Personalmente después de ver V/H/S quede automáticamente enamorado de esa antología, pensé que sería imposible superarla. Un año más tarde llega su secuela V/H/S/2, tal vez no logra superar a su antecesora en todos los apartados, pero como mínimo la iguala en calidad. Sin duda se transforma en un film imprescindible para todo amante del género. Más sangrienta, más bestia, más desenfreno y mucha pero que mucha calidad tras la cámara.

Los punto de unión entre ambas VHS tienen nombre propio, Simon Barrett, el cual escribió el guion de dos segmentos de la primera, ahora es el encargado de dirigir el segmento que une al resto, "Tape 49". Por otra banda tenemos a Adam Wingard, que vuelve a repetir dirección como sucedió en la primera entrega. El resto de directores invitados a esta fiesta son: Jason Eisener (Hobo with a Shotgun), Gareth Evans (The Raid: Redemption), Timo Tjahjanto (Macabre) y por úiltimo Eduardo Sánchez y Gregg Hale (The Blair Witch Project).

Tape 49: El segmento que guía al resto, como paso en la anterior cinta, este segmento puede considerarse el más flojo ya que narrativamente se ve constantemente interrumpido, pero sin duda mejora inmensamente en todos los aspectos, sobretodo en tensión y efectos especiales, cosa que nos concede un cierre perfecto a esta antología. Esta dirigido por Simon Barrett, y nos cuenta como dos investigadores privados se infiltran en una casa para investigar la desaparición de un joven estudiante, una vez dentro no encuentran rastro de vida, pero sí que descubrirán una habitación con una serie de cintas vhs bastante curiosas...

Clinical Trials: El protagonista de este segmento se somete a un implante de ojo tras sufrir un accidente de coche, aunque su nuevo ojo tiene algo especial, lleva una cámara incorporada, la cual le permitirá ver seres que a simple vista el resto de mortales no podríamos ver. Eso más que un don se convertirá en una maldición para su portador. Adam Wingard nos regala el segmento con más tensión de toda la película, eso sí, abusando bastante del susto fácil, no es el mejor pero tampoco el peor. Lo podría definir como curioso, sobre todo por su genial cámara que sitúa la acción en los ojos del sufrido protagonista.

A Ride in the Park: Llega el turno a los responsables de la mítica La Bruja de Blair, Eduardo Sánchez y Gregg Hale son los encargados de dar la nota de humor al metraje con una historia de zombies/infectados muy macabra y divertida, pese a ser muy diferente al resto, personalmente es de los segmentos que más he disfrutado, destacar su maravilloso maquillaje y la cámara casco situada en.... ya lo veréis. El argumento, no hace falta decir mucho, zombies, un parque natural y muchas víctimas a las que morder.

Safe Heaven: Y ahora sí, llegamos al que para un servidor es el mejor segmento con diferencia, los encargados de esta joya son los directores Gareth Evans y Timo Tjahjanto. El nivel de bizarrismo en este segmento llega a niveles insospechados, la brutalidad del mismo crece exponencialmente según avanza el metraje. Vamos una locura muy muy disfrutable. Un grupo de reporteros está filmando un documental sobre una secta, pero cuando estos acceden a ser grabados desde el interior e invitan al equipo a desplazarse a grabar a su recinto la cosa se complicara de manera dramática.

Alien Abduction Slumber Party: Y como no podía ser de otra manera, el corto mas friki es para el director mas gamberro de los últimos años, Jason Eisener nos muestra el lado menos amable de los extraterrestres. Un grupo de amigos decide grabar bromas pesadas que se gastan entre ellos mismos. Entre broma y broma, pasando desapercibidos en un principio se colara algunos ruidos, siluetas o luces. Pero cuando la cosa vaya en aumento, lo que empieza siendo un fin de semana en el campo acaba por convertirse en una cacería intergaláctica. Atentos a la cámara instalada en el pobre perrito de los protagonistas, sublime.

