En las maravillosas y salvajes playas de arena que bañan la costa de Kenia, jóvenes y atléticos negros esperan pacientemente, detrás de una una cuerda, a las orondas turistas tumbadas en las hamacas y dispuestas a refrescarse después de tomar el sol. Pero una vez franqueada la separación impuesta para salvar del acecho de los jóvene a las “sugar mamas”, se abre el mercado y todo se vende y se compra…

El “turismo sexual de abuelas” prolifera en las playas keniatas, una de cada cinco mujeres de países ricos que acuden allí lo hacen en busca de sexo. El pirómano Ulrichs Seidl se aleja de los lugares comunes de esta práctica de ocio perversa y retrata con su habitual mirada turbadora, libre y punzante una realidad que pretende ser mostrada sin rigideces. La pobreza, el interés, la soledad, la necesidad de sentimientos vitales como el amor, la felicidad, el cariño, se muestran con crudeza y tristeza. Ulrich rueda amalgamando cine de ficción y documental, con potentes imágenes de una realidad dura y nos hace reflexionar sobre dualidades que se difuminan hasta hacerse una sola, rico-pobre, amor-sexo, explotado-explotador, juventud-madurez, alegría-tristeza, risa-llanto. Pero siempre sin dogmatismos

Lo cierto es que en otoño, como los mejores robellones de la sierra de Mariola, aparece en la cartelera el mejor cine del año. En un mes he visto El árbol de la vida, El niño de la bicicleta y Melancolía; muchas delicatessen juntas comparadas con la abundante comida grasienta y zafia a la que nos tienen acostumbrados las salas de cine durante el verano. Luego tenemos que aprender, es mejor hacer dieta en verano y dedicarse a disfrutar de la playa, la música y de buenos libros.
Otra gran tarde de cine, esta vez gracias a Lars Von Trier y su película Melancolía con su maravillosa banda sonora, el preludio de Tristán e Isolda de Richard Wagner.
Voy a intentar contar lo que sentí viendo y escuchando Melancolía. He de decir que la película se me hizo corta, señal inequívoca de que me ha resultado entretenida, y que te metes de lleno en la historia. Nada más comenzar suena una melodía sinfónica que se repite a lo largo de toda la película y de la que sólo logro reconocer a su autor pero no consigo ponerle nombre (la confundo con el Holandés Errante, pero al momento lo niego) y así paso un rato que me impide concentrarme en la película pero la disfruto igual. También en la primera secuencia me quedo atrapado con la mirada de Kirsten Dunst para transportarme seguidamente al universo Malick de El árbol de la vida.
Siempre me ha resultado curioso, como las secuencias cómicas no producen ninguna reacción en el público cuando se trata de cine dirigido por directores-autores catalogados de serios y profundos. La secuencia de la Limusina kilométrica llevando a los novios al banquete nupcial seguro que produce mil risas si la rueda Blake Edwards o Billy Wilder, pero Von Trier, Buñuel, Bergman, etc. “estos no tienen sentido del humor...” Se supone que si cuentas una historia “seria” no hay gracia que valga. Pues bien, yo también me reí durante la película, en concreto durante la boda de Justine. También sentí tristeza al ver a la protagonista absolutamente torturada por su bipolaridad. La inquietud igualmente apareció, mucha inquietud, en la segunda parte de la película protagonizada esta vez por Claire, par mí mejor que la primera, pero sobre gustos los colores. Percibí, sobre todo, mucha satisfacción por haber disfrutado de mi tiempo y por tener la suerte de pasar una maravillosa tarde de cine. Ahora sólo queda comerme un buen plato de robellones a la plancha con una cerveza.
Espero no confundir a nadie. Aconsejo que el que no conozca el cine de Lars Von Trier al menos se informe de lo que ha hecho y de lo que va a ver, ya que los sentimientos, pasiones y emociones son de cada cual. Por tanto lo que yo haya podido percibir es sólo un desahogo y no pretende dirigir o influenciar a futuros espectadores dudosos, tan sólo, repito, ha sido una distracciónn. Sólo he pretendo compartir mis emociones.

Un deportivo de lujo da vueltas a un circuito circular en un paraje desértico californiano apareciendo y desapareciendo del plano fijo de la cámara durante un par de minutos. Este es el arranque de Somewhere, la última película de Sofía Coppola.

Cuando han pasado cuarenta minutos ves que nada a cambiado; el deportivo de lujo es ahora un actor guapo, admirado, deseado y exitoso; y el circuito circular son las insustanciales y monótonas veinticuatro horas del día del protagonista de la historia, día tras día. Nada parece romper esa reiteración plomiza hasta la llegada de la hija de éste, pero tan sólo es un espejismo. De nuevo su vida transcurre en círculos sin principio ni fin, sin rumbo ni destino, buscándose continuamente sin encontrar nada que justifique su vida vacía.

