Película realizada por Joseph L. Mankiewicz. Se basa en un guión original del realizador y de Lesser Samuels. Se rodó en los Fox Studios, con gran parte del equipo técnico de "Eva al desnudo" (1950). Fue nominada a un Oscar (guión). Producida por Daryl F. Zanuck, se estrenó el 16-VIII-1950 (EEUU).

La acción principal tiene lugar en el Hospital General de un Condado con capital en una ciudad media de EEUU, en 1949/50, a lo largo de unos pocos días. Los hermanos Ray (Richard Widmark) y John Biddle resultan heridos por la policía durante el atraco a una gasolinera y son trasladados al Hospital del Condado. Mientras el Dr. Luther Brooks (Sidney Potier) toma una muestra analítica de John, ésta fallece. Ray le acusa de asesinato.

La película desarrolla un relato dramático, que explora actitudes racistas y prejuicios étnicos de personas individuales, unidades familiares y grupos no organizados. La historia está explicada con la fluidez propia de Mankiewicz, con un buen ritmo narrativo y sin disgresiones. Los hechos están dotados de credibilidad y realismo. El guión incluye agresiones verbales (insultos ofensivos), gestos despectivos y actitudes de desaire y desprecio de diversos usuarios de los servicios del Hospital. A lo largo del metraje se producen en algunos de ellos cambios que marcan el avance del relato en varias direcciones simultáneas, la de quienes toman conciencia de que la verdad está por encima de cualquier prejuicio y la de quienes se aferran a éstos con obcecación, fanatismo, odio y reacciones que revelan problemas de equilibrio emocional y psicopatías. La individualización del problema, o su limitación a un número reducido de personas, se complementa acertadamente con la escena de una pelea multitudinaria entre afroamericanos y angloamericanos en el interior de una chatarrería, con numerosos heridos por traumatismos de diversa consideración, que son ingresados en el Hospital del Condado. El componente fundamental de la historia viene dado por las relaciones entre Brooks y Ray, que generan numerosos incidentes y culminan en una secuencia singular, que Zanuck mandó retocar por razones comerciales. Es destaclable la escena de la visita de Edie (Linda Darnell) al Dr. Wharton (Stephen McNally) con motivo de la cual entabla conversación y amistad con la cocinera afroamericana y la que explica la treta (ocurrente y divertida) que Edie emplea para desembarazarse del sordomudo George Biddle (Harry Bellaver).

La música, de Alfred Newman, incorpora un tema inicial y otro final de porte solemne y emotivo, entre los que intercala composiciones ligeras motivadas (emitidas por la radio), como la burlona "Adivina qué y adivina quién". Milton Krasner ofrece una narración visual, en B/N, excelente, de acertados contrastes, dibujo cuidado y movimientos de cámara suaves y precisos. Fue una de las primeras obras de Hollywood que abordó el racismo como problema social. En ella hizo su debú en cine Sidney Poitier (22 años).

Miquel

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Realizada por Rouben Mamoulian, la película se basa en el relato "La maldición de Capistrano" (1919), de Johnston McCully, llevado al cine por primera vez en 1920 ("La marca del Zorro", Fred Niblo). Se rodó en los estudios de la Fox. Se estrenó el 8-XI-1940, tras su "première" el 1-X-1940 (Cincinnati, Ohio, EEUU).

La acción principal tiene lugar en LA en torno a 1820, después del tratado de España y EEUU de 1819 (que reconoció la soberanía de éstos por encima del paraleo 42) y antes de la independencia de Méjico (1821). Diego de Vega (Tyrone Power) es un español nacido en California que, tras residir unos 10 años en España, regresa a su tierra natal. Se sorprende al saber que el alcalde del lugar es un hombre cruel y corrupto, que oprime a los débiles con impuestos injustos, de los que se apropia.

