Londres. Un travelling aéreo sobre el Támesis. Música pomposa. La cámara se acerca a un puente que se levanta hasta la máxima erección. Y una rubia en pelotas flota boca abajo con una corbata alrededor del cuello.

Hitchcock reincide en el tema del falso culpable. Sus neuras de siempre (sexo, locura y muerte) articuladas en una narración como nunca (amargura, ironía y desencanto). Lo mejor de Frenzy es la crueldad con que dibuja a los personajes y sus relaciones egoístas. Y las escenas del asesino en faena, que congelan la sangre; no en vano, Hitchcock nos enseña que la muerte es una imagen congelada.

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Durante la última década de los 50, Hollywood parió una docena de modestos filmes sobre invasiones extraterrestres. Unas películas que dejaban entrever, unas de manera más intencionada, otras de forma más bien involuntaria, el miedo de la sociedad americana a lo desconocido, su temor a que una fatal influencia extranjera corrompiera su genuino estilo de vida, a saber: promotor de las libertades y apóstol de la moral bajo la pauta del capitalismo emprendedor.

Y 30 años después, Carpenter firma una película que homenajea y emula a aquellas viejas producciones sobre invasiones alienígenas y pavores colectivos, aunque dando la vuelta a la tortilla, es decir, al mensaje. El enemigo no pretende sabotear el american way of life y convertir a los americanos en autómatas sin voluntad, sino que emplea el american way of life para transformarlos en corderitos manipulables y conformistas.

Carpenter, más guionista que director en este trabajo, hace enorme hincapié en el mensaje y quizá se exceda en los subrayados críticos y en los homenajes cinéfilos. Dos factores que a un crítico como yo le inducirían a poner cinco estrellas a esta película. Pero como yo no soy un crítico de verdad, como las películas de ciencia-ficción me pirran cantidad, y como Carpenter conforma, con Fisher y Harryhausen, mi santísima trinidad del fantástico, pues le pongo siete estrellas y me quedo tan ancho.

Además, la idea de las gafas que ven la realidad camuflada es muy buena y da mucho juego cinematográfico...

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Yo mismo me he comprado esta tarde unas gafas de sol en la manta de la esquina y no puedo dejar de imaginar si tuviesen alguna cualidad fantástica, como ver a través de las paredes (por la vecinita de enfrente…), o transformar las palabras de los libros en fotogramas (para leer un poco más…). Son unas Ray-Ban genuinas. Ismail, el egipcio que me las ha vendido es buen tipo pero mal comerciante. Me pedía 130 euros, pero he regateado bien y las he conseguido por 60. Son muy bonitas… espera, aquí pone Rey-Ben; me parece que el egipcio no era tan tonto. Al menos me sientan bien…

¡Caramba! Estoy leyendo una crítica de Boomsday (*) con las gafas puestas y, en lugar del texto acostumbrado, puede leerse “GAFAPASTA”. ¡Ja ja ja! A ver, probemos con otro… Taylor_1868 (*) ¡Ja! Lo mismo, “GAFAPASTA”.

Qué buenas estas gafas, sirven para desenmascarar gafapastas. Un momento, por favor, que llaman a la puerta…

Era la vecinita de enfrente. Ella siempre luce una cabellera larga, una falda hippie, una blusa que parece el arco iris y unas chanclas podridas. Pues con las gafas la he visto con gafas de pasta, jersey de punto con el cuello vuelto, melena espesa hasta los ojos y el pescuezo, y con el Ulises de Joyce en la mano. Menuda gafapasta encubierta.

Qué buenas estas gafas, y mira que son chulas. Aún no he visto qué tal estoy con ellas. Voy a mirarme al espejo…

¡NOOOOOOOOOOOOOOOO…!



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Homenaje a la comedia clásica, especialmente a la eterna temática de la guerra de sexos (Hawks, Cukor), aunque formalmente más cercana a la comedia del “gag” de los 60 (Edwards, Lewis) que, a su vez, bebía de las películas cómicas del cine silente (Lloyd, Laurel y Hardy), amén de referencias varias al "cartoon" de la Warner. La película es un desfile de personajes ridículos, fatuos y necios en un mundo donde la percepción de la realidad puede alterarse de tal modo que lo sencillo sea incomprensible y que lo falso parezca razonable (real como la vida misma). Un mundo que puede ser de lo más aburrido hasta que alguien entra en la vida de uno y se la cambia para siempre. Y eso, amigos, puede ser amor, ¿o no?

P.S.: Un tópico en torno a este filme es que si uno se considera crítico cinematográfico de pro debe aborrecerlo por su profanación de la mítica pareja Grant y Hepburn en Bringing up baby y afirmar que la función deviene en un plagio acartonado.

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La “space opera” (en adelante, SO), o género de aventuras en naves espaciales, se acuñó como término despectivo para etiquetar a unas películas de aventuras fantacientíficas de apariencia insustancial basadas en relatos de ciencia-ficción publicados en EE.UU. en la primera mitad del siglo XX, en revistas de material barato, con muchas páginas y portadas de colorines, conocidas como “pulp magazines”, como las aventuras de Buck Rogers, creadas por Phillip F. Nowlan, y, sobre todo, en los cómics de la misma temática, como el propio “Buck Rogers in the 25th century”, que adaptaron el propio escritor y el dibujante Richard Calkins. Cuenta la leyenda que Edgar Rice Burroughs, uno de los padres literarios de la SO, se inició en la literatura cuando, después de leerse una de aquéllas revistas, se dijo: “Si la gente paga por leer esto, yo puedo escribir historias que sean, al menos, tan malas”.

Titan A.E. es, para el que esto suscribe, el paradigma de SO “post-Star wars” (cuando los efectos especiales concedieron a la SO una identidad propia):

- Espacios exóticos y tiempos distantes (herencia de la literatura romántica), que Lucas inmortalizó con el conocido “A long time ago in a galaxy far, far away...” (Hace mucho tiempo en una galaxia muy, muy lejana...). Titan A.E. posee una riqueza desbordante de entornos como el del planeta Sesharrim, de superficie acuática, poblado por árboles de hidrógeno y con una luna quebrada en su horizonte, o como el de los anillos de hielo de Tigrin de la nebulosa Andali que sirve de escenario a una de las secuencias más curiosas. Lo de los nombres extraños es otro ingrediente importante.

- Tecnología científica al servicio de la guerra. Lo que conlleva una influencia narrativa del género bélico, sobre todo de sus variantes de buques (y submarinos) o de aviación. En Titan A. E., además, no faltan las explosiones, acción sin parar y muchos, muchos rayos láser. También es fundamental que los diseños de las naves sean originales pero verosímiles.

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- La búsqueda de algo muy importante, casi equivalente a una búsqueda de la libertad. En este caso, se busca una nave que guarda el proyecto Titán que dará a los humanos un planeta y un hogar. La idea de una humanidad errante en el espacio profundo no es nueva. Sin aventurarse mucho en el pasado, ahí está Battlestar Galactica.

- Una fuerza amenazante que ponga en riesgo la misión (y la misma libertad). Los drejs, que atacaron la Tierra sin previo aviso (en clara referencia a Pearl Harbor) y la destruyeron, buscan el proyecto Titán para destruirlo.

- Unos adversarios malignos y tenebrosos. Para entendernos, deben pertenecer al lado oscuro del universo de marras. La reina drej tiene una voz metálica y distorsionada y sus movimientos ralentizados irradian inquietud.

- Los humanos tratan con insólitas criaturas alienígenas. La estación de desguace Tau-14 es un hervidero de tipos procedentes de todo el universo. Y no falta el clásico “a mi amigo no le gustas y a mí tampoco” que le decía un bicho raro a Luke Skywalker en la cantina de Tatooine, y que aquí también le ocurre a Cale.

- Unos diálogos desenfadados de andar por casa (nada de sátiras ni de comedias críticas).

- Un final feliz. Es una norma narrativa que Titan A. E. cumple con exquisito rigor.

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Doña Dora, que reside en un humilde suburbio de Rio de Janeiro, Cascadura, malvive como amanuense de correspondencia epistolar para analfabetos y demás usuarios de la Central do Brasil. Allí conoce a Josué, un huérfano de madre con ocho años. Juntos, se ven obligados a emprender la búsqueda del desaparecido padre por el vasto territorio del Sertão.

Aunque al principio se reproducen personajes y episodios del día a día en la Central, como el vendedor ambulante de dulces, la calle atestada de menores desamparados, el abordaje de los trenes por las ventanas para cazar un asiento, el ajusticiamiento in situ del mangante por el vigilante de la estación..., la película pronto se centra en los dos personajes y sus dramas interiores durante su viaje por el Sertão más árido y seco. El filme se torna más y más intimista y se recrea en los rostros de los dos actores y en su interpretación de las emociones, subrayadas por un acercamiento excesivo de la cámara y por una música omnipresente al estilo de la New age. Énfasis que, sin embargo, no empaña momentos realmente emocionantes, como el de...

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... la lectura de la carta del padre en el encuentro de Josué y sus dos hermanos.

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