La directora introduce la cámara en la cotidianeidad del protagonista con la intención de transmitir al espectador el mundo anodino y vano de Johnny Marco, y desde luego que lo consigue. Reveladoras del estado de animo Johnny son las secuencias en las que la estrella de Hollywood conduce su Ferrari sin rumbo por las carreteras de Los Ángeles; o esas otras, donde dos bailarinas gemelas de striptis montan su show diario a los pies de su cama hasta que concilia el sueño. El inconveniente de esta película, para mí, es que sientes que la historia que te está contando Sofía ya está muy vista y además no te emociona ni te hace sentir nada nuevo. Sofía Coppola ya narró algo parecido en Lost in Traslation contando la historia del hombre, vacío pese a su éxito profesional, perdido y en decadencia, cambiando el desierto Californiano por un desolador Tokyo.

La niña protagonista lo mejor de la película, aunque está manifiestamente mal doblada, y además su personaje también lo hemos visto “cienes y cienes” de veces en el cine; por ejemplo Tatum O’Neal.

Conclusión, mucho ruido y pocas nueces. Como me dijo un amigo a la salida del cine “yo creo que es un poco floja para el León de Oro…” Pues sí, tienes razón, yo creo que se merece más el Gatito de Plata…

Bellísima película de Terrence Malick. Desde Malas tierras hasta El árbol de la vida, el director Tejano nunca a renunciado a mostrarnos su amor por la naturaleza y por descubrirnos el alma de sus personajes.

En El árbol de la vida, Malick va mas allá. Plantea cuestiones filosóficas básicas como el impulso vital e inmediato de vivir de modo espontáneo y sin necesidad de racionalizar la vida, encarnado en la madre de los niños (todo amor) frente al que representa el padre marcado por el orden, la ambición, el sacrificio, el esfuerzo, ... el de las “heridas”. “Nos enseñaron que nadie que amara el camino de lo divino acabaría mal”… pero no es cierto, continuamente los personajes protagonistas, con mayor o menor convicción o fuerza, se van planteando preguntas y respuestas respecto al camino a elegir en la vida; que rama del árbol de la vida elegir, “la de lo divino o la de la naturaleza”.

Además, Malick no sólo cuenta historias con unas imágenes admirables, también las acompaña de una hermosa música. La película está narrada, de principio a fin (casi dos horas y media), en una sucesión continua de planos breves, de los que no sobra ninguno (admirable el montaje). El Director, impregna su sello personal en la dirección de la cinta. Se atreve a mezclar con acierto, secuencias de la infancia, niñez y preadolescencia de unos niños en el seno de una familia conservadora de no tan sólidos principios cristianos, con imágenes del génesis del Universo, como una parte más del árbol de la vida, para terminar con unas inquietantes representaciones oníricas del niño-adulto en su introversión sobre el sentido de la vida y el fracaso de su éxito.

En fin, una maravilla que no hay que perderse, aunque no apta para todos los públicos.

Como dos púgiles de boxeo, aunque de diferentes pesos, Nixon y Frost, con sus respectivos equipos de preparadores, técnicos, relaciones públicas, etc. pactan una pelea a cuatro asaltos, con una gran bolsa para ambos, donde nunca puede haber combate nulo.
No estoy alucinando ni he visto otra película, en realidad “Desafío: Frost contra Nixon” muestra una entrevista como si se tratara de un combate de boxeo; desde los cruces de miradas, gestos, intercambios de frases para desestabilizar al rival antes de “subir al cuadrilátero”, hasta el final de la misma, cuando desde el rincón de uno de los púgiles al ver como se tambalea “tiran la toalla” y se da el combate por perdido.
Contemplamos un desafío interpretativo del que sale vencedor por KO Frank Langella frente Michaell Shenn, incluso por encima del nivel de la película. Simplemente magistral.
Mérito sin ninguna duda de su director, es la capacidad que tienen las imagenes que nos muestra para transmitir y mantener la tensión en el espectador, a modo de las tan cinematográficas partidas de poquer (ver la reciente My blueberry Nights de Wong Kar Wai), con primeros planos de objetos, de los protagonistas y de sus asesores, rostros sudorosos, nervios contenidos, ...
Sin embargo, la película se muestra un tanto superficial en la descripción de los personajes pues nunca llegar a bucear con profundidad en sus inquietantes personalidades, mostrando a dos rivales soberbios y engreídos pero también inseguros y débiles. Sin duda, en mi opinión, la mejor escena es la conversación de Nixon, ebrio, con David Frost, donde por un momento desnuda su alma acomplejada. También sorprende, al menos para los que desconocemos el mundo del periodismo televisivo, toda la parafernalia y coreografía que rodea a una entrevista de esa magnitud.