de una cinéfila trama y de unos actores entre los que destaca esa belleza llamada Eva Green, que sin pudor ni miedo, es capaz de "quedarse sin brazos" para continuar el juego.

Una película imprescindible

Me ha decepcionado de tal manera Only God Forgives que prefiero recordar sólo aquellas cosas que sí me han gustado y evitar hablar de las que no.

Winding Refn es un bestia. Un provocador. Un bicho raro. En resumen: un valiente. El cine tendría que estar más lleno de valientes. De directores que se arriesgan y no repiten su anterior película. Que quieren contar cosas nuevas. Que no les importa el qué dirán. Puede que Winding Refn haya patinado con Only God Forgives. Pero lo que es indudable es que estamos ante un gran director capaz de lanzarse sin red.

A falta de un actor masculino interesante (sí, Gosling, va por ti) la verdadera artista en OGF es esa especie de travesti ultramaquillado con extensiones rubias platino. Kristin Scott Thomas está enorme insultando a la la novia oriental de su hijo, o pidiendo clemencia. Está magnífica. (Parece mentira que una actriz como Scott Thomas no cuente con un premio Oscar. Siempre recordaré a Scott Thomas como K. de El Paciente Inglés. Como aquella, en esta ocasión tampoco será reconocida con tal mérito).

La música, nuevamente de Cliff Martinez, sin los éxitos no originales que hacen de Drive una gran banda sonora. Es intimista y nada molesta, composiciones muy originales que acompañan los momentos más dramáticos de la película.

Y por último, he de destacar el color de Only God Forgives. La película puede disfrutarse en mute a la perfección. Sus omnipresentes neones y el color rojo de éstos, de la sangre, del calor de Tailandia son preciosos. Da gusto ver películas que cuidan tanto su imagen. Lástima que la historia no acompañe.

La premisa, cuanto menos, era arriesgada: quién iba a pensar que pidiéndole a la gente (así, a lo loco, ¡¡¡a la gente!!!) que se grabara un día en concreto contando lo que le diera la gana, se iba a conseguir crear un retrato tan divertido, comprometido, y real de una sociedad, como la nuestra, en un momento concreto.

Es muy fácil utilizar adjetivos como “real”, “verídico” o “verdadero” para referirnos a una película de este tipo, pero lo que consigue Spain in a day es precisamente ser un documental ficcionado (en el buen sentido de la palabra) en la sala de montaje. Aquí es donde Coixet y su equipo demuestran tener un bagaje que en las últimas películas de la directora catalana brillaban por su ausencia. La película (o lo que es lo mismo, la unión de cientos de vídeos) es capaz de contar una historia sin perder el ritmo, gesta a la que ayuda, sin duda, la música de Alberto Iglesias que vuelve a ser protagonista absoluta acompañando la catarsis de imágenes y sentimientos que forman este abanico.

Me da la sensación de que Coixet lleva muchos años contando historias que no le interesan lo más mínimo. O dicho de otro modo, lleva años sin nada que contarnos. Pero con Spain in a day, la película que precisamente ella no ha rodado, pienso que aún tiene millones de cosas que contarnos.