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México México · Oaxaca
Críticas de Victor
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Críticas 105
Críticas ordenadas por fecha (desc.)
7
26 de febrero de 2013
7 de 9 usuarios han encontrado esta crítica útil
Desde los inicios del séptimo arte, el cine ha encontrado en el formato de historias entrecruzadas, una manera de hacer espectáculo y albergar más de una aventura en una sola historia. Claro que la técnica se fue haciendo cada vez más ambiciosa, pues Grand Hotel (1932),la primera película de esta naturaleza, apenas narraba 6 historias distintas y todas ocurrían en un mismo escenario (un glamuroso hotel de Berlín).

Con el paso del tiempo, empezaron a ver la luz diferentes directores que procuraron reinventar el género y hacerlo cada vez más ambicioso. Así fue como se hizo reconocido Robert Altman, quien se caracterizará por contar historias con gran multitud de personajes, cada uno de ellos cargando con una trama individual que era albergada por una historia principal, ejemplo de ello podría ser Vidas Cruzadas y Gosford Park. También podríamos poner como ejemplo a Magnolia de Paul Thomas Anderson, una historia en la que se narraba gran cantidad de tramas en las que los personajes guardaban cierta relación, pero en dónde a veces era fácil perderse ante la multitud de argumentos que Anderson nos presentaba.

Un referente del género, es sin duda la dupa "Iñarritu-Arriaga", pues el dúo mexicano realizó tres filmes que cumplían con este formato, siempre aumentando la complejidad de las tramas. Su primer filme fue Amores Perros, que narraba la historia de 3 personajes que vivían en la misma ciudad cuyo destino se veía enlazado a partir de un accidente automovilístico. Luego llegaría 21 Gramos, que contaba las historias con cierto desorden cronológico, para así concluir con Babel, filme que albergaba la historia de 4 personajes que vivían en diferentes partes del mundo, y que se presumía como la película más compleja del género, hasta ahora.
>Cloud Atlas ha desbancado dignamente a cualquier producción de este tipo, pues no sólo cuenta 6 historias diferentes que transcurren en tiempos y lugares distintos (la historia abarca desde el año 1800 hasta un futuro lejano), sino que lo hace brindando muy buenos resultados y convirtiéndose en la máxima exponente del género (lo siento por Babel).

Claro que tampoco podemos decir que sea una experiencia totalmente redonda, pues de entrada, la película deja algunos cabos sueltos y tiene uno que otro momento en los que la emoción se pierde y se llega a sentir la trama un tanto desordenada, pero haciendo a un lado esos detalles, me atrevería a decir que estamos hablando de unos de los filmes más infravalorados del pasado 2012.

Es cierto que ciertos blockbusters no muchas veces logran la aprobación de la crítica o llaman la atención de los Oscares, pero la mayor parte de la prensa especializada estuvo de acuerdo en que este era un filme que no defraudaba y que cumplía con las expectativas sembradas.

La película tiene tramas totalmente diferentes. pero que se ven unificadas por un discurso común que incluso me atrevería a decir, alcanza momentos filosóficos y que invitan a la reflexión. Se pueden apreciar distintas facetas de la naturaleza humana ubicada en diferentes contextos y en diferentes situaciones adversas, que ponen a prueba nuestra fe y condición como mortales. Hay que halagar también el hecho de que la película reúne a un increíble reparto y remarcar que cada uno de los actores, aparece interpretando diferentes personajes a lo largo de las seis historias ("nada complejo"), sin embargo en algunas historias cuentan con papeles principales y en otras, con meros papeles testimoniales.

Sigo en spoiler sin revelar nada
SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama. Ver todo
Victor
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5
17 de febrero de 2013
2 de 2 usuarios han encontrado esta crítica útil
veces pasa. Nos topamos con una que otra película que, a pesar de que sabemos que no son malas, sí podemos asegurar que se quedan cortas respecto a la temática o figura que retratan. Pues aquí tenemos a un título más que se suma a esta lista de ejemplos.

"Hitchock" no es para nada un mal filme. Es bastante un correcto, elegante y muy bien realizado biopic, sin embargo, que no termina de despegar en ningún momento ni de alcanzar las cotas que debió haber alcanzado a pesar del jugoso material con el que contaba para ser una obra maestra. Mas allá de la expectativa que pudiera generar un filme biográfico del gran maestro del suspense, la película sólo se puede definir como una experiencia interesante, pero que no va más allá de eso. Salimos de la sala de cine algo satisfechos (esto no aplica para paladares totalmente exigentes), más sin haber logrado que nos llevaramos algo del espíritu Hitchcokniano a nuestras casas.