La película desarrolla un relato de acción, aventuras y western, que incorpora elementos de comedia, romance y suspense. El Zorro es un héroe que lucha a favor de los débiles y se comporta como azote de los malvados que los oprimen por ambición y codicia. Adopta una doble personalidad: en las esferas de la alta sociedad se comporta como un hombre poco valeroso, débil e inseguro de si mismo y en sus correrías justicieras despliega valentía, fortaleza, generosidad y decisión. El doble aspecto del personaje es fuente de comicidad, pero sobre todo sirve a Momoulian para dar complejidad al personaje, resaltar su valía e incrementar su capacidad de acción. Diego es valiente y precavido, osado y prudente, generoso e implacable. No lucha de modo compulsivo, sino de acuerdo con una estrategia pensada y puesta en práctica con sentido de la eficacia. Desconcertar a los oponentes y ocultarles información relevante es una táctica que demuestra que el Zorro, además de valiente y generoso, es astuto e inteligente. No es un hombre solitario y cerrado en si mismo, sino que le gusta la vida social. Sus hazañas solitarias no son fruto de su idiosincracia, sino de sus deseos de mantener bajo control el secreto de su identidad. Tampoco es un hombre frío y calculador, aunque aparente serlo. Su entrega al servicio de los débiles se fundamenta en sentimientos de solidaridad y humanidad anclados en una personalidad apasionada. En manos de Mamoulian, la figura del Zorro adquiere relieve, complejidad y una muy grata riqueza de matices. Son escenas destacadas la carrera nocturna y el excelente duelo a espada de Power y Rathbone.

La música, de Alfred Newman, nominada al Oscar, se basa en una partitura emotiva y colorista, de aires hispanos, alegres y románticos, que incluye la canción "Sombrero blanco". El vestuario se inspira en figuras goyescas, de gran elegancia y vistosidad. La fotografía, en B/N, destaca el claroscuro, los contrastes de luz y el equilibrio de las composiciones.

La película evoca 300 años de soberanía española en California (1534-1821) y la modestia entrañable de LA a comienzos del XIX.

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Diego de Vega cuando regresa a California se ve sorprendido por el hecho de que Luis Quintero (Edward Bromberg), alcalde del lugar, tiranice a los campesinos con impuestos arbitrarios, en connivencia con el jefe de la tropa de la guarnición, Esteban Pasquale (Basil Rathbone). Sus correrías contra Quintero y Pasquale ponen en peligro su romance con Lolita.

Miquel

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Sexta y última colaboración de Jean-Luc Godard y Jean-Pierre Gorin, que intervienen en el film como guionistas y realizadores. Rodada en exteriores de París y en plató, dispuso de un presupuesto muy ajustado. Ganó el Interfilm Award-Recommendation del Foro de Nuevo Cine del Festival de Berlin. Producida por Jean-Pierre Rassam ("La grande bouffe", 1972), se estrenó el 28-IV-1972.

La acción tiene lugar en París a lo largo del mes de mayo de 1972, cuatro años después del Mayo francés del 68. Narra la historia de Él (Yves Montand), francés, director de cine de la "Nouvelle Vague", desplazado a la realización de anuncios comerciales para la TV al objeto de poder sobrevivir. Ella, Suzanne (Jane Fonda), es una periodista americana, que trabaja como coresponsal en París de una cadena radiofónica de EEUU. Él, "alter ego" de Godard, y ella son pareja. Ambos acuden al despacho del gerente de una empresa para hacerle una entrevista. Mientras la realizan, en la fábrica se produce una revuelta y son retenidos en el despacho del gerente. A través de la pareja se pasa revista a los temas candentes del momento.

La película constituye un experimento narrativo vanguardista, de estética estilizada, que recurre a la sátira como medio para abordar los temas que propone. Con espíritu iconoclasta, los realizadores plantean diversos interrogantes como: ¿Es posible que el amor sobreviva al matrimonio o a la pareja?, ¿Es posible que la ideología revolucionaria sobreviva a la Revolución? Adicionalmete se plantean cuestiones sobre el proceso de creación artística, las películas y los cienastas, los sindicatos, los grupos asamblearios de acción directa y otros temas que preocupaban en los primeros 70. Dedica una atención especial a hacer balance de los frutos de la Revolución de mayo del 68, vistos con la perspectiva de 4 años. Como en obras anteriores, critican el consumismo, que despersonaliza, deshumaniza y envilece al ser humano. La visión que desgrana el relato traspira pesimismo y frustración, hasta el punto que este film es posiblemente más pesimista que "La chinoise" (1967) y "Weekend" (1967). La reflexión de los realizadores se inspirada en constataciones que les llenan de desolación y desesperanza.

