Que tus ojos se asombren ante una película, a estas alturas del cuento viviendo rodeado de imágenes, es algo que no esperas cuando entras en una sala de cine. El “más difícil todavía”, pese a la aparatosa tecnología que hace que el “imposible” no exista hoy en día para el cine, sigue caminos tan trillados que no nos queda otro remedio que dar la razón a D. Reynolds cuando decía en “Cantando bajo la lluvia”: “Vista una, vistas todas”. Sin embargo, “Matrix” es lo nunca visto, lo no percibido. Nada en la historia del cine nos había preparado para una obra como esta.
Con un guión de lo más complejo, pero que parte de una premisa inteligentísima: la realidad es una construcción interesada, “Matrix” nos sumerge, con su revolucionaria estética apegada al cómic y modo de narrar único y fascinante, en ese secreto que llevara a Neo a ser un redentor de ese mundo en el que los humanos viven esclavizados por las máquinas.
Las fuentes filosóficas, míticas y religiosas asoman por doquier en esta trama abriendo la posibilidad de múltiples lecturas que enriquecen una película que gana por derecho propio un puesto privilegiado entre las mejores del género fantástico.
Con cuatro más que merecidos “Óscar” en los apartados técnicos, la película es un espectáculo visual que te deja boquiabierto. Esta apabullante tecnificación, sin embargo, está llevada bajo premisas argumentales que evitan la gratuidad con la que muchas veces se presentan los f/x. El “tiempo bala”, las magníficas coreografías de las luchas, la plasticidad de los decorados que responden a un tiempo a las reglas de la “realidad” y las de “Matrix”, las arriesgadas traslaciones entre secuencias, no sólo son estéticamente impecables, rozando lo increíble, sino coherentes con la premisa argumental de que todo lo que vemos es un mundo construido.
Todo este arropamiento, no evita que otro peso importante de la película caiga sobre el reparto. Resumiendo las actuaciones, la única palabra que acude es “sobresalientes”; y esto no es fácil teniendo en cuenta toda la parafernalia que los escolta. Sin embargo, están tan convincentes que nos imaginamos otro Neo, otro Morfeo, otra Trinity, otro Agente Smith que no sea Hugo Weaving, dándonos uno de los mejores villanos de la historia del cine.
“Matrix” es un universo propio, único, tan singular como el que en su momento creo “La Guerra de las Galaxias” o “El Señor de los Anillos”. Una obra de culto, le pese a quien le pese, dirigida con un pulso firme por los Hermanos Wachovski, que han creado un antes y un después en la historia del cine.

Strhoeimniano

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Una vez vista la película entiendes porqué Zulueta no volvió a filmar ninguna otra película más. El cine desde una entrega total, en una lucha contra esa pausa que marca el ritmo, en un arte que es el detonante de todas las pasiones, filmando para matar, pero también para dar una nueva vida. El relato no puede ser más alucinado, la unión con las drogas no es accidental (ni en la película ni para el autor), hecho casi desde la crispación histérica. No hay un solo momento de reposo, pues hasta cuando éste se da, la atmósfera malsana lo impregna todo. El trío protagonista está en un estado de gracia permanente, desde un iluminado Will More, a la adicta Cecilia Roth, o un Eusebio Poncela con las venas siempre prestas para el último picotazo; los secundarios a la misma altura (aquí descubrí a la soberbia Marta Fernández Muro), con un Luis Ciges al que no le hacen falta sustancias para no desentonar con el tono de la película. Verla sigue siendo una experiencia perturbante. Yo ya no sé la cantidad de veces que la he visto, que acudo a ella y me quedo literalmente ciego por este ejercicio brutal y sincero, de una modernidad sin estridencias, sin guiños fáciles, sino llena de una rabia que hace de ella todo un manifiesto. Un único manifesto que la hace imprescindible. Una joya que ya no tenemos que inventar.

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Que un surrealista declarado como D. Luis Buñuel admirase a un reconocido novelista como D. Benito Pérez Galdos (“El Garbancero”, para Valle-Inclán) puede parecer una paradoja; pero quizá si miramos el surrealismo como la profundización de la realidad, está aparente contradicción desaparece. Digo esto, porque generalmente se suele tomar esta película como una de las muestras supremas del sentir de Buñuel. Y lo es, razones hay sobradas. Sin embargo, soy de la opinión que no hizo Buñuel otra obra más “realista” que esta. Con un argumento que a primera vista puede ser irracional, la maestría de Buñuel se encarga, con el bisturí afilado de su cámara, de desvelar las rutinas y símbolos que mueven a ese microcosmos en decadencia hasta desprenderse de toda cultura y quedar reducidos a esa esencia animal que compartimos todos; de ahí que sea tan difícil desprenderse de la sensación de que todo lo que nos muestra no es extraño. Somos nosotros. Buñuel aclaraba en su biografía que la película ganaría más si en vez de haber sido rodada en México lo fuese en un ambiente más burgues y menos caótico como Londres. Creo que el tiempo ha quitado la razón a este pensar y vivamos todos como los náufragos de la calle Provindencia, dejándonos llevar por las apariencias en donde la salvación ya no es posible, pues ni siquiera la sacrosanta Iglesia escapa, sino que más bien acoge, ese hechizo que muestra esta magistral película.

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Siempre hay un momento en que los que se dedican a esto del cine echan una mirada a este arte. “El fotógrafo del pánico”, “La noche americana”, “El crepúsculo de los dioses” serían una buena muestra de este hacer. Burton sigue este camino, pero en vez de acercarse con pretenciosidad, amargura o dramatismo, lo hace acompañándonos a conocer al peor director de toda la historia del cine: Ed Wood. La película muestra el rodaje de tres de sus películas y todos los avatares y freaks que acompañaron a este singular personaje. Existe tanto cariño en cada uno de sus fotogramas que quizá sea una de las comedias más emocionantes de todos los tiempos. El guión es excelente, en algunos momentos delirantes, más cuando sabes que “todo” lo que te está mostrando ocurrió.
Mención aparte merece la interpretación magistral de Martín Landau como Bela Lugosi. La relación que mantienen entre ellos centra toda la película. De hecho, igual que le ocurriera a Ed Wood, cuando Landau desaparece de la pantalla se nota ese vacío, y no es que la película flojee, pero es que Landau (recibio un merecidísimo Oscar) colma la pantalla de emociones. Escucharle decir los ridículos diálogos que le escribió Ed Wood y sentir cómo se te pone un nudo en la garganta, habla claramente de la prodigiosa interpretación que realiza.
“Ed Wood” es una declaración de amor al cine, a la pasión creadora, sea esta la de un Orson Welles (que aparece maginificamente recreado por Vicent D’Onofrio) o la de un Ed Wood que no salía de la serie Z.

Strhoeimniano

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Un retrato en negro de una España gris, servido con una meticulosidad que no ahorra detalle, desde una crudeza ajena a todo sentimentalismo que siempre lleva mirar hacia atrás. La magnifica fotografía de Alcaine acompaña con sus tonos fríos una historia en la que la pasión arde hasta consumirse en un final trágico, mostrado con tal inspiración que se nos hiela la sangre.
La película narra un triángulo amoroso en el Madrid de los años 50. La química que se establece entre los interpretes es estremecedora. Nunca brillaron a tanta altura. Sus interpretaciones son muy naturalistas, soberbias. Parecen sacados de ese Madrid que tan bien retrata esta película. Es en esto, donde “Amantes” alcanza un grado superior, hasta convertir esta película en un “documento”.
Pero es en el trío protagonista donde se ven las grandes virtudes de esta obra. Los tres son personajes ricos, llenos de esquirlas, sometidos a los avatares de esta historia que los llevará a un final inevitable. Así vemos a un Jorge que sin abandonar de todo ese aire de pueblo se deja arrastrar por la única “cabeza” que lo domina.
Punto y aparte merece Maribel Verdú. Es el personaje bueno, el corazón inocente que se deja llevar, que hace la apuesta fuerte sin pensar. Con sus ojos expresa todo: ilusión, amor, locura. La escena final, se sostiene toda en ella, hasta el punto de que sus palabras te hiela el corazón.
Pero si esto es un triángulo, la cima corresponde a Victoria Abril. Su interpretación es apasionada hasta la fiereza. Cuando ella sale, como buena mantis que es en esta obra, devora literalmente todo lo que se encuentra a su alrededor. La construcción de su personaje es espectacular, y su pasión por Jorge Sanz regrese a ella convertida casi en locura, pues sin dejar de ser un juguete roto, responderá a esa vena mortífera que riega este triángulo amoroso / pasional.
Porque “Amantes” juega con las dos cartas. Vicente Aranda no escatima al espectador como la pasión se va adueñando de la historia hasta que desencadena su final. Estos pliegues escabrosos están acompañados de una galería de personajes que retratan la miseria y el tremendismo de esos años oscuros. Todo acompañado de una banda sonora excepcional de José Nieto, donde el tema dramático principal, que nos acongoja a lo largo de toda la película, se nos descubre al final como un villancico de Navidad, (“Amantes” no deja de ser un cuento cruel) y en una secuencia imborrable, ante una Catedral de Burgos nevada, como si reposara sobre la nada y la desolación que acompaña a los personajes.
“Amantes” es quizá una de las mejores películas españolas de todos los tiempos, rodada con un pulso firme, lleno de una sabiduría que evita cualquier barroquismo dejando que sean los intérpretes los que nos lleven de la mano a esta película a la que siempre queremos volver.

Strhoeimniano

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