Ganadora de la Competencia de Largometraje Nacional en el Festival de Valdivia de 2014, este documental de Nicolás Molina y Antonio Luco aborda una preocupante realidad ambiental prácticamente desconocida para la mayoría de los chilenos: lo que partió hace 70 años como un proyecto argentino para desarrollar una industria de pieles en Tierra del Fuego al traer castores desde Canadá, es hoy una verdadera plaga que está causando estragos en la Patagonia de nuestro país. A través del trabajo de Derek y Giorgia, una pareja de biólogos, esta película destaca por la pulcritud de su mirada, la belleza de las locaciones y especialmente el sugerente y atmosférico uso del sonido y la banda sonora.

Basado en hechos reales ocurridos una década antes en Estados Unidos, este drama se ambienta en Nueva Jersey y se centra en la lucha de una oficial de policía de impecable trayectoria, Laurel Hester, quien además de batallar contra un cáncer terminal debe lidiar contra los prejuicios y trabas sociales de las autoridades locales, cuando intenta asegurar que en caso de morir, su pensión pueda pasar a su pareja, por tratarse de una relación lésbica. En su cruzada personal pasará a convertirse en un símbolo de la batalla contra los prejuicios de la comunidad, partiendo por sus propios colegas.

El guión es responsabilidad de Ron Nyswaner, quien ya dio mucho que hablar hace más de dos décadas con su trabajo en una de las primeras películas de perfil comercial que abordó más masivamente la homosexualidad: la recordada "Philadelphia", de Jonathan Demme, por la cual Tom Hanks ganó su primer Oscar como mejor actor. En esa película no todo era perfecto, y aunque indudablemente tenía aciertos y conseguía emocionar, quizás confiaba bastante en sus buenas intenciones y lo valioso de su mensaje, cediendo en más de un aspecto a lo políticamente correcto, considerando los tiempos que corrían y lo difícil que era abordar esos temas en una producción de Hollywood. Hoy la realidad es otra, y por lo mismo los trazos gruesos o clichés en que cae "Free Love" ahora se notan mucho más, en especial en personajes como el caricaturesco líder gay encarnado por Steve Carell, quien en su ruidosa lucha por los derechos de las minorías sexuales parece salido de otra película y contrasta mucho con el tono del film y los matices interpretativos de los protagonistas.

En su tercer largometraje, el director Peter Sollett ("Nick & Norah's Infinite Playlist") desaprovecha en su puesta en escena la fuerza de la temática que aborda esta historia, optando por los subrayados innecesarios y las obviedades, en vez de las sutilezas que sí se esfuerzan en desarrollar sus tres actores principales, en especial la pareja protagónica, encarnada por Julianne Moore y Ellen Page: en sus sensibles interpretaciones se alcanza a percibir calidez y humanidad, lo que a pesar de todo permite hacer creíble, sincera y emotiva su relación y las vicisitudes que deben enfrentar como pareja, así como el complejo proceso de enamorarse por encima de los obstáculos. Pudo ser mucho mejor y convertirse en un hito en la adaptación fílmica de este tipo de historias, pero que a pesar de todo "Free Love" conmueva, igual tiene su mérito.

Habría que ser muy ingenuo como espectador para no entender que gran parte del revuelo mediático que tuvo en su momento esta película en Argentina y Chile se debió al escándalo sentimental que sus protagonistas -la argentina Eugenia "China" Suárez y el chileno Benjamín Vicuña- protagonizaron fuera de cámara durante el periodo de rodaje. También es difícil cuestionar no sólo el carisma y atractivo físico de ambos, sino además la innegable química que transmiten en pantalla, lo que ya de por sí explica también el enorme éxito que este segundo largometraje de la realizadora trasandina Daniela Goggi tuvo inicialmente en Argentina. Pero más allá de eso, y de que al menos el ritmo es fluido y el film dura poco, no hay mucho más: sin duda puede conmover a las almas que creen en el romanticismo de los lugares comunes, pero una estética publicitaria exacerbada por la música, un guión lleno de clichés y una historia y diálogos que más la asemejan a una convencional teleserie, no llevan a esta producción más allá de lo cursi y predecible.

En 2011, Sebastián Brahm estrenó su primer largometraje como realizador, "El circuito de Román", exhibido en festivales como Valdivia y Toronto y que causó una excelente impresión por la enigmática propuesta de su argumento y puesta en escena, atípica en el cine chileno. Brahm, quien también ha destacado como guionista, montajista e incluso actor -su protagonista en "Soy mucho mejor que voh" quizás era insoportable por su personalidad, pero a la vez lograba hacerse inolvidable y generar lazos con el espectador- estrenó cuatro años después su segunda película, que tuvo su premiere mundial en el Festival de San Sebastián.