V/H/S/2 es una película de visión obligada para todo amante del terror, pues estamos hablando sin duda de uno de los mejores títulos del año. El apartado técnico es impecable en todos los segmentos, la variedad de los mismos hace muy apetecible el conjunto y la calidad indudable de los directores que hay detrás del proyecto convierten a esto en algo totalmente RECOMENDABLE, no lo dudéis, si tenéis oportunidad lanzaros a por ella.

http://www.terrorweekend.com/2013/05/vhs2-review.html

 
En plena guerra civil el capitán Lozano se le cae encima una misión prácticamente suicida. Debe llevar unos documentos a otro destacamento pero para llegar hasta ellos debe cruzar toda la sierra, que es territorio enemigo. No tarda en ser capturado por el bando republicano pero ese no es el mayor de sus problemas, puesto que parecer ser que los muertos vuelven a la vida y tienen sed de sangre.
 
Un tema peliagudo el de Malnazidos, pues aunque hayan pasado tantos años desde aquel conflicto todavía quedan muchas heridas por cerrar y, como se suele decir, mejor no remover el avispero. Aún así la película logra salir adelante con varios trucos: uno sería la equidistancia a la hora de describir a los bandos, todos tienen personajes más valerosos y justos, y otros más reprobables, otro sería el pasar de puntillas acerca de la guerra y hablar más sobre cómo afecta al individuo, y tercera y por mucho la más importante es que se centra totalmente en la diversión, Malnazidos es una película muy ligera con toda la intención del mundo. Es una sorpresa que una película sobre una guerra política se hable tan poco sobre la política pero con la mano en el corazón, no se podría haber hecho de ninguna otra manera. Aún así si nos ponemos a hablar exclusivamente de su faceta de zomedia esta no es para nada, ni original ni demasiado imaginativa, no hay mucha cosa que no hayas visto en multitud de cintas del estilo, si no es que en todas, pero al apoyarse tanto en el carisma de sus personajes esta logra caer de pie.

Dirigen el veterano Javier Ruiz Caldera (Superlópez, Promoción Fantasma) y el debutante Alberto de Toro, adaptación de la novela de Manuel Martín Ferreras por Jaime Marqués y Cristian Conti. Hablar de Javier Ruiz Caldera es hablar de un director totalmente consagrado y capaz en películas de acción con un fuerte componente de comedia, y se reafirma con esta película. Malnazidos es una película con una producción más que decente y un paso adelante en películas con presupuesto para un público de nicho (pues es evidente que está enfocada a un público más habituado a las películas de zombies que a los dramas bélicos), otra cosa sería el interés que pueda tener esta cinta fuera de nuestras fronteras, pues el componente histórico es fundamental para la película.

Un nutrido grupo interpretativo de caras conocidas encabezados por Miki Esparbé, el cual el papel de joven encantador y granuja lo borda pero tal vez debería ir cambiando de rol, pues este lo hemos visto ya prácticamente en todas sus películas. Destaco a Luis Callejo, actor que me dejó totalmente alucinado en su pequeña aparición en Tarde para la Ira (Raul Arévalo, 2016) y que en esta pese a estar a medio gas se le nota que es un monstruo interpretativo. Por el contrario no me gustaron los personajes de Aura Garrido y María Botto, no por sus interpretaciones, que cumplen, sino porque son personajes muy mal escritos, una por falta de personalidad y carisma y la otra por ser un cliché con patas.

Malnazidos logra salir airosa, es una película como llamamos aquí “festivalera”, que se centra en la diversión y el desenfado. Si te gustan las de acción con zombies y tres chistes en cada escena probablemente te deje buen sabor de boca.

https://www.terrorweekend.com/2020/10/malnazidos-review.html

Que una película no aporte ninguna sorpresa, novedad o algo que la diferencie del resto de films de temática similar tiene su parte positiva y negativa. En el lado bueno, por así decirlo, está que el espectador ya sabe lo que va a ver. Por ejemplo, a los fans de la acción les fastidia bastante que se introduzcan elementos filosóficos, esotéricos o cualquier otra mandanga. En la parte no tan buena tenemos aquellos que siempre andan buscando alguna cosa de la que poder alardear o discutir con otro. Son los que, poniendo el ejemplo anterior, tras las hostias como panes buscan algún mensaje.

Alone es un survival, así de simple, con todo lo bueno y lo malo que eso conlleva. Me diréis “a mí me gustan los survivals”, maravilloso, te lo pasarás en grande ya que es una cinta perfecta, con una trama simple pero efectiva, una heroína dura de roer, un psicópata con algún chocante rasgo y unas localizaciones que quitan el hipo.

Jessica acaba de enviudar. Para huir de su pasado decide emprender un largo viaje por carretera a través de Oregon. Pronto se verá acosada en la misma ruta por un hombre con no muy buenas intenciones que la acabará secuestrando. A partir de aquí se produce la lucha por la supervivencia, en la cual cada uno luchará por sus objetivos.

John Hyams es un director que alterna el cine y la televisión ofreciéndonos esta vez una gozada visual ejecutada con decisión y mucha soltura. La envoltura y el fantástico ritmo con el que está rodada, hace que nos olvidemos de la falta de sorpresa, por llamarlo de alguna manera.

El guion, a cargo de Mattias Olsson (codirector y guionista de Gone, película sueca de la que Alone es remake) es algo lineal, en línea, valga la redundancia, con lo que estamos acostumbrados a ver en films de estas características. De todas maneras destacar que no chirría en ningún momento, es decir que no nos tenemos que tragar ningún sapo para llegar al final. Al contrario, tiene la exactitud de un reloj, sin omitir en ningún momento acción y mucho suspense, que hará que nos quedemos enganchados a la pantalla en toda su duración.

En el apartado técnico destacar la excelente fotografía a cargo de Federico Verardi, que tiene que lidiar entre unos exteriores de ensueño, y unos interiores algo escasos pero oscuros y tenebrosos. En ambas situaciones se mueve como pez en el agua, contribuyendo a que Alone alcance altas cotas de calidad.

El apartado interpretativo pronto lo tenemos resuelto. Encabeza el elenco una gran Jules Willcox en el papel de Jessica. Su físico se aparta un poco de las tradicionales sufridoras, pero por eso mismo la credibilidad que da a su personaje es para enmarcar. Le secunda como acosador, o como le queráis llamar, Marc Menchaca. Como tercero en discordia, aunque en un papel menor, nos encontramos con Anthony Heald (El Silencio de los Corderos).

Alone es una cinta que no defraudará nadie, primero porque su target está muy claro, y después porque a los despistados que la vean, seguro que también se lo pasan en grande.

https://www.terrorweekend.com/2020/11/alone-review.html

Recuerdo cómo me impactó la frase publicitaria de la primera Pesadilla en Elm Street: por primera vez una cámara filma el interior de una pesadilla. Pues esta frase podría aplicarse 100 % a Come True.

Desde hace tiempo, Sarah tiene severos problemas para dormir. Para intentar remediarlo, participará en un estudio enfocado a analizar estas dolencias y buscar soluciones, pero hay intereses ocultos tras el experimento y las pesadillas que moran en los sueños de Sarah son la clave que estaban buscando.

Extraño que con apenas unos meses de diferencia han surgido dos películas acerca de los problemas del sueño, Awoken de Daniel J. Phillips y Come True, pero su tratamiento es diametralmente opuesto: la primera es tramposa, llena de ruido y deja una sensación agridulce; por el contrario, aunque vaya por delante que no es perfecta, la película de Anthony Scott Burns está repleta de imágenes oníricas, golpes de guion y un ritmo interno que a más de uno irritará.

En su película anterior, Our House, Scott Burns ya mostraba algunas de sus constantes: pocos personajes, una historia pequeña, el uso de la tecnología para encontrar soluciones; en Come True, Anthony Scott Burns se convierte en un hombre del renacimiento y dirige, produce, escribe, monta, colabora en la música… Tal vez por ello Come True tiene una cualidad única, que para mí la emparenta con Phantasm de Don Coscarelli: el tono onírico, la fractura entre realidad y fantasía, unos personajes inexistentes pero necesarios, su estructura caótica – a veces caprichosa – donde lo que menos importa es la historia. En esta película no hay que intentar buscar lógica sino dejarse llevar porque encontraremos imágenes muy potentes, situaciones delirantes, todo aderezado por la música de Electric Youth y PIlotpriest que ayudan a potenciar todo ese elemento onírico.

El casting funciona bien para lo que realmente busca Scott Burns, apenas son cinco personajes – y solo tres de ellos tienen importancia – destacando el rostro sugerente y personal de Julia Sarah Stone, seguido por Landon Liborion y atención a la presencia hipnótica – sobre todo por esas gafas tan de los setenta – de Christopher Heaththerington como el Dr. Meyer, un personaje que parece salido de esas primeras películas de David Cronemberg.

He dejado para este párrafo los peros que le pongo a Come True, y más que peros son cuestiones personales, como la extrañeza que producen algunos momentos, el tiempo que se toma el director para mostrar las cartas, la inclusión de ese momento videoclip muy años ochenta que parece más un capricho de director que necesario para la historia, y sobre todo la irregularidad del conjunto porque hay grandes momentos y otros anodinos que no hacen avanzar la historia. Me reservo para cerrar este párrafo el giro final, un gran salto de fe que te hará entender mejor la película o, quien sabe, rechazarla de pleno.

Come True es una experiencia sensorial en toda regla, así que dale una oportunidad y déjate fluir con el sueño. Y cuando termine la película, a ver si piensas igual que yo: es así como debería ser un remake/reboot de A Nightmare On Elm Street… Desde aquí te lanzo el guante, Anthony Scott Burns.

https://www.terrorweekend.com/2020/09/come-true-review.html

A menudo, y con esto le doy el 100% de la culpa al cine, se idealiza una época y solo se ven sus encantos pasando por encima de todo tipo de situaciones desagradables propias de esos tiempos, e incluso le añadimos elementos románticos a estos. Un ejemplo, ¿cuántas veces hemos soñado con ser un caballero errante de brillante armadura en la época medieval? Pero obviamos las enfermedades, la total falta de higiene o la esperanza de vida alrededor de los 50 años. Esta película muestra pocas bondades de una época tan romantizada como es el western. Pensamos rápidamente en cabalgadas hacia la puesta de sol, divertidas peleas sin sentido en un salón o épicas batallas contra los indios. Pero en realidad era una tierra sin normas donde el más ruin y por tanto, el más rico se alzaba como líder, donde se hizo un total holocausto sobre los indígenas del lugar y, en lo que Brimstone pone la lupa, la total humillación que vivía la mujer prácticamente desde su nacimiento en la que se la trataba como algo poco más que una herramienta.

A finales del siglo XIX, Liz es una joven madre muda que vive tranquilamente junto a su familia en un pueblo en el que ejerce de partera. Pero un día llega hasta allí un nuevo reverendo que parece que está relacionado con el pasado de Liz, ella le mira aterrorizada.

Brimstone es un thriller con algunas escenas sangrientas, una historia del gato y el ratón que dura años explicados en cuatro capítulos desordenados que cuentan la historia de Liz con el reverendo. Lo que me hace sospechar de que esta película estuvo planteada en un principio como una miniserie, todos los episodios tienen una duración similar e incluso lo que debería ser el final de cada uno es una especie de “continuará...”. Al pasarse al largometraje no se adaptó lo más mínimo por lo que tenemos muchos momentos algo redundantes que podrían suprimirse sin ver la historia troncal afectada y mejorando la sensación general.

Dirige y firma el guión el holandés Martin Koolhoven en su producción más épica y llamando a la puerta de Hollywood. La película está francamente bien dirigida, pero al guión le falla un poco la exageración de lo horriblemente inteligente que es el reverendo, con un plan que a veces se pasa de elaborado pero esto es cine, y lo que costaría de creer tal mente pérfidamente exacta aquí se observa con cierta expectación por ver su siguiente movimiento. Y culpa de esto es la espléndida actuación de Guy Pearce (Memento, Alien:Covenant) quien se come la pantalla en cada escena en la que aparece, un personaje tan pasado de vueltas que casi roza la parodia, en todo momento un ser humano terrorífico y despreciable. Protagoniza Dakota Fanning (Every Secret Thing, La guerra de los mundos) y Emilia Jones, interpretando ambas a un mismo personaje. Un 10 por el casting, pues las dos chicas son prácticamente idénticas pero con diez años de diferencia entre una y otra, además ambas son excelentes actrices con una proyección brillante. En papeles secundarios están por ahí Kit Harington y Carice van Houten (ambos en Juego de Tronos) con actuaciones sólidas, aunque el acento sureño de Kit chirría un poco. Destacar la banda sonora, que ralla a un nivel más que alto

Es una película recomendable para ver el lado oscuro del western, y aunque sus dos horas y media de duración se ven excesivas para la historia que quiere contar, Brimstone es una producción más que decente y que pone un tema tan importante como fue el abuso a las mujeres encima de la mesa.

http://www.terrorweekend.com/2017/09/brimstone-review.html