Realizada por Billy Wilder, la obra se basa en la comedia en 3 actos "Seven Years Itch" (1952), de George Axeldrod, elaborada como guión por éste y el realizador. Se rodó, entre septiembre y noviembre de 1954, en NYC y en los Fox Studios (LA, CA), con un presupuesto de 3,2 M dólares. Ganó un Globo (actor de comedia). Producida por Charles K. Feldman y Billy Wilder, se estrenó en "première" el 3-VI-1955 (EEUU).

La acción tiene lugar en NYC, durante unos pocos días de agosto de 1954/55. Richard Sherman (Tom Ewll) envía la mujer y el hijo a Maine para que pasen unos días de vacaciones, mientras él permanece en la ciudad por trabajo. El piso superior al suyo es ocupado temporalmente por una joven y seductora mujer (Marilyn Monroe).

La película es una comedia romántica, rica en sutilezas irónicas y cómicas. El autor construye un retrato mordaz del marido que queda solo en la ciudad con una libertad que permite poner de manifiesto el grado de represión sexual del ciudadano medio. Los firmes propósitos de dedicación al trabajo, sin fumar, sin beber, sin comidas excesivas y sin mujeres, se ven alterados por la combinación de varios factores: lectura de un texto sobre sexo y represión, propuesta de la camarera del restaurante vegetariano para ayudar a un campo nudista y, sobre todo, la inesperada presencia en el piso de arriba de una muchacha atractiva y sensual. En el interior del protagonista se activa un proceso de recuerdos, sueños y fantasías, que le presentan como protagonista de seducciones y conquistas femeninas (oficina, hospital, playa solitaria) y como víctima y a la vez como responsable de engaños conyugales y de otros lances que perturban su ritmo de vida y su serenidad. El relato extrae comicidad de desventuras imaginarias y reales, de visitas inesperadas y de la sensualidad de la chica, que cumple un papel de ingenua que domina al hombre (lance grato a Wilder) y le causa una tempestad interior (mujer fatal). Añade parodias ("De aquí a la eternidad"), situaciones hilarantes (portero), hechos chocantes (ropa interior en la nevera). En la obra teatral los protagonistas hacían el amor, en la película las cosas suceden en la imaginación y los sueños, por imposición de la Oficina Hayes. El film ha legado a la iconografía del cine la escena del vuelo de la falda de Marilyn por la corriente de aire del extractor del metro y el intento de coger los zapatos con los pies mostrando una pierna desnuda. Incluye referencias cinéfilas (Gregory Peck), melómanas (Ravel, Stravinsky), literarias (Oscar Wilde) y científicas (Freud).

La música, de Alfred Newman, ofrece composiciones coloristas y alegres, con dos temas destacados: "Main Tittle" y "The Girl Upstair". Añade fragmentos de Rachmaninov (concierto nº 2). La fotografía, de Milton R. Krasner, crea una narración visual brillante. La dirección extrae de Marilyn una de sus mejores interpretaciones. Notable comedia y película entretenida, a pesar de la censura.

Miquel

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Producida, protagonizada y dirigida por Clint Eastwood, se basa en una excelente novela, "Firefox" (1977), de Craig Thomas, especialista en thrillers que tratan del uso de alta tecnología. Se rodó en diferentes localizaciones de California, Montana, Groenlandia y Austria, con un presupuesto estimado de 21 M dólares. Se estrenó el 18-VI-1982 (EEUU).

La acción tiene lugar en los primeros años 80, cuando el mando norteamericano tiene constancia de la fabricación por la URSS de un avión de prestaciones portentosas, inalcanzables por la tecnología occidental del momento. Narra la historia de Mitchell Grant, antiguo piloto de guerra del Vietnam, no recuperado del todo de los traumas bélicos. Recibe el encargo de infliltrarse en la URSS para sustraer el prototipo, con riesgo de la propia vida y de la paz mundial.