La música, escasa, aporta una canción ligera melancólica. La fotogrfía hace uso de travellings espectaculres y de largos planos-secuencia. Se incluyen entrevistas con preguntas fuera de banda sonora. Destacan las buenas interpretaciones de Montand y Fonda. La dirección da testimonio de la desilusión, confusión, perplejidad y fatalismo que embarga a los realizadores.

La película es un meritorio experimento narrativo y un documento interesante sobre la realidad de los primeros 70 en Europa.

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La idea central que inspira el relato y que constituye, a la vez, su conclusión es la que mayor desilusión puede provocar en el ánimo de los realizadores. Nada, ni el pensamiento de la extrema izquierda (el de Godard y Gorin) ni la acción de los grupos asamblearios (admirados por Godard y Gorin), puede evitar lo que ellos consideran como la caída de la sociedad moderna en un estado de postración anticultural, deshumanizada y comercializada.

Miquel

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Film realizado pr Nanni Loy ("Detenido en espera de juicio", 1971). Se basa en un argumento original de Age (Agenore Incrocci) y Scarpelli (Furio Scarpelli), desarrollado como guión por éstos y por Nanni Loy, que escribió los diálogos. Se rodó en Roma y Milán, en B/N. Producida por Franco Cristaldi, se estrenó el 10-XII-1959 (Italia).

La acción tiene lugar en Roma y Milán, en 1959, a lo largo de algo más de una semana. Peppe el pantera (Vittorio Gassman), con aversión por los trabajos estables, lidera una banda de rateros de Roma. Inesperadamente recibe la visita de Virgilio "El milanés" (Riccardo Garrone), que le propone dar en Milán un golpe importante: el robo del furgón con la recaudación del Totocalcio (las quinelas). El golpe desencadena una serie interminable de incidencias, imprevistos, desavenencias y sorpresas.

La película es una comedia a la italiana, primera secuela de "Rufufú" (1958), que precedió a la segunda "Rufufú veinte años después" (1985), de Amanzio Todini. Aporta una visión, de gran valor documental, sobre la realidad italiana de los últimos años 50, previos a la etapa de despegue económico de los años 60. Muestra unas condiciones de vida míseras (mobiliario de las viviendas, estado de conservación de las mismas), simbolizadas por la ausencia en muchos casos de agua corriente (vivienda de Peppe), aunque no en todas (Ferribotto dispone de ella). Da testimonio de una sociedad anclada en los viejos valores, encarnados sobre todo por Camelina Nicosia (Claudia Cardinale) y su hermano Ferribotto (Tiberio Murgia), aferrado a las rígidas normas sicilianas. Es una sociedad en trance de cambio, como indica el auge de la construcción, la difusión de la TV y la irrupción de nuevos valores de éxito, centrados en la independencia de la mujer. No es una película crítica, pero incluye una parodia de la figura del gángster de las películas clásicas americanas, de sus hábitos de conducta y de su novia Floriana, más interesada por el dinero que por el amor. La obra tiene momentos memorables, como la indigestión de Capannelle (Carlo Pisacane), la realización caótica del golpe, la aversión de los componentes de la banda a custodiar el dinero de todos, la rapidísima transformación de un Fiat 1100 de negro en blanco, la pasmada expectación que provoca el número del "streptease".

