El Hôtel-Dieu (el hospital más antiguo de la capital parisina) alberga varias anécdotas e historias por contar.
Símbolo de la caridad y de la hospitalidad, su figura se inunda, a medida que transcurre el tiempo, de diversos personajes que deambulan por la sala de emergencias psiquiátricas buscando una ayuda a su desazón. Algunos son traídos de las calles por lo bomberos o policías, otros por sus vecinos o su familia. Todos ingresan y esperan una respuesta.
Una pequeña sala los hospeda y un médico los confiesa. Cada uno tiene una historia por contar. Secretos, tristezas o simples inquietudes afloran en sus pensamientos.
Sus conflictos y problemas son variados, todos están “alienados”, cada uno de ellos circulan por un sendero de melancolía, soledad y locura.
Algunos más, algunos menos, expresan sus sufrimientos, sus encuentros con la vida misma. Sus gestos, sus movimientos, el habla, sus miradas y su espíritu se abren hacia los ojos del espectador primerizo. Observamos a través de una imagen fotográfica tanto por su inmovilidad como por su encuadre las desidias de los demás.
La realidad se asoma, nos mira a lo ojos y nosotros la obviamos o tratamos de ocultar su imagen. Ella se impone con fuerza de manera pura y directa, ni guionada ni sobre actuada.
La locura se interpone entre nosotros y nos muestra su faceta, un reflejo de nosotros.

El paso entre la imagen fija y la imagen en movimiento constituye uno de los mestizajes más interesantes entre artes hermanas como el cine y la fotografía, esto lo ejecuta al pie de la letra en su dimensión cinematográfica el experimentado Raymond Depardon, cuya función se limita, en el buen sentido, a estar en el lugar y tiempo adecuado donde surgen los más inadvertidos pasajes de la cinta formulados por los propios protagonistas, los pacientes. Ellos son la esencia del film. Su verdad, la trama.

DEPARDON CONCIBE A TRAVÉS DE ESCENAS DE MAGNÍFICA SENCILLEZ REALISTA UNA OBRA SOBRE LO QUE FOUCAULT SENTENCIARÍA COMO LA IMAGEN DE LA LOCURA: “LO QUE APARECE EN SUS FORMAS VIOLENTAS, COMO LA EXPRESIÓN SALVAJE DE LOS DESEOS HUMANOS MÁS PRIMITIVOS”.

Comedia típicamente “made in France” por donde se la vea.
Incurriendo en un subgénero tan degustado por el cine galo como la comedia-dramática familiar.
Ejemplo de esto son las incursiones de: Olivier Assayas en “Las horas del verano” (2008), “Un cuento de navidad” de Arnaud Desplechin en 2008 y por último en el 2009 el film “Toda la culpa es de mi madre” de Cécile Telerman, entre otros.

Y es que los franceses se han adueñado de este tipo de subgénero exprimiéndolo hasta su última gota, convirtiéndolo ya en un “affaire” personal.
Su humor cálido y humanista, surca una arista de la comedia más edulcorada y a la vez bizarra que nos inculca un “savoir faire” único y entrañable.

Siguiendo este aspecto el film cumple con todos los tópicos, con la inclusión de personajes amenos y carismáticos. En cuyo ejercicio de la acción humorística van formulando y construyendo la identidad propia del film, siempre sobre la base de un guión que luce cada reglón de su impronta.

Por ahí su flaqueza reside en su convencionalidad siendo el oficio de los actores el salvavidas de un cine popular, sin sorpresas, inmovilista, ni bueno ni malo.

SIN EMBARGO, ESTA RICA Y APLICADA PELÍCULA CUMPLE CON TODOS LOS REQUISITOS PARA LOS CINÉFILOS ADICTOS A LA COMEDIA FRANCESA CLÁSICA.

El 27 de enero de 1918 gracias al desequilibrio mundial generado por la revolución rusa se produce la guerra civil finlandesa, cuya duración de 4 meses (y más de 30.000 muertos) tendrá como protagonistas a dos bandos: los “rojos” (socialdemócratas) y los “blancos” (conservadores).

He aquí, en este marco donde se involucrará la protagonista del film.
Miina (Pihla Viitala) jefe del escuadrón de los “rojos” lucha por escapar del acecho del ejército “blanco” siendo tomada como prisionera. En este clima de pesadilla surge Aaro (Samuli Vauramo), uno de los oficiales enemigos quien la captura, queriéndola trasladar para ser juzgada en una corte marcial.
Ambos entablarán una relación particular, en la que el juez del caso (Eero Aho) jugará un papel no menor.