La narración se enmarca en la última fase de la Guerra Fría que enfrentó a los EEUU y la antigua URSS entre 1945 y 1990. El equilibrio del terror que presidió las relaciones entre las dos superpotencias dio pie a numerosas películas de acción en los años 50 y 60. El pretexto del film se basa en el hecho de que los soviéticos han constrído un prototipo de avión, el MIG-31, de tecnología muy superior a la americana. Este hecho se considera grave porque viene a alterar el equilibrio entre las dos potencias. Dos son las características diferenciales del nuevo modelo soviético: alcanza velocidades de crucero seis veces superiores a las del sonido (duplican las de los modelos más avanzados de los EEUU) y el piloto puede accionar los mandos del aparato con la mente. La trama del film, vista con ojos del XXI, presenta una elevada dosis de simplismo e ingenuidad. Por lo demás, son significativas las similitudes, no casuales, que mantiene con la serie de "Star Wars".

La música, compuesta y dirigida por Maurice Jarre ("Doctor Zhivago", 1965), se basa en una partitura original brillante, grandilocuente y efectista. La fotografía se recrea en paisajes árticos y aéreos, de gran belleza y notable grandiosidad, enriquecidos con efectos especiales de John Dykstra, ganador de un Oscar por los efectos especiales de "Star Wars". Se hace un uso acertado del claroscuro y de los contrastes de color. El guión pretende sumergir al espectador en un clima de incertidumbre, suspense y tensión, que culminaría en la secuencia de la persecución aérea. La interpretación de Eastwood ofrece la rigidez, estatismo e inexpresividad habituales en sus actuaciones de los 80. La dirección pone la narración al servicio de la espectacularidad y el patriotismo americano. La estética de la obra se presenta cuidada con atención y esmero.

Película de buena música y fotografía brillante. La historia peca de exageración, inverosimilitud y pretenciosidad, por lo que resulta artificiosa y poco convincente.

Miquel

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Producida y realizada por Alexander Korda, la obra se basa en hechos reales, que habían inspirado una película anterior. Se rodó en los Denham Studios (Denham, RU). Nominada a 4 Oscar, ganó uno (sonido). Se estrenó el 30-IV-1941 (RU).

La acción resume 30 años (1786-1815) de la vida de lady Hamilton. Tiene lugar en Nápoles, Londres y Calais. Narra en flashback la historia de Emma Lyon (Vivien Leigh), hija de un herrero y una sirvienta, de extraordinaria belleza, que desde joven se gana la vida como empleada doméstica, bailarina y cortesana. Amante de Charles Greville, éste le cambia el apellido paterno por el de Hart y la obliga a tomar clases de música, literatura e idiomas. Muy apegada a la madre, es enviada (1786) por Greville a servir en la casa de William Hamilton, embajador inglés en Nápoles, donde conoce a Nelson.

La película omite las prolongadas estancias de lady Hamilton, entre 1799 y 1805, en Menorca, entonces colonia y base naval inglesa. Aprovecha la fuerza del paralelismo entre las figuras de Napoleón y Hitler: deseos de invadir Inglaterra, ambiciones de dominar el mundo, belicismo insaciable. El argumento se basa en una historia de amor entre personas casadas que en su momento provoca escándalo público. Previamente se había establecido un triángulo amoroso entre Emma, Nelson y W. Hamilton (admirador de Nelson), aún más escandaloso. Los dos amantes no sólo no se someten a las normas convencionales, sino que las desafían al no ocultar su amor, que viven sin disimulos. La fuerza dramática del film se apoya en la desenvoltura y naturalidad de un amor prohibido, la notoriedad de los protagonistas, el rechazo social que provocan, la dudas del Almirantazgo y la fragilidad de un amor imposible. El componente escandaloso de 1941 es difícil de imaginar en el marco de una sociedad desligada de prejuicios, que ha incorporado el divorcio, las parejas de hecho y el triángulo amoroso, como parte de la normalidad. Con todo, la obra conserva una gran fuerza dramática. Son destacables la escena del cierre de cortinas (símbolo del final de la historia de amor), la arriesgada decisión de Nelson de dar protección y refugio a los reyes de Nápoles y la escena final.

