Visconti realiza un magnífico ejercicio cinematográfico para buscar la belleza de las personas y de las cosas, utilizando, así mismo, la fealdad como muestra de la no belleza, especialmente en las personas, o una Venecia sucia y maloliente. Por supuesto lo más fácil es oponer la juventud a la vejez, y en eso se recrea de forma tan sublime que consigue casi una obra maestra. Visconti ha cuidado absolutamente todo para conseguir su objetivo, decorados, vestuario, actores y ahí ha utilizado una vez más a un modelo de belleza, Silvana Mangano, que cada vez que aparece llena la pantalla y el espectador ya no tiene ojos para nada que la cámara pueda ver que no sea ella. También la música ha sido cuidadosamente seleccionada, y la utilización del adagietto de la 5ª sinfonía de Gustav Mahler es el mayor logro. Se habrán escrito miles de palabras para hablar de esta película, unas a favor y otras en contra, pero como pasa la mayoría de las veces, el cine es “para ver” y después cada espectador sabrá si le ha llegado lo que el director pretendía mediante imágenes. Quizás el continuo movimiento de la cámara y un zoom que no cesa le resten a la película naturalidad, o a lo mejor es pretendida esa artificiosidad para el espectador se sitúe más allá de la realidad. Como sea, es algo muy hermoso de ver.
Neil Jordan ha escrito un guión perfecto, de esos que pueden utilizarse como modelo al más puro estilo de Hollywood y que tantos Oscar dan en la Academia. El guión está estructurado en tres partes, como las clásicas obras de teatro, y que después se haría casi exclusivo en el cine. Cada una de esas tres partes podría ser una película independiente por si misma, pero en el guión están perfectamente entrelazadas y el paso de una parte a otra es obligado mediante el hilo conductor del personaje central. Además cada parte tiene su propio climax, lo cual hace que el espectador se mantenga aferrado a la butaca por ver como acaba aquello. Como en tantas películas, muchas de las críticas desvelan algún punto importante de la trama, y eso pasa aquí. El punto central de este guión es descubierto por muchos críticos que, con tal de opinar sobre el tema, desvelan una parte importante, o quizás la más importante. ¿Por qué no se limitan a enjuiciar la película bajo el punto de vista cinematográfico y se guardan sus opiniones, en general moralizantes, para sus amiguetes? Solo un espