Dejando a un lado los evidentes paralelismos con el Apartheid, esta sorprendente película tiene múltiples lecturas. La que yo saco después de todo es una crítica deshumanizada a la globalización. Es muy bonito como nos pintan que vivamos todos juntos y en armonía pero el ser humano esta diseñado para que cuando haya algo diferente se le juzgue, se le explote y se le tire. En este caso no son los alienígenas los malos de la función y ese es uno de los puntos fuertes del guión elaborado a cuatro manos por el debutante Neill Blomkamp y Terri Tatchell. Aquí nos dicen que la globalización mal gestionada y administrada puede acabar en tragedia, y estoy deacuerdo. Las leyes autoritarias e impuestas no suelen funcionar y vemos como hay gente que no las entiende (en este caso los alienígenas, representando metafóricamente a un sector de la población, el más desfavorecido).El ser humano es así, cuando hay algo diferente se margina, se ataca y si no hay nada que se pueda sacar de él, se le tira (¿o acaso los negros de África estarían así de desaprovechados si no se les pudiera sacar algo de provecho?). La película tiene la inteligencia de representar a los 3 mundos y en cada mundo, estar representado por diferentes razas. Así, en el gueto del Distrito 9 los que manejan el cotarro son los negros, que son los únicos que no les importa mancharse de basura (porque ya están en ella, cabría decir después de ver las imágenes). Aquí son representados como caníbales y bestias, mucho más peligrosas que los propios extraterrestres. En un momento de la película, el protagonista dice “hay crías por todas partes”. Es un claro paralelismo con otra de las razas menos favorecidas de la sociedad que no paran de tener niños y poco más (no son negros ni chinos, ¿que otra raza desfavorecida queda?).

Es una genialidad construida a base de detalles. Desde detalles históricos como recrear (sin concesiones) la famosa foto del prisionero de Vietnam, hasta la mezcla de géneros. Mezcla de géneros (thriller, terror, ciencia ficción, bélico, acción, documental) hecha con maestría. Humor negro arriesgado. La primera media hora podría ser “The office” en la guerra. Después deja paso a momentos de una tensión y una adrenalina muy bien construidas. El protagonista, perfectamente interpretado por Sharlto Copley (clon de Drago, futbolista del Sevilla), esta llevado con una agilidad envidiable. Desde sus comienzos humorísticos hasta situaciones más embarazosas (por decir algo), seguimos al protagonista, non sentimos él (gracias a esos primeros y medios planos que enfatizan su estado) y deseamos que triunfe. Banda sonora muy bien utilizada, fotografía casi monocromática y unos efectos especiales de, según dicen, bajo presupuesto, que superan a los de los costosos Transformes o GI Joe.

Se despidió Kurosawa con esta película que parece un homenaje a Ozu. El tema, la forma de tratarlo y los personajes son propios del director de Buenos días. Esta película parece un reflejo de la realidad, ya que el tema es la relación del profesor con sus alumnos (siendo el profesor Kurosawa y nosotros los alumnos). Es una de las películas más bellas y cautivadoras del maestro japonés, cuidando cada detalle hasta la extenuación. La relación entre los alumnos y el profesor es digna de elogio, la forma en la que esta tratada, como si fuera un matrimonio. Sus alegrías, momentos de fiesta, momentos trágicos, etc. El conjunto de la película parece un poema hecho bajo los árboles viendo un atardecer de sol, porque es preciosa en su totalidad.

El respeto que todo el mundo tiene al profesor es un reflejo de la sociedad nipona de aquella época, que a pesar del momento histórico en el que se encontraban, sabían guardar las formas y admirar a quien tienen que hacerlo. El maestro, con su irónico sentido del humor, nos gana enseguida y le cogemos de la mano para que nos guíe por ese Japón deprimido de posguerra. En la filmografía de Kurosawa tiene obras épicas espectaculares y dramas íntimos y personales, y esta película que nos ocupa la podríamos agrupar en estas ultimas. Dicen que no es su mejor película pero ¿Cuál es su mejor y peor película? Ran, Los siete samuráis, Yojimbo, Sanjuro, etc. Filmografía espectacular.

Pero lo que sentí con Madadayo no lo sentí con ninguna de estas porque esta última tiene el toque especial que te hace el saber que estas ante tu última película. Cada año deberíamos juntarnos y celebrar el día de su nacimiento, como en la película, ya que si este señor no hubiera existido el cine nunca sería lo que es hoy en día. Ciñéndonos a la película, la relación entre el maestro y su mujer desprende ternura, desprende años de fidelidad, complicidad y sufrimiento conjunto. Una relación recreada de forma brillante con esos planos generales de ambos en el salón que parecen no decir mucho pero de repente una mirada de la mujer transforma el cuadro en una estampa conyugal de postal.

Hecha sin artificios y sin grandes manifestaciones de grandeza, la película alcanza su clímax en la reunión entre alumnos y profesor y en ese cántico que ha quedado para la historia, en el que la respuesta del profesor era Madadayo (todavía no). Perfecto resumen fílmico que hace justicia a la carrera del más grande director oriental y uno de los 3 grandes de toda la historia del cine.

Enésimo producto de mala calidad de Disney, una compañía que depende de Pixar hasta para ir al baño (si es que las compañías van al baño). Reflejo de lo que los niños quieren hoy día. Una niña o niño pijo adolescente que tenga problemas estúpidos y tontos y que sea muy “molón”. Todo esto con música molona, claro. simplemente quería dejar constancia de lo triste que es que la compañía que un día hizo El rey león, Blanca nieves y los siete enanitos o Cenicienta tenga que recurrir a estos niños prodigio para explotarlos y sacar lo peor de ellos mismos. Vamos, que Hannan Montana no me come la banana, como dice alguno en su crítica, pero que se puede ir a montar ponys con Zac Efron a Isla Perejil.