Con un interesante panorama donde naufragar, este film finés de una belleza sublime destila a su alrededor un ambiente melancólico y a la vez estático. Con una construcción pausada nos va adentrando a un relato que tiene como eje -además de su connotación bélica e histórica- los desencuentros sentimentales. Cambiantes, tanto en sus intérpretes como en su temática.

Pese a que en la mitad del metraje decaiga en su visionado. El principio prevalece junto al final de la cinta como los estandartes de una satisfacción asegurada tanto por su fértil visión del amor en la guerra como en su búsqueda de la sorpresa mientras avanza la historia.

LARGOMETRAJE COMPROMETIDO CON SUS CRIATURAS, INSÓLITAMENTE MADURO Y EJEMPLARMENTE ELEGANTE.
QUE NOS RECUERDA QUE HAY CINE FINLANDÉS MÁS ALLÁ DE LOS HERMANOS KAURISMAKI.

Film ejecutado por el ingenioso Fellini, en cuyo planteamiento tanto formal como informal nos abre la puerta a su mundo más personal y a su obra, de manera un tanto artificiosa.

El mediometraje dividido en 11 secuencias, es una mirada arqueológica y reflexiva sobre las curiosidades “fellinianas”: desde la exhibición de la escenografía (en exteriores) de su ansiado film nunca realizado (“Il viaggio di G. Mastorna”), pasando por una fantasiosa entrevista a Mastroianni en su lujosa mansión, también rescatando secuencias que fueron eliminadas de “Las noches de Cabiria”(1957) hasta llegar a divisar un casting realizado por el propio director compuesto por personajes de connotaciones surrealistas.

Con este documental (creado a partir de la propuesta del productor estadounidense Peter Golfard y la NBC) el cineasta se instala en la senda estética puesta de manifiesto en “8 y 1/2” (1963) y que conduciría a films posteriores, como “Roma” (1972) y “Ensayo de orquesta” (1979).

EL MAESTRO DEL SÉPTIMO ARTE NOS DEJA ESTA PERLA COMPUESTA POR UN CARRUSEL DE IMÁGENES Y SONIDOS, UNA EXPERIENCIA SENSORIAL SOBRE ESE MUNDO ÚNICO Y SURREAL QUE TANTO EXTRAÑAMOS.

Gilles Gabriel (Alain Chabat), ex famoso cantante de lo 80´, muere en un accidente automovilístico causado por Jean-Christian Ranu (Daniel Auteuil) que trabaja para la COGIP. Pero Gilles no ha muerto del todo, su espíritu se ha refugiado en la cabeza de Jean.

Esta es la idea que ha nacido del dúo francés conocidos en su país natal como Nicolas et Bruno, los cuales curtidos en la televisión (dirigieron la versión francesa de “The office”) y en la realización de videoclips y publicidades, han desembarcado por primera vez en la gran pantalla.

Su obra nonata tiene como mayor figura al increíble Daniel Auteuil quien en esta cinta nos demuestra su notable variedad de registros, donde los pone a prueba en esta satisfactoria comedia típicamente francesa, que incurre mediante toques de humor ingeniosos en diversas miradas sobre la soledad, el amor y la desesperación.

El film es un divertimento absoluto, que nos invita constantemente a la risa más instantánea.
Con una estructura narrativa sólida, y un guión bien construido, compuesto por una gran diversidad de los más hilarantes gags, nos desvela un mundo de curiosidades donde se intenta mostrar la insólita idea de la convivencia de dos personas en el cuerpo de una.

Una propuesta en la cual se desarrolla la trama en lugares y situaciones cotidianas que nos crea un marco perfecto donde adentrarnos, eso sí, rozando un poco lo arquetípico: los problemas en el trabajo, el amor imposible e absurdo, la soledad, la búsqueda de la fama perdida, etc.

ES UNA CLARA MUESTRA DE CINE-ESPECTÁCULO CON REGISTROS ESTÉTICOS PROPIOS DEL CINE FRANCÉS. UNA COMEDIA ATRACTIVA Y DINÁMICA CON UN AUTEUIL EN ESTADO DE GRACIA, RESPONSABLE EN GRAN MEDIDA DE LA LUCIDEZ DEL FILM.