Quizás no tan significativo, pero ver a Tom Cruise encarnando aquí al modélico y genial asesino Vincent, es tan sorprendente como ver al gran Fonda en Hasta que llegó su hora interpretando a un asesino despiadado. La gran diferencia es que Leone, a diferencia del Mann, no le da a su personaje un final preciosista y épico, y este es quizás el gran fallo de Collaterall.

Partiendo desde la base que nos ofrece el argumento, Mann construye una película con un ritmo vertiginoso, que no sufre ninguna pausa durante todo el metraje. Mann coloca la cámara en el mejor puesto posible, aunque sea incluso a veces incómoda para el espectador. Algo particularmente notable en las escenas rodadas en el interior del taxi, pues le dotan de un dinamismo y un interés que pocas secuencias de diálogo consiguen en el cine moderno.

Los personajes están muy bien interpretados. Desde el pequeño papel de Bardem, aunque algo ridiculo con ese acento cubano, o Irma P. Hall, pasando por un estupendo Jamie Foxx, para concluir con una de las mejores interpretaciones de Tom Cruise. Está perfecto en todo lo que hace, sin sacar a relucir su característica sonrisa del millón de dólares.

Quizás lo que más destaca del guión es la interesantísima idea de presentarnos la mente de un asesino. Al igual que nos enseñó Sonny Corleone, no se mata por motivos personales, únicamente por negocio. El que conozcamos a un asesino no hace que tengamos que entender sus asesinatos, o que tengamos que entender el por qué lo hace. Y justo eso es lo que le pasa a Foxx, justamente cuando Vincent entra en su santuario ( precioso el detalle de la foto de las islas tropicales ).

Una banda sonora que representa todo el eclecticismo de la ciudad de Los Angeles, y que nos muestra perfectamente cada zona de la gran urbe, con un mero cambio de ritmo musical. A ello contribuye una fotografía estupenda, que nos transmite incluso una agobiante sensacion de mareo... y a todo ello, hay que añadirle un montaje tremendamente soberbio. Las escenas de acción están rodadas y ensambladas como un reloj, perfectamente. La escena de la discoteca me parece sencillamente sublime. Está rodada perfectamente, y me parece antológica, de lo mejor hecho en cine en años. Una auténtica maravilla comprimida en una secuencia de acción.

Mann debería dejarse de biopics insufribles para centrarse en lo que mejor sabe hacer: Magníficos thrillers como este y Heat

Tony Montana

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El propio Cronenberg afirma concienzudamente su locura, la cual le permite rodar sus particularísimos films por donde se mueven una galería de personajes enfermos, psicóticos, raros y diferentes con respecto al concepto del canon social de lo que se considera moral o socialmente correcto, y criados en un orden social en el que la violencia no es algo visible pero sí perceptible. Quizás no soy el más indicado para hablar de su cine debido a lo poco atrayente que este me resulta en general, a lo difícil que me suele resultar ser ver una película suya por lo pretendidamente interesante pero lo tremendamente decepcionante que suele ser, pero no por ello le niego el mérito de ser, quizás, el más personal de los cineastas surgidos en los últimos años (con la excepción del maestro de maestros en este campo, Lynch). Quizás, las obras de ambos que más me han gustado han sido precisamente las que tenían un corte más convencional, tirando a clásico, donde su particular universo visual y su potencial narrativo (enorme en ambos casos, algo imposible de negar) se ponían al servicio de una historia menos personal pero sí más universal con respecto a su habitual mundo. Es por ello que me ha sorprendido gratamente ver esta película de culto donde el estilo Cronenberg es llevado a su paroxismo. Y más aún me ha sorprendido por haberse unido a uno de los escritores a los que más fobia le tengo, William S. Burroughs, del que he leído algunas cosas y casi siempre he salido asqueado, si es que he llegado a acabármelo, como el caso de la obra en cuestión.

Para comprender la situación de la cinta y disfrutar con ella (o intentarlo al menos) es obligatorio haber, si no leído al escritor, sí conocer un tanto de su vida y obra, de sus miedos, las inquietudes que le movían a describir los aspectos más malsanos de una personalidad atormentada como la suya propia. Y es que El almuerzo desnudo es algo así como el Ulyses de la generación Beatnik (a la que tampoco soporto, dicho sea de paso) de la que después se desmarcó, una obra culmen y difícil de leer por excesivamente personal escritura y su particularísima narrativa. Cronenberg, pudiendo intentar adaptar la (inadaptable) novela original, escoge narrar, a modo de falso biopic, el proceso de escritura de la novela en el momento más autodestructivo de la vida del escritor, cuando creó, producto de su subconsciente, la Interzona. Más, ¿Dónde están las virtudes de una película tan compleja como la novela, y, por tanto, difícil de digerir por el espectador? En que Cronenberg consigue hacer suyo un mundo tan particular y narrar esta trama detectivesca, un mero mguffin, que va mostrando, a modo de muñecas rusas, toda la vida de este escritor de culto, con evocadores pasajes puramente surrealistas en los que es fácil, realmente fácil, perderse y que requiere una aportación extra por parte del espectador de adentrarse en este estudio metaliterario sobre una de las más influyentes obras del siglo XX.

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Y es que Cronenberg supo ver en la obra total del escritor su vía de mostrar todo aquello que siempre ha enseñado en sus películas, y no sólo eso, si no la posibilidad de llevar a cabo un ejercicio de experimentación cinematográfica que va más allá de lo realizado hasta ese momento en su carrera. El director supo captar de manera perfecta las intenciones de Burroughs, sus ideas sobre la necesidad de la renovación de la lengua, del anclaje al que se veía sometida la escritura desde hacía siglos, y su pretendida revolución, la destrucción de la narrativa convencional y la subversión de los temas tratados en las novelas, la destrucción del academicismo en su totalidad. El director es capaz de realizar una síntesis de todo ello en este extraño rompecabezas y filma con un estilo sublime y oscuro, tan habitual en él, una gran pesadilla psicotrópica en la que el alter ego de Burroughs, Will Lee, brillante Peter Weller, pasea por ese psicotrópico mundo de terror que se confunde con la realidad en el que el sexo es algo violento y enfermizo y que, a la postre no logra más que causar problemas, una de las grandes obsesiones de Cronenbrg, la necesidad absoluta de drogas en la peor época de la vida del escritor y su miedo a todo aquello que le rodeaba, además del odio a lo tradicional, representado en la férrea moralidad de los Estados Unidos del mccarthismo de los años 50, de los que huye en su refugio en Tánger, donde dará rienda suelta a su reprimida vena homosexual, uno de sus grandes temores que siempre afloró en su obra, pero con un tratamiento, como ya he dicho antes, verdaderamente enfermizo y malvado. El director canadiense y el escritor americano consiguen ser una sola persona, y Cronenberg logra un acertado ensayo sobre la praxis burroughsiana que bien se podría resumir en la inquietante escena del paseo en coche y el poema del culo parlante, absoluta paranoia lisérgica dirigida con un encanto mágico por Cronenberg. ¿Por qué me gusta, si son dos autores que nunca suelen llegarme? Por la perfecta forma en que Cronenberg ha sabido ser Burroughs, pero de una manera totalmente personal con este extraño experimento, entendiendo que la mejor forma de adaptar a un autor no es hacerlo palabra por palabra, puesto que esto lleva a un excesivo enfriamiento de la historia, si no entender su mensaje y traspasarlo a la pantalla de manera personal.

Tony Montana

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Posiblemente Sin Perdón es el último gran western. Y si a alguien como yo, aficionado al western, le dicen que si se puede cerrar de mejor forma, seguramente diría que no. Tenemos al sucesor de John Wayne, Clint, que a su vez es el ultimo director clásico. Este debuto con mi director favorito, Sergio Leone, y aprendió de su mentor Siegel la necesidad de estar seguro ante un rodaje, por lo que solo usa una toma. Y po r tanto, a ambos está dedicada la pelicula. Este es posiblemente el gran western crepuscular, y el mejor western americano desde El hombre que mató a Liberty Valance. Esa sensación que te deja la historia, con un guión brillante, es la de estar viendo un western que quiere desmitificar todo lo anterior, romper con el western, y acabar con cualquier intento de crear una nueva rama del western. Hay escenas realmente poéticas, con una fuerza visual abrumadora, como Munny disparando contra las latas en su casa o esos planos con el atardecer de fondo que recuerdan al gran George Stevens. Una fotografía impecable. Brillante y luminosa al comienzo, para ir oscureciendose poco a poco a medida que William Munny vuelve a ser quién era. Un montaje pausado, permitiendonos contemplar cada escena de manera que entendamos la situacion sin necesidad alguna de diálogos. El guión nos muestra los entresijos de una mente asesina que intenta escapar de su destino, al igual que le pasaba a Michael Corleone. La critica mordaz llega también contra la autoridad y su abuso, personificada en el genial Little Bill, magistral Gene Hackman, que ajusta la ley segun su creencia, sin usar la razon en ningun momento. Y bueno, hay que hablar de las interpretaciones. Desde Morgan Freeman, hasta el ganador del Oscar Gene Hackman, pasando por Richard Harris, o por el joven, ahora desaparecido, Jaimz Woolvet... y por supuesto, no podia faltar Clint, que en cada plano demuestra lo grandioso actor que es. Su sola mirada hace innecesarios los dialogos, sabemos lo que piensa en cada momento de su atormentada vida, máxime al final, cuando descubre quién es realmente... en definitiva, el Hombre sin Nombre, ya sin su poncho, se ha hecho viejo, y cierra el western de la mejor manera posible

Tony Montana

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He empezado a ver la película con ganas de pasarme 1 hora y media sin mucho que pensar y me esperaba una buena película de acción y al final he acabado encontrándome con una auténtica comedia disparatada, casi paródica, del género de superhéroes y cómics variados. Y lo peor no es eso, si no el hecho de que dudo mucho que el director pretendiese hacer algo tan ridículo, pero amigo mío, a cualquiera le dan una burrada de millones, se le va la sangre a la cabeza y hace lo posible para que se vean en cada fotograma de la película. Gente como Stephen Sommers o Michael Bay sólo quieren dejar sordo al espectador que sea tan estúpido como para pagar por ver una de sus películas, y el señor Ratner ha conseguido eso mismo, entrar en el club de esos directorzuelos de mucho ruído y picas nueces.