Se comprende que es imposible narrar toda una vida en apenas unas cuantas horas de largometraje, por lo cual es acertado que hayan decidido enfocar la trama en el rodaje del exitosos filme "Psicosis", pero, la historia de la realización de una de las más reconocidas joyas del séptimo arte, merecía una película muchísimo más elaborada y no el retrato superficial que nos deja con una ligera (abismal para paladares exigentes) decepción al terminar de visualizar el filme.

El mayor problema de este largometraje es que, al tratar de hacerlo lo más fiel posible a la realidad, el filme parece más un documental que una película. Quizás en un documental sea efectivo mantenerse totalmente fiel a los hechos, pero en una película, es mejor hacer volar a la imaginación con tal de darle vida a lo que se narra. Otro error, es que centran más la atención en la relación que mantiene el aclamado director con su esposa que en la realización de "Psicosis", que si bien ambas tramas están relacionadas, el resultado hubiera quedado mejor de haber equilibrado ambas historias y no darle más peso a una que a la otra. Es más, me atrevo a decir que se enfocaron más en la trama incorrecta, pues los pocos momentos en los que la película llega a despertar el interés de la audiencia y cobra vida, es cuando se muestra el rodaje de las escenas más icónicas de dicho filme.

"Hitchcock" es, en resúmen, un regular largometraje con buena factura, dirección y estética. El guión es irregular aunque funciona, se le reprocha sus frialdad en algunos momentos, pero también se le reconoce buenos resultados en otros. Las actuaciones del elenco son bastante correctas, Scarlett Johansson, tiene una agradecida aparición en la que demuestra que es una actriz bastante correcta. Helen Mirren, por su parte, lleva a cabo una caracterización muy calculada y atinada, pero esa perfección le quita algo de emoción a su interpretación provocando que fuera ignorada en los Oscares, a pesar que la veterana actriz ya estaba saboreando la nominación (muchos reclamaran el hecho de que haya sido ignorada, pero para mí el que no haya sido nominada es bastante comprensible). Anthony Hopkins es el alma del filme, y si bien en algunas escenas tiene que sobreactuar para sobresalir en medio de tanto maquillaje, en otras él es quién logra dotar de emoción al filme con una sobresaliente interpretación.
Victor
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7
17 de febrero de 2013
2 de 3 usuarios han encontrado esta crítica útil
Eventualmente en los Oscares, no puede dejar de llamar la atención esa película "indie", o bien película de bajo presupuesto, que logra hacerle frente a grandes superproducciones en la contienda del Oscar. Hace 2 años, "Winter´s Bone" y "The Kids Are All Rigth", fueron las que destacaron en la lista de nominados, y ya hace 6 años, fue "Little Miss Sunshine" el filme indie que gozó del favor de la crítica y los medios especializados.

El gran mérito de estos pequeños filmes, es que con presupuestos mucho menores a los de los grandes estudios, logran contar historias mucho más cercanas a la realidad y que se valen de esa sencillez para compensar la falta de elaboradísimos efectos visuales y así, emocionar a la audiencia.

Este año, "Bestias del Sur Salvaje", es esa pequeña película que logró colarse en las narices de los académicos ( y con colarse me refiero a que nadie apostaba por que este largometraje llegara tan lejos) y contender por el premio a la mejor película del año, a pesar que fue completamente pasada por alto en los Golden Globes. No es para menos, este filme bien pudo haber sido elaborado con presupuestos altísimos, pero es esa sencillez del cine "indie" lo que lo hace destacar y volverse una de las experiencias más interesantes de esta contienda de premios. Esta historia, sencillamente, no hubiera funcionado en manos de grandes estudios. De hecho, ya varios medios especializados, la denominan como "el filme pobre que sedujo a los Oscares".

"Beasts of the Southern Wild" es el realismo mágico hecho cine. Para los que no sepan, el "realismo mágico" es una corriente presente en la pintura, pero más aún en la literatura latinoamericana. Este género se caracteriza por que sus tramas suceden en escenarios y contextos completamente reales, sin embargo, en estas historias tienen lugar hechos de índole fantástica, los cuales apenas asombran a los protagonistas a pesar de lo extraño de su naturaleza.
Este filme termina siendo como un pequeño cuento o una fábula, pues a cada fotograma que presenciamos, no podemos negar que la cinta tiene estilo propio y cierto encanto que sólo se hace presente en los cuentos de hadas. Se reconoce que la película inicia con muy buen ritmo, decayendo en algunos momentos, pero logrando que la experiencia sea agradable en la mayor parte del filme. Casi todo lo que vemos es insólito, la película es en gran parte un homenaje a la naturaleza y ésta, se termina volviendo el motor que le da fuerza a la historia.