La música suma una partitura original de M. Rozsa, de ecos militares, triunfales y épicos, fragmentos de Mozart (ópera "Don Carlo" y melodías de acompañamiento) y canciones populares de los marinos ingleses. La fotografía, de Rudolph Maté, construye una narración brilante y rica en matices, con encuadres picados, travellings laterales, tomas largas y movimientos de alejamiento. Se beneficia de unos soberbios decorados (V. Korda) y de un magnífico vestuario (René Hubert). El guión incorpora diálogos bien construidos y establece una narración en flashback que permite comenzar por la escena final. La interpretación de V. Leigh y L. Olivier, amantes en la vida real, trasmite naturalidad, verosimilitud y sinceridad. La dirección construye una obra emocionante y absorbente.

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Winston Churchill confesó que ésta era su película preferida. No disponible durante muchos años, su recuperación en DVD constituye un acontecimiento digno de ser celebrado. Remasterizada, la versión doblada al español corta del soundtrack antes del inicio de los diálgos. Las primeras imágenes de las secuencias ofrecen una molesta inestabilidad. La película no concluye con la muerte de Nelson en Trafalgar (1805). El amor entre Emma y Nelson nace después de la batalla naval del Nilo (Aboukir) en la que el almirante pierde (1798) el brazo derecho y se convierte en leyenda.

Miquel

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Realizada por J. Lee Thompson, se basa en un argumento de Gwen Davis, inspirado en las desventuras matrimoniales de Marilyn Monroe, protagonista prevista. Su fallecimiento (1962), retrasó, pero no frustró el proyecto. Se rodó en cinemascope en los Fox Studios (CA) y se añadireron algunas tomas exteriores de París. Fue nominada a dos Oscar (decorados y vestuario). Producida por Arthur P. Jacobs, se estrenó el 14-V-1964 (NY).

La acción tiene lugar en una pequeña ciudad de Ohio, Jersey City, otras localidades de EEUU y en Paris, a lo largo de los años 50 y primeros 60. El centro cronológico del film, la sesión de psicoanálisis, se sitúa en tiempo presente (1964), con un breve epílogo ubicado 7/8 años después. Narra la historia de Luisa Fay Foster (Shirley MacLaine), romántica, soñadora, que quiere casarse por amor y desea llevar una vida sencilla. Cuando acude al Tesoro Público para hacerle entrega de un cheque de más de 200 M dólares, es tomada por loca y enviada al psiquiatra. En la consulta del psicoanalista recuerda, en flashback, sus cuatro experiencias matrimoniales.

La película se articula en forma de comedia negra, en la que Luisa atrae sobre sus sucesivos maridos el éxito y la fortuna, lo que la convierte en esposa abandonada y poco después en viuda cada vez más acaudalada. Cree que es víctima de un maleficio de brujería, del que se quiere desprender. El elenco del film incluye grandes actores y la simpática intervención de Margaret Dermont (oponente de los Hermanos Marx), como madre de Luisa. El film evoca en términos de homenaje e ironía películas de géneros diversos: comedias mudas, superproducciones ("My Fair Lady", 1964), cine francés sexy/erótico ("Y Dios creó la mujer", 1956), grandes melodramas ("Escrito sobre el viento", 1956), musicales de la época dorada ("Levando anclas", 1945), dramas históricos ("Cleopatra", 1963). Evoca personajes del mundo del cine, como Howard Hughes, a cargo de R. Mitchum. Recuerda con humor escenas y plano célebres de "Lolita" (gafas de sol), "La senda de los elefantes" (la estampida), "Desayuno con diamantes" (vestuario de A. Hepburn). Incluye escenas destacables como la cama sobre una gran copa de champán, la sátira del psicoanálisis y del psicoanalista, la farsa en torno a la pintura expresionista abstracta americana (que sitúa en París), la irónica relación mecánica entre buena música (Félix Mendelsshon) y la pintura.