PD: ¿Por qué la caratula es tan odiosamente parecida a Miss Potter?

Jamás pensé que vería juntas las palabras "cine familiar" Y "Martin Scorsese" en una misma frase. Cualquier persona que haya seguido con un mínimo interés la carrera del director ítaloamericano se tuvo que haber quedado de piedra cuando se enteró de que el bueno de Marty realizaría una película para toda la familia basada en una novela infantil de gran éxito. Lógicamente, cada director sabe como quiere o puede llevar su carrera y la del genio director de Casino es cuanto menos gloriosa. Pero, ¿Qué ocurre cuando las ambiciones artísticas están supeditadas a las económicas y viceversa? ¿Por qué hizo Scorsese Shutter Island, The Aviator o The Departed? Son grandes películas pero con un perfil altamente comercial (echar un vistazo a los carteles de las tres, con el careto de Di Caprio como único y descarado reclamo publicitario) impidiendo así que su cine setentero le gane la batalla al de los años 2000. Es decir, es imposible volver a ver un Taxi Driver, Raging Bull o Mean Streets siguiendo la tónica general de su organizada carrera. Así es y será siempre el auténtico Martin Scorsese, el que salpicaba la pantalla con sangre, redención, catolicismo, gánsters, autodestrucción y dolor. No el conocido por la generación actual, visto casi como un llavero del (gran) Di Caprio. Aquellas películas significaron el despertar de una época junto con los Spielberg, Lucas, Coppola, De Palma, Penn, Cimino y, desafortunadamente, todos son subvencionados ahora por el ente al que criticaban (Hollywood), están arruinados o, en el caso de Cimino, tan desquiciado que se cambió de sexo.

A pesar de todo, Scorsese es la persona más indicada para dirigir Hugo, ya que se trata de una carta de amor al cine clásico, al de los orígenes, del que él siempre se ha declarado un apasionado admirador. De todos es sabida su generosa labor como rescatador de films que parecían perdidos y su innegable calidad como documentalista. De hecho, recurriendo a A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies o My Voyage to Italy, maravillosos documentales sobre sus referencias cinéfilas que le han influenciado no solo en su carrera como director sino como persona, uno se pregunta si no hubiera estado más cómodo desarrollando este proyecto como documental en lugar de film de ficción, puesto que en las escenas con Georges Méliès se percibe un tratamiento narrativo y visual diferente al del resto del metraje, disfrutando al máximo cada fotograma dedicado al mago y cineasta francés. En mi opinión, él (Méliès) y no Hugo debería haber sido el protagonista de la historia desde el principio, apostando así por un melodrama postrado hacia la inmensa figura del hoy muy olvidado cineasta galo. En cambio tenemos a Hugo, un niño huérfano al que siempre vemos a punto de embarcarse en una genial aventura (al menos eso reza el engañoso tráiler) sin que se llegue a producir nunca el anunciado carrusel de emociones.

Volvemos a maldecir a Altman por inventarse las historias cruzadas y maldecimos más todavía a todos aquellos que se aprovechan del tirón y la moda de estas historias. Un filme costumbrista, casi social pero inexplicablemente rodado con efectismos y falsificaciones emocionales. Todo sabe a falso en esta historia de barrio (ahora que Aida lleva unos años triunfando) donde los personajes deambulan de un lado para otro sin saber muy bien porque y para que.

En un intento de querer tener profundidad, de saber reflejar los sentimientos humanos de la gente de la calle, Corbacho y Cruz se pierden en la superficialidad que dan una música machacona muy mal utilizada, unos actores dirigidos pésimamente y una realización cuanto menos televisiva. No entiendo porque se empeñan en querer hacernos todo tan real cuando ellos mismos, con sus torpes maniobras, nos distancian de la historia hasta el extremo de que parezca un piloto de una serie cancelada.

Porque eso es lo que parece. Es la única forma de entender el porque del nulo desarrollo de personajes (algunos tan planos que dan entre risa y pena). A estos dos les han sonado las campanas del cine social y no saben donde. Parece que se toman más esfuerzo en que parezca una película “bonita” y “compasiva” que en que lo sea.

Esto es lo que pasa cuando le dan una cámara al cómico de turno (sin gracia) para “representar la realidad de lo que pasa en la calle”. Uno entra en desesperación a medida que pasan los minutos porque se pregunta, ¿Y esto ganó en el festival de Málaga?

No entiendo como se puede tener un reparto de tanta calidad y echarlo todo a perder. Ángel de Andrés, con lo pedazo de actor que es, repite su personaje de Manos a la obra. Rubén ochandiano parece anclado en personajes con sexualidad ambigua o simplemente con sexualidad como único elemento a destacar de su personalidad. La anciana de Cuéntame que no recuerdo como se llama, lo mismo que de Andrés, repite su personaje de Cuéntame. La única que sobresale del resto es Elvira Mínguez, que da una lección de cómo hay que tomarse un personaje como este. Con contención a pesar de estar destruida por dentro.

En resumen, otra película española que pierde la oportunidad de destacar entre el resto (lo cual no es muy difícil) por su autocomplacencia y su nulo sentido cinematográfico.

PD: Que alguien me explique la utilización de cameos de famosos (famosillos) como El follonero en momentos de máxima tensión dramatica. ¿No había otro momento más intrascendente en el que meter a tal personaje y a otros?