A pesar de tener momentos en los que no puedes evitar entregarte a la excentricidad de la historia (lo que se narra no es para nada convencional respecto a lo que estamos acostumbrados en las salas de cine), es difícil llegarse a tomar en serio lo que se está presenciando en pantalla.

Hay momentos destacables, ejemplo de ello, son las escenas en que la heroína del filme comparte cámara con su padre. De haber sacado provecho a estos momentos, la experiencia de la película hubiera sido más completa y redonda, sin embargo, el director decide encerrarse en el surrealismo de la trama y en todo momento la película es una sucesión de escenas visualmente atractivas, pero que apenas logran hacernos cómplice de esta aventura.
A fin de cuentas, tenemos una película atrevida, innovadora, agradable, estéticamente muy bien lograda y que huyen en todo momento del cine convencional, incluso pareciendo retar al glamour Hollywoodenze en la honestidad de su mensaje. Desafortundamente, a la vez es bastante superficial en cuanto a despertar emociones en el espectador y por momentos la historia se queda bastante corta, sin hacer justicia a la filosofía que aborda en varios momentos.

Es de halagar la labor de Ben Zentlin, director del largometraje, que logra hacer que el surrealismo del filme funcione a la perfección (esto es todo un mérito ya que la película bien hubiera caído en la ridiculez en malas manos), además de dotar de ritmo a la narración. El director se saca de la manga una que otra escena memorable, a la vez que nos envuelve en ese entorno enlodado y pobre, haciendo que nos sintamos habitantes de "La Bañera" en uno que otro instante.
Victor
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8
8 de enero de 2013
1 de 1 usuarios han encontrado esta crítica útil
Después de que Disney invadiera el mercado adolescente con la mediocre “High School Musical” y la aún más insoportable “Camp Rock, FOX fue la cadena en dar el siguiente paso y estrenó una serie que si bien al momento de ser anunciada generó muchas dudas, al momento de estrenarse significó la nueva mina de oro de la prestigiosa cadena. Si aun no han adivinado de que programa hablamos, nos referimos a GLEE, show que bueno o malo, hay que reconocer que tiene estilo propio y es totalmente innovadora (atributo que sus mismos detractores le conceden).

Ese show creado por Ryan Murphy no sólo logró encandilar al público, sino que también obtuvo el visto bueno por parte de la crítica especializada, incluso llevándolo a ganar el Golden Globe por Mejor Serie-Comedia o Musical 2 años consecutivos (honor que únicamente pocas series como Sex and the City y Esposas Desesperadas han conseguido)
Claro que después de dos temporadas bastante buenas, la ilusión de haber encontrado la nueva sensación televisiva en GLEE se desvaneció en una tercera temporada que dejó bastante que desear y que provocó que los fanáticos de la serie les dieran la razón a aquellos críticos que la destrozaban constantemente.

Es ahí cuando la NBC, constante rival de la FOX, aprovechando el mayor momento de debilidad por el que atravesaba la serie de Murphy decide lanzar SMASH, propuesta que no solo logró hacerle sombra a GLEE por tener a Steven Spielberg como productor ejecutivo (aunque su mano no se nota para nada en ningún capítulo), sino porque se anunció que este show contaría con canciones originales, cosa que no sucedía en la serie de los chicos del coro muy a menudo.

Vaya que SMASH aterrizó en la parrilla televisiva haciendo ruido, aunque hay que aclarar que si bien obtuvo muy buenos niveles de audiencia, tampoco consiguió un altísimo número de espectadores como sí lo hizo GLEE en sus “días de gloria”: Sin embargo, a pesar de que es inevitable la comparación entre ambas series, es oportuno mencionar que lo único que comparten es el género musical, pues cada una va en busca de públicos diferentes.
El musical de por sí ya es un género que reúne a espectadores muy selectos. Así mientras GLEE va en busca de un público más juvenil, SMASH procura enganchar a una audiencia más generalizada, pero quizás un poco más adulta y seria que su aparente competidora.
Ahí es donde radica la principal diferencia entre ambos productos. Mientras que GLEE es más alocada y atrevida, siendo más arriesgada pero inaccesible para cierto tipo de público, SMASH es un tanto mas “elegante” y llevadora, ya que el humor es de lo más ligth y no tan negro o “mala leche” como en la serie de Murphy.

“SMASH” bebe del musical de Broadway, por lo cual se respira un aire “100%” teatral que hace la experiencia más agradable. La trama gira precisamente en torno a la creación de una obra musical de Marilyn Monroe, es como de temática de “cine dentro del cine”, solo que esta vez es un musical dentro de un musical.