La música ofrece melodías de estilos diversos, según el sentido de la acción. La fotografía recrea la estética de la comedia americana de los 50 y primeros 60, se beneficia del magnífico vestuario de Edith Head y hace uso de colores simples y uniformes, que se extreman en la monocromía obsesiva de Pinky Benson. El guión crea un combinado de géneros y estilos, sugerente y entetenido. La interpetación de MacLaine destila encanto y simpatía. La dirección mantiene la coherencia y el ritmo del relato, con excepciones.

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Comedia ecléctica y por ello difícil, resuelta con habilidad. Deja la sensación de que sus ingredientes permitían un resultado mejor. La referencia a los males de la fortuna constituye una ácida crítica de la hipervaloración del éxito económico y la fama. Hacia el final la obra se olvida del dinero, sin alcarar su destino definitivo.

Miquel

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Film independiente, escrito y dirigido por Leonard Kastle, es su único largometraje. Se basa en noticias periodísticas y datos judiciales referidos a hechos protagonizados por una pareja de asesinos en serie. Se rodó con un bajo presupuesto em 1969. Producido por Warren Steibel, se estrenó el 4-II-1970.

La acción tiene lugar en Mobile (Alabama), NYC y diversas localidades de EEUU, a lo largo de 1949. Narra la historia de Martha Beck (Shirley Stoler), jefe de enfermeras del Hospital de Mobile, obesa, de 110 kg, soltera, de 30 y pocos años, que a través de una agencia matrimonial entra en contacto con Raymond "Ray" Fernandez (Tony Lo Bianco), inmigrante español, de 34 años, residente en NY, estafador especializado en ganarse la confianza de mujeres solitarias para apoderarse de sus ahorros y asesinarlas para no dejar rastros. Martha se enamora de Ray y se convierte en su cómplice.

La película expone los hechos delictivos de la pareja en un collage de episodios violentos, perturbadores y espeluznantes, realizados con increíble frialdad e indiferencia. La narración, adusta y seca, es de carácter documentalista. Se refiere a los hechos sin complementos románticos, ideológicos o explicativos. No se incluye una reflexión sobre la violenica, sus causas, sus secuelas, etc. Se ofrece una imagen grotesca del mundo feliz de los 70, mediante unos crímenes en serie, que denuncian o evocan la presencia en el mundo de violencia injustificable, autoritarismos descarados, responsables de mando de personas que actúan al albur de caprichos inasumibles, corrientes de trato descortés y presumidamente maleducado y otros hechos que evidencian la vigencia del ideario fascista en ámbitos de las sociedades avanzadas del XXI. El film recuerda "Henry, retrato de un asesino" (1986), si bien entre ambas obras no hay relaciones de conocimiento e inspiración. Fue objeto de un "remake" tardío, de Arturo Ripstein, titulado "Profundo carmesí" (1997). Es una historia de amor singular, desoladora y feroz.

La música incluye fragmentos de Mahler, con un tema central que envuelve los asesinatos. Se añade una canción de James Michener, tomada de su álbum "South Sea Islands". La fotografía, de Oliver Wood (jefe de iluminación de la serie "Bourne"), sitúa la acción en ambientes oscuros, tétricos y claustrofóbicos, de aires expresionistas, que realzan los aspectos grotescos y macabros del relato. La estética se ajusta al desaliño y descuido formal de los films de serie B. Hace uso de tomas largas, sobreentendidos, elipsis y escalofriantes escenas fuera de campo. El guión juxtapone episodios tomados de las secciones de sucesos, de aire cutre i "kitsch", que recuerdan la emotiva plástica de Robert Rauschenberg. La interpretación de S. Stoler ("Klute", 1971) y la de Tony Lo Bianco ("The French Connection", 1971) son excelentes. La dirección, a cargo de un director de orquesta y compositor, crea una obra de crudeza extrema.

Película singular, de culto entre cinéfilos.

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El plano de cierre se limita a un cartel que indica una fecha (8-III-1951) y un lugar (prisión de Sing Sing).

Miquel

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