Críticas de: pablo - FilmAffinity

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Poco conocida película del maestro Huston. E injustamente, pienso yo, ya que se trata de un excelente film que recoge lo mejor de la tradición del cine negro y lo mejor del retrato psicológico desgarrado de las relaciones de pareja.

Aquí unos soberbios Marlon Brando (no me cansaré de decir que es el mejor actor de todos los tiempos), Elisabeth Taylor, Brian Keith y Julia Harris (especialmente convincente en el papel de esposa débil y neurótica) como dos parejas absolutamente a la deriva cuyos problemas emocionales y de personalidad trastocan el devenir de sus vidas.

A destacar el debut de un enigmático Robert Forsters (nominado al Oscar muchos años después por Jacky Brown de Tarantino), que tan sólo con su mirada (apenas habla su torturado personaje) consigue una interpretación sobresaliente.

En fin, retrato duro y despiadado del ser humano muy al estilo de obras como ¿Quién teme a Virginia Woolf? o De repente, el último verano, y que pone de manifiesto una vez más el absoluto dominio y versatilidad de Huston en todos los géneros cinematográficos.

¿Quien teme a Virginia Woolf? es un verdadero ejercicio de estilo narrativo y actoral condensado en dos horas de diálogos y situaciones explosivas que nos llevan al Elia Kazan más potente de los cincuenta.

Sí, sin duda alguna, esta excelente película bebe del cine americano de los cincuenta, de la narrativa del genial Tennesse Williams y del magnífico soporte que es la disección sin cortapisas de la sociedad americana. Una sociedad que, para bien o para mal, ofrece unas posibilidades a aquellos que las analizan que van más allá del mero estudio sociológico.

El sensacional escritor sueco Söderberg decía en su obra maestra Gertrud (la misma que luego llevaría a la gran pantalla el imprescindible Dreyer) "A true soul need not hide his thoughts". Pues bien, el tandem Ernets Lehman-Nichols retoman la cita para reinterpretarla de la manera más cruda posible, a saber, la oscuridad y la decadencia acaban por destruir la esencia misma del hombre.

Esencia que por alusión invade a la pareja, icono de tranquilidad americana que aquí se desmenuza con especial sangría dialéctica: frustración, dolor, perlas de la desidia (esos continuos insultos), bacanal reprimida, represión explícita. Elementos que sucumben a la realidad más obvia: no hay animal que soporte la soledad.

Esta película, obra de teatro televisada o lo que se quiera, no sería lo que es sin ese cuarteto protagonista que, en mi opinión, pocas veces ha estado tan brillante: un apoteósico Burton-Taylor que trasciende la realidad para convertirse en una de las mejores interpretaciones de pareja de todos los tiempos. A la zaga, brillantes Sandy Dennis y George Segal.

Ellas se hicieron con sendos Oscars, ellos se quedaron a las puertas.

En fin, obra maestra sin contemplaciones que permanece intocable al paso del tiempo.

El director francés Claude Lelouch ha ido desarrollando su más que interesante carrera a la sombra de paisanos más conocidos como Godard y Truffaut. Sin embargo, su filmografía está plagada de interesantes películas y alguna que otra notable, como es el caso de esta Toute une vie, nominada al Oscar en 1975 al mejor guión original.

Poco antes, Lelouch lograba sus mayores cotas de popularidad con Un hombre y una mujer, película generacional que le valió dos estatuillas: mejor guión original y mejor película extranjera, además de suponerle una nominación como director y brindarle la nominación a mejor actriz a la siempre deslumbrante Anouk Aimée. También fue Palma de Oro en Cannes.

Toda una vida es una evocadora y nostálgica película que a la sombra del recorrido generacional de sus protagonistas nos mete de lleno en la historia reciente de Europa. Personajes fríos y tristes imagen de una sociedad de valores materiales, en donde las prioridades de la vida de unos chocan frontalmente con las necesidades emocionales y vitales de otros. En este contexto, Lelouch va describiendo con maestría en la disección de personajes varias historias íntimamente ligadas con un trasfondo que deja ver luz y esperanza pese a todo.

Autor a redescubrir urgentemente, me ha llamado muchísimo la atención los poquísimos votos de esta película.

Lumet ha sido un director muy dotado, con gran capacidad para adaptarse a cualquier género y con el talento suficiente para firmar obras muy notables.
Quizás, sea precisamente el hecho de que sus películas son notables, lo que ha oscurecido un poco su meritoria carrera. Y lo digo positivamente. Me explico: Lumet no ha firmado (por ahora) ninguna obra maestra de las clásicas que merezca por algún motivo pasar a los anales de la historia del cine. Sin embargo, sí que ha firmado unas cuentas obras destacadísimas que, en algunos casos, se aproximan felizmente a la obra cumbre.

Y ahí entran Doce hombres sin piedad, Larga jornada hacia la noche, El prestamista y Network. Otras como Sérpico, Tarde de perros, Equus, Veredicto final y parece ser que Before the devil knows that you're dead, son también, a mi juicio, películas logradas.

Pero no voy a hablar de toda la filmografía del director, sino que me voy a centrar en la película que más me gusta de todas las que ha dirigido: Network (un mundo implacable). Título mítico de los 70, olvidísima con posterioridad y que construye con maestría tres personajes "gigantes" en medio de un holocausto de verdades y mentiras que encierran la metáfora de la propia vida.

Y ello, porque Lumet no juega a juzgar a nadie, sino que escupe al público tres visiones "deformadas" del ser humano (la marioneta que es encumbrada a los altares, el triunfador relegado a un segundo puesto laboral y emocional y la víbora que pide a gritos que la quieran), que son, en el fondo, los retratos cotidianos de personas que adolecen de lo mismo: la angustia existencial. Y ésta, se encuentra personíficada en el despiadado mundo de la televisión moderna.

Vista 30 años después, la película rebosa actualidad por los cuatro costados y confirma la agudísima visión del guionista Paddy Chayesky (justamente galardonado con el Oscar del año) a la hora de diseccionar personajes y presentarnos tipos llenos de sentimientos y verdades.

Claramente, una película como ésta, no podría llegar a buen puerto sin unos actores a la medida. Y para ello, Lumet contó con tres soberbios intérpretes: Peter Finch, absolutamente magistral en su última actuación (moriría poco después y recibiría el oscar al mejor actor póstumamente), William Holden y Faye Dunaway (que lograría también la estatuilla en su tercera nominaciön tras Bonny and Clyde y Chinatonw). Además, la película supuso un sorprendente (y surrealista) Oscar como actriz de reparto para Beatrice Straight por una interpretación de dos secuencias -sólo habla más de 30 segundos en la segunda de ellas-, y cuya duración no superaba los 10 minutos. Eso sí, se quedó sin los oscar principales frente a ... Rocky... de Jonh. G. Avildsen.

En fin, obra a rescatar, a disfrutar sin contexto alguno de por medio, y que sirve para reconocer la valía del gran Sydney Lumet.

Vista ahora, tanto tiempo después, la película resulta más que correcta. Es cierto que el guion no es nada del otro mundo, pero Lumet, viejo zorro, resuelve con eficacia, y hasta en ocasiones con oficio notable la puesta en escena de una peli previsible desde el minuto uno.
Rebeca de Mornay está espléndida y es una pena que no podamos disfrutar más de esa cara de mala malísima que pone siempre y que ya ahora ninguna actriz es capaz de hacer.
Atención a la banda sonora y al excelente trabajo secundario del gran Jack Warden. En fin obra menor de su director pero que vista hoy (tal y como está el patio) gana enteros.