Pero por supuesto, toda la culpa no es del director, ni mucho menos, sería una falta de respeto no meter en el saco de los culpables de esta cosa al guionista. El Me imagino que los productores cogieron al primero que cogieron y le dijeron: rellena algo más de hora y media, que haya explosiones y muchos frikis, y entrégalo. Y macho, el tío se ha lucido. No sé cómo, pero se ha puesto a meter historias a la trama, a añadirle personajes que en principio nos tienen que importar, para posteriormente no sacarlos más hasta una hora después y pensar que aún seguimos interesados en su historia. Empieza a meter mutantes a saco, a cada superpoder más estúpido, y situaciones espectaculares para rizar el rizo hasta que el cóctel acaba por explotar y convertirse en una cosa grotesca sin el más mínimo sentido del ridículo.

Yo no soy asiduo a los cómics, pero de sus adaptaciones a la gran pantalla las que más me gustaban eran Batman y las dos primeras partes de X Men porque sus personajes protagonistas tenían unas motivaciones, sentían, estaban en medio de una historia ante la que el espectador se podía sentir atraído, y cambiaban sus actitudes conforme avanzaba la trama, pero aquí los personajes hacen lo que les da la real en beneficio de poder sacar un guión estúpido y sin ninguna fluidez para adelante. Otro punto fuerte de estos personajes y su historia es el de contener una gran reflexión sobre el propio ser humano y la capacidad de decidir qué queremos ser, que aquí pasa a un segundo plano siendo bastante obvio el rollito de la medicina y tal, pero carente de un verdadero desarrollo. Personajes carismáticos como Lobezno o Magneto aparecen aquí pasadísimos de rosca, sin encontrar esa profundidad que sí tenían en las anteriores entregas, siendo meras caricaturas de lo que deberían ser y dejándome una sensación de que se han desaprovechado unos personajes brutales y una historia cojonuda para realizar un juguete con explosivos carísimo... y lo peor es que amenazan con volver.

Tony Montana

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Quizás Disney sea maniquea. Quizás siempre cuente con los mismos tópicos que hacen que llevemos viendo la misma fórmula décadas. Quizás todas sus historias sean dulces y poco mordientes, transmiten siempre mensajes positivos y todas tienen final feliz. Porque sí, parecen formas gastadas y hastiadas. Pero también es verdad que en manos de Pixar esos tópicos se convierten en auténticas lecciones narrativas, convirtiendo cada una de sus películas en pequeñas joyas, no sólo del cine de animación, si no de la historia de este arte. Y es que Ratatouille no significa otra cosa que una vuelta a la infancia, a disfrutar con aquello que siempre nos maravilló y que lo sigue haciendo. Y, siendo tópico, diré que es como una buena comida, porque se comienza muy bien con los aperitivos (genial cortometraje), se disfruta comiendo, y se acaba de forma espléndida cuando por fin te has tomado el postre y te deja tan buen sabor de boca que, aún sabiendo que estás completamente lleno, no te importaría una nueva ración de todo lo que has probado.

Con un guión brillante, lleno de diálogos sensacionales, y con algún caso sorprendente dentro de una película Disney, sabe aprovechar todos los tópicos que ya he dicho, para elaborar una auténtica oda a la amistad y al tener siempre un hombro en el que apoyarte en los peores momentos. Es también una película que anima a seguir adelante, a no rendirse contra las trabas que te imponga la vida, con una moraleja que a más de uno emocionará, haciendo apología del no desfallecer nunca. Tal y como enseñaron monstruos del cine como Ford, Kurosawa o Hawks, la unión hace la fuerza. Y una genial crítica a, precisamente, los críticos. El vampiresco Ego es un personaje que, en apenas 2 secuencias, roba la película para él, un malo completamente brillante, representando a ese enemigo de todo aquel que se precie artista, y que puede ver vista su carrera si un tipo aparentemente respetado dice que su obra no le gusta. Pero lo mejor es la complicidad que genera en el espectador la rata y el protagonista, una auténtica pareja que, sin duda alguna, pasará a la historia del cine.

Técnicamente la película me ha dejado embobado. En apenas 10 años, Pixar ha sabido crear unas imágenes que no reproducen la realidad simplemente por el diseño cómico y exagerado de sus personajes. Parece increíble que se consigan cosas como lo que he visto, ya que algún plano de las casas de París en contrapicado me ha recordado, por su realismo, al travelling inicial de Los 400 golpes. La dirección de Brad Bird es sencillamente brillante. Si con sus dos anteriores películas parecía que iba a tocar techo, aquí simplemente se ha superado. Sabe siempre dónde colocar la cámara, cuándo cortar el plano, y dar con la tecla en el uso de la música, sin que sea artificioso ni melodramático. En breve, el debate planteado en Simone podría quedar resuelto. Pudiendo ver a Remy, ¿Quién coño va a querer verle el careto a Ben Affleck?.

Tony Montana

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