La música, de Pero Umiliani ("Boccaccio 70", Sica, 1962) incorpora una notable banda de jazz, con intervención a la trompeta de Chat Baxter y al piano del propio Umiliani. Contiene 4 temas propios: "Relaxin' With Chat", "Tensione", "Sentirsi solo" y "Tema d'amore". Añade un fragmenteo de "I soliti ignoti". La fotografía es de estética neorrealista: realza los ambientes oscuros y míseros de las viviendas, los paisajes urbanos desolados del extrarradio y la luz crepuscular de la Piazza del Duomo (Milán). Buenas interpretaciones del elenco principal, con intervenciones destacadas de Gassman, Cardinale, Pisacane y otros. Obra estimable, aunque inferior a "Rufufú".

Miquel

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Cuarta adaptación al cine de la novela "Anna Karenina" (1887), de Leon Tolstoy, realizada por Julien Duvivier. Se rodó en los Shepperton Studios (RU). Producida por Alexander Korda, para su compañía London Films, se estrenó el 22-I-1948 (RU).

La acción tiene lugar en San Petersburgo, Moscú y Venecia, en tono a 1875. Alexei Karenin (Ralph Richardson), militar dedicado a la política, frío, intransigente, vanidoso, obsesionado por su reputación, mantiene una relación distante y descuidada con su esposa, Anna (Vivien Leigh) y el hijo de ambos, Segei. El coronel Vronsky (Kieron Moore), apuesto y apasionado, se enamora a primera vista de Anna, cuando la conoce casualmente en la estación ferroviaria de Moscú. Ella se siente atraída por él y se enamora contra voluntad, mientras baila con Vronsky una mazurca en una fiesta de sociedad en Moscú. Cuando ella regresa a su casa de San Petersburgo, Vronsky pide el traslado de destino para estar cerca de ella.

La película contiene un fuerte componente de crítica de la sociedad aristocrática rusa de finales del XIX y, por extensión, de la inglesa de mediados del XX. Denuncia la doble vara de medir que emplea para juzgar el adulterio del hombre y de la mujer. Mientras él es admitido sin reservas en todos los círculos sociales, ella es excluida de modo inmisericorde de los mismos. Parte de la famila adopta frente ella posiciones de exclusión, de indiferencia o de olvido, que no aplica a Vronsky. La madre de Vronsky (Helen Haye) se afana en bucar novia para el hijo y le presiona para que contraiga matrimonio y abandone a Anna. Los personajes que pueblan la alta sociedad rusa son en general vacíos, fatuos, mediocres y vanos. Practican la hipocresía y se rigen por principios de una inquietante doble moral. Aplican, además, convenciones sociales contrarias a los sentimientos humanos. Anna y Vronsky no viven el mismo drama. Éste afecta, sobre todo, de manera hiriente y perturbadora a Anna, alejada de su hijo, echada de su casa por el marido, incapaz de conseguir el divorcio por la obtusa negativa de Karenin, imposibilitada de regularizar su relación con Vronsky y abandonada por todos, incluso por su amante, que cada vez le presta menos atención y le dedica menos tiempo. Anna transita de la depresión a la desmoralización y de ésta a la desesperación, en un proceso que el film desarrolla con cierta oscuridad, vaivenes y embarullamiento.

La música, de Constant Lambert, refurza los tonos dramáticos y los sentimientos de desolación de Anna. La fotografía realza la belleza de Vivien Leigh y subraya la intensidad de su drama interior. El vestuario, de Cecil Barton, es excelente. El guión, de Duvivier y de Jean Anouilh, crea una atmósfera de dramatismo desgarrador, reforzdo por gélidas temperaturas y tempestades de nieve. La dirección se ve desbordada por la magnitud de la empresa y comete errores en la dirección de actores, especialmente visibles en el caso de Vivien Leigh, que no gradúa la progresión de su drama.

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Destaca la presencia reiterada del tren como medio de transporte y como juguete de los niños de la casa. Se erige en símbolo del viaje de Anna desde la resignación a la felicidad y desde ésta a la desesperación.

Las tres versiones anteriores de la novela son: Fox-1915 de Gordon Edwards, Metro-1927 de Edmund Goulding y Metro-1935 de Clarence Brown.

El final es reflexivo, sereno y pausado, a diferencia del de otras versiones. Las imágenes a contraluz elevan la fuerza dramática del mismo.

Miquel

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