La protagonista femenina de "Blue Valentine" tiene nombre de mejor amiga de Barbie, pero la cosa no va por ahí. Y aunque su partenaire sea un tal Dean (que no Ken), y lo interprete Ryan Gosling, no tenemos aquí una revisión del pastelazo de Cassavetes hijo, "El diario de Noa", a pesar de que el punto de partida (un presente roto, explicado a través de flashbacks) sea el mismo. O al menos, parecido.

"Blue Valentine" es, ni más ni menos, que otro de esos dramas románticos independientes que aparecen en las quinielas de premios y que desde su estreno limitado en el festival de Sundance han ido haciendo ruido, casi convirtiéndose en películas de semi-culto que nadie ha visto. Hasta ahora, al menos, que ha formado parte de la sección oficial del Festival de Cine de Gijón, donde a pesar de los intentos de un par de rezagados el film no ha obtenido la ovación final que aspiraba a merecer. El problema del film de Cianfrance quizá sea que todo lo que se nos cuenta ya lo hemos visto, al menos setecientas noventa veces, en los últimos cinco años. Quizá no con tan buenos actores (Williams y Gosling están fantásticos), pero sí con más pasión. A favor, que tampoco abusa del azúcar, en contra, que no deja poso. Y que su final, una metáfora tan obvia como pobre, y un diseño horripilante -por pijo- en los títulos de crédito, empañan un poco los buenos momentos (haberlos, haylos) del film.

Total, un drama romántico correctivo, con una factura llamativa, algún gran momento y otros simplemente rutinarios. Los actores (como pasaba en otra película indie de la temporada, "The Kids Are All Right") salvan el film de la escasa ambición de su director. Se puede ver, no es molesta, pero queda lejos de ser memorable.

Caith_Sith

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El amor y el circo. La unión de estos temas nos dejado una de las más bellas obras maestras de la historia del cine, "Freaks" (Tod Browning, 1932). "Balada triste de trompeta" se mira en ella y en muchos otros filmes. Es un trabajo tarantiano en cuanto a referencias y capacidad de síntesis. Y es, sin dar muchos rodeos, la mejor película que ha rodado Álex de la Iglesia desde "El día de la bestia" (1995), estando a sólo una ligera distancia del segundo mejor film del realizador vasco, la subvalorada "Muertos de risa" (1999). "Balada triste..." es además un ejemplo de cine excesivo, barroco, pero potente, con una narrativa que juega a los dobles sentidos y le sale todo a pedir de boca. Un film personal, intransferible y único: si se intentase repetir no funcionaría. Una desgarradora fábula en la que el amor y el fatalismo se dan la mano: Gilliam mataría por haberla filmado. Browning la aplaudiría. Tarantino la degustó, y premió, en Venecia.

Desde sus títulos de crédito, "Balada triste..." sienta las bases de lo que vamos a ver: un ejercicio de estilo tan rocambolesco y propio de su autor como enriquecedor. No hay término medio: se ama o se odia. Pero desde su prólogo, puedo decir que me hipnotizó. Esas imágenes oscuras, esa extraña belleza y una historia anecdótica convertida en tragedia universal. Jamás pensé que iba a decir que Carlos Areces es un gran actor, pero su creación es portentosa. Antonio de la Torre nos tiene tan bien acostumbrados que parecería absurdo destacar su papel: pero su entrega hacia su personaje le acerca, inesperadamente, hacia la de un Ledger con el rostro mal pintado. Está gigantesco. Si Carolina Bang tuviese algo que no fuesen unas buenas tetas, es decir, si tuviese talento, la cosa quedaría incluso más redonda. Afortunadamente arropan los secundarios: desde un fantástico Segura hasta el personaje de Sancho Gracia. Aquí hay calidad en cantidades equiparables a los michelines de Areces.

"Balada triste de trompeta" no es sólo un filme sobre la Guerra Civil, ni sobre payasos tristes y felices; no es sólo una comedia negra, ni la vilapidan sus momentos irregulares; tampoco un canto de amor al cine, ni al circo. De hecho representa ese amor como uno enfermizo y parasitario, que termina con todo. El amor envenenado, el contraste y el núcleo, neutral, esperando recibir su influencia. Y cuando han pasado noventa y tantos minutos del nuevo trabajo de Álex de la Iglesia, tan excesivo como valioso, llega una secuencia final en la que dos personajes, sentados, se ríen entre lágrimas. Y las luces se entienden, y los espectadores del circo rompen en aplausos. Cuando llega todo esto, lo sabes: has visto una película que ha merecido tu tiempo. Fantástica.

Caith_Sith

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Así es. Parafraseando a Makoto en la sublime Ghost in the Shell, es irónico que haya que recurrir a Internet para disfrutar de grandes obras que, de otra forma, nunca llegaríamos a conocer. Ni ediciones en DVD, ni ningún canal se atreve a emitirlas... en fin. No quiero convertir esta crítica en una de tantas donde se menciona esto, de hecho seré bastante claro con Elfen Lied, una de las mejores series de animación japonesas de la temporada. Corta, pero intensa. Con sólo 14 capítulos (13 y un OVA), esta sublime historia de venganzas, amor y mucha, muchísima violencia, atrapa desde su extremadamente preciosista Opening -con unos coros impresionantes-, y continúa en línea ascendente capítulo a capítulo, hasta llegar a una conclusión a la que únicamente puede reprochársele una cosa: deja con ganas de más, y en teoría no habrá segunda temporada.