"Vida sexual de las plantas" también aborda una historia que a pesar de sus elementos cotidianos y reconocibles en la vida real, no se ve a menudo en la cinematografía chilena. La protagonista es Bárbara, una joven profesional a la que parece irle excelente en todo: le gusta su trabajo como paisajista, hace deporte y actividades al aire libre, tiene una armónica relación con el abogado Guille, y sólo parece estar pendiente la maternidad. Pero cuando éste sufre un accidente que no tiene consecuencias graves pero sí lo deja con complejas secuelas, la relación inevitablemente comienza a experimentar fisuras, y Bárbara debe asumir decisiones, cambios y perspectivas que antes no habría considerado en otras circunstancias.

Demostrando capacidad de observación y sentido de los detalles, a nivel narrativo y de puesta en escena Brahm asume meritorios riesgos. Su exploración de un personaje femenino en un momento de decisión ahonda en las zonas grises y menos gratas, y es un acierto gracias a la sólida y sensible actuación protagónica de Francisca Lewin, muy bien secundada por Mario Horton en un personaje complejo e incluso ingrato; ambos asumen sus personajes con naturalidad y entrega, incluyendo las escenas de sexo, y los altibajos en su relación van quedando al descubierto no sólo en sus diálogos, sino además en las miradas, gestos y silencios.

Destaca también la mirada urbana y el paso de las estaciones que acentúa la fotografía de Benjamín Echazarreta y Sergio Armstrong, que contribuye a la atmósfera que desarrolla el film, en la que si bien de vez en cuando surgen esporádicos momentos de humor, paulatinamente va predominando un tono triste e incluso melancólico que también influye en el ritmo. Por sobre todo, "Vida sexual de las plantas" es valiosa como retrato de un doloroso e íntimo proceso de búsqueda que incluye aciertos, dudas y errores, y su enfoque en las relaciones humanas y los temas de pareja logra conmover y resonar en el espectador, algo que pocas películas chilenas consiguen de manera madura y convincente.

Si bien el género bélico cuenta con una contundente e ilustre tradición en la historia del cine, en las últimas dos décadas se ha visto en este ámbito un importante incremento de títulos, en particular en relación a la intervención occidental en los conflictos armados en Medio Oriente.

Estrenado mundialmente en el festival de Venecia y nominado al Oscar a la mejor película extranjera, en este tercer largometraje del director danés Tobias Lindholm la historia está abordada a partir de los soldados de Dinamarca que deben permanecer en la zona de conflicto, en este caso en territorio afgano, donde la amenaza de los talibanes es constante. El protagonista es el comandante Claus Pedersen, que debe intentar sobrevivir diariamente junto a sus hombres frente a una realidad hostil, mientras al mismo tiempo en su hogar en Dinamarca su esposa trata de mantener el orden cotidiano en su casa, incluyendo a sus tres hijos, uno de los cuales está resintiendo cada vez más la ausencia del progenitor, lo que afecta su comportamiento diario.

Es justamente al mostrar no sólo el día a día de las tropas en zona de combate, sino además las repercusiones domésticas de la distancia en sus países de origen, que "A War, la otra guerra" se siente humana y conmovedora, en especial cuando un incidente en el que Pedersen debe tomar una decisión que traerá consecuencias posteriores, termina modificando no sólo el rumbo del relato, sino además su ritmo y puesta en escena.

Seco, crudo y realista, el film refleja bien la tensión permanente del conflicto bélico y estremece sin recurrir a manipulaciones ni golpes bajos, a pesar de que más de una situación quizás se prestara para ello. Su acercamiento descarnado a los contrastes de la realidad en la guerra (como la alternancia entre el horror y la camaradería masculina) y el hogar, con un buen manejo de la tensión, se ve acentuado por las buenas interpretaciones de su elenco, por la sutileza de la banda sonora que sólo aparece en momentos puntuales y oportunos, por la capacidad de capturar la emoción contenida que tan habitualmente es difícil de transmitir en pantalla. Por todas esas razones, aunque en la segunda parte de su metraje "A War, la otra guerra" se vuelve más esquemática y convencional, de todos modos en su conjunto es un trabajo muy interesante, valorable y emotivo, además de permitir otro acercamiento al siempre activo y estimulante cine danés.