Ese show creado por la irregular Theresa Rhebeck, ya no se puede denominar como innovador y no es ni de lejos la mejor comedia televisiva del año, pero es un show que funciona bastante bien porque le da el público lo que quiere. El formato de culebrón es trasladado al género musical, pues todas las historias de los personajes se cruzan de forma hasta cierto punto telenovelezca, pero dándole dinamismo a la trama principal.

Sin embargo, después de todo uno se da cuenta que a pesar de la pobreza de la historia, lo mejor de SMASH tiene lugar cuando es la misma obra teatral la que se vuelve la absoluta protagonista del show, pues a fin de cuentas los personajes son pura utilería para enriquecer la a veces poco creativa trama. Lo mejor tiene lugar en los últimos episodios, cuando podemos apreciar lo complicado que puede ser llevar un musical a los escenarios. En estos últimos capítulos el público disfrutará morbosamente del reto que significa para los personajes sacar adelante el show a pesar de lo destrozados emocionalmente que puedan estar por la situación personal que están viviendo. En fin, en la recta final somos testigos de los pleitos entre los guionistas y el director de la obra, entre el director y la productora, entre la productora y los actores y entre los actores y los guionistas, total un círculo vicioso que se disfruta aunque después de todo sea un culebrón aderezado con números musicales de gran calibre.

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Victor
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7
8 de enero de 2013
5 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Si por algo ha destacado este filme entre la crítica y el mismo público joven no ha sido precisamente por contar con una estrella teen como Emma Watson (aunque claro, esto bien puedo haber sido de ayuda), sino más bien por ofrecer un muy alejado guión de las típicas comedias adolescentes llenas de los mismos clichés y gags habituales del género.

En una temporada en que la cartelera es dominada por filmes cargados de ambición que pretenden llegar a las puertas del Oscar sí o sí, esta pequeña película se hace un merecido hueco para llegar a aquellos espectadores que no buscan precisamente un filme espectacular, sino uno que simplemente hable de la realidad.

Uno de los tantos aciertos de esta película es su sencillez, pues esta se convierte en un personaje más al envolvernos en ese ambiente cotidiano y lograr que todo lo que sucede en pantalla lo percibamos como algo real, de ahí que se logre una verdadera empatía con los personajes y los veamos como los típicos “adolescente perdidos pero guays” que suelen pasearse por estas producciones.

Algo que sin duda le da más puntos aún, es que no trata de ser graciosa, la mayoría del tiempo termina siendo simpática y cuando logra ser chistosa es porque la misma trama lo requiere o a partir de situaciones que se sienten naturales en la trama y para nada forzadas, que de entrada ya la alejan de cualquier comedia MTV o tipo “Proyecto X”.

“Las Ventajas De Ser Invisible” toca temas serios y si bien los trata de manera sutil a modo que la función no se torne en un completo drama, si los trata de forma bastante seria y madura como para que el filme tenga los suficientes momentos dramáticos para conmover al espectador y dejar en claro que la adolescencia algunos días pueden ser comedias salpicadas de drama y otros días un drama con tintes cómicos, tal y como esta película lo demuestra.
Se destaca la labor Stephen Chboski tras las cámaras y firmando el libreto de un guión que adapta de su propio libro, consiguiendo un pequeño filme que sin recibir el título de obra maestra, tiene más espíritu que la mayoría de las películas “teens” estrenadas este año (sí, eso incluye Twiligth). En cuanto al reparto, Emma Watson no puede evitar recordar a su Hermione en algunas secuencias, pero deja bien en claro que puede interpretar otros papeles con gran versatilidad sin necesariamente quedar a la sombra de aquella hechicera.

Por su parte Logan Lerman como el protagonista hace un trabajo muy correcto, aunque ciertamente resulta monótono en varios momentos. El mejor del reparto es la revelación Ezra Miller, que el año pasado logró ponernos de nervios en We Need To Talk About Kevin y que en esta ocasión logra cambiar de registro con resultados muy positivos y demostrando que tiene una interesante carrera por delante.

En fin, probablemente no sea un filme de Oscar, Silver Linnings Paybock es un filme igual de pequeño y está mejor logrado (además de que tiene muy buenas oportunidades para resultar nominada). De Moonrise Kingdoom podríamos decir lo mismo, aunque ciertamente este último es un filme pequeño pero con ciertas pretensiones que le podrían jugar en contra.
Lo que sí puedo asegurar es que a este filme le robaron la nominación al Golden Globe por Mejor Película- Comedia o Musical, ya que ni El Exótico Hotel Marigold (el aparente sleeper del año) ni El Pescador de Yemen se merecían más estar en esa lista de nominados que este carismático filme.
Victor
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