La historia nos narra como una preciosa mujer -desnuda- escapa de un complejo científico acabando con decenas de hombres a su paso. Sus cuerpos explotan al menor contacto con ella, y es capaz de frenar las balas, resultando imbatible. Tras una masacre sin igual, un fortuito disparo en la cabeza la tira río abajo, apareciendo en una ciudad costera. Pero ya no es aquella asesina, sino una joven, desprotegida, sin memoria ni posibilidad de hablar. Allí se encuentra con dos universitarios, Kouta y Yuka, quienes deciden llevársela a su casa hasta decidir qué hacer con ella... Pero claro, esta chica -apodada Nyuu, por ser la única palabra que sabe decir-, no es normal. Unos cuernos emergen de su cabeza, y cuando se da un golpe... se convierte en una cruel y sanguinaria asesina: Lucy.

Este es el punto de partida que se narra durante los 20 minutos que dura el primer capítulo de la serie, una de las mejores aperturas que he visto nunca en un medio similar, cargada de emoción, frenetismo y buenas ideas, y todo sigue así a lo largo de la historia: Nuevos personajes, todos con pasados muy macabros y duros (asesinatos, pederastía, etc.); como han dicho los usuarios anteriores, Elfen Lied es violenta, mucho, y gore, también en cantidades industriales. Pero no es sólo un festival sangriento, sino que tiene un guión cojonudo detrás y una carga social muy fuerte. Salvo la animación, que no está a la vanguardia tecnológica -pese a ser muy decente-, todo lo demás en Elfen Lied es estilo, calidad y buenas ideas fantásticamente aplicadas. Obligada, pero obligada de verdad. Lástima que se devore tan rápido.

Caith_Sith

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Una carretera llena de sillas, un coche que las golpea, un policía que sale del maletero del citado vehículo. Y mira ¿a cámara? y nos explica, en apenas tres minutos, cómo las grandes obras de la historia del cine están llenas de “no fucking reason” (vamos, sin sentidos). Luego lo adapta a la vida real, “¿por qué no vemos el aire que nos rodea?”, explica. Y tras su (hilarante) monólogo nos explica que lo que vamos a ver es un homenaje a esos “sin sentidos”. La cámara se gira y vemos a un grupo de personas (el público) en un descampado. Se les provee de unos prismáticos y se les hace mirar al horizonte. Van a ver una película en tiempo real. Y así, con la cámara deslizándose entre paisajes desérticos, es como empieza “Rubber”, una de las producciones de terror más personales del pasado 2010.

Quentin Dupieux dirige y escribe el guión de esta historia que sigue la travesía de un neumático, Robert, a lo largo de un desierto. Dicho así suena a coñazo supremo pero la gracia la pone lo que éste puede hacer, nada menos que explosionar las cabezas de quien le venga en gana (conejos, cuervos, humanos) usando sus poderes telepáticos y haciendo un homenaje nada disimulado a la famosa escena de “Scanners” de David Cronenberg. No es el único punto en común que ofrece esta obra con la del realizador de “Videodrome”, ni tampoco es éste la única influencia de Dupieux (que pasa de las monster movies al “Duel” de Spielberg); lo que encontramos aquí es un cóctel perfecto entre terror y comedia negra, añadiendo pinceladas surrealistas y un sentido de la autocrítica que rara, rarísima vez se ha visto en pantalla.

"Rubber" se atreve además a ir más lejos que sus propias referencias y, de forma honesta (porque no hay ni un solo momento en el que se intuya que Dupieux se cree por encima de su público) reflexiona sobre la realidad y la ficción con ciertos momentos de cine dentro de cine que terminan por redondear la propuesta. Marciana y única, “Rubber” es todo aquello que siempre quisiste ver en pantalla y nunca te atreviste a pedir. Una locura que podría haber salido mal (como en el caso de “Los tomates asesinos”) pero que afortunadamente, aquí, funciona perfectamente. Divertida e ingeniosa, vale su peso en oro a pesar de que no reinventa (ni siquiera lo intenta) el género.

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Los que hayan jugado a Final Fantasy VII recordarán a Barret Wallace, un negro con una espalda como un armario, líder de AVALANCHA, y que tenía una hija blanca, Marlene. Su mayor particularidad era un brazo-arma, una ametralladora incrustada en su brazo derecho. Mucho antes de eso, ya en el cine, Tsukamoto experimentó con el fetichismo de los metales en su trasgresora Tetsuo the Ironman. Y desde entonces, decenas de series anime y alguna que otra película, han aprovechado este añadido para dar rienda suelta a su imaginación. The Machine Girl se mofa de todos ellos junto recogiendo su misma medicina.

Una joven atlética, que además es la perfecta hermana mayor que cuida de su hermano de forma casi maternal, se ve mutilada por una familia Yakuza. A causa de esto, pierde un brazo, pero le fabrican uno que actúa a modo de ametralladora, escopeta, pistola y lanzamisiles si hace falta. Premisa alocada, puesto que es cine japonés, que ha dado el salto y se ha hecho conocer gracias al culto que se le procesa, de nuevo, al Grindhouse que pusieron de moda Tarantino/Rodríguez.

¿Y qué encontramos? Pues justamente eso. Imaginad Kill Bill, pero con el histrionismo japonés. Eso es "The Machine Girl". En sentido del humor macabro, gore de andar por casa y un estilo irrechazable que recuerda a la serie B ochentera. Todo esto y más es lo que ofrece esta ida de pinza de Noboru Iguchi, una cinta divertidísima que no deja ni un momento de aburrimiento. Entiendo que pueda no gustar, pero bueno, no todos tienen sangre en las venas.

Caith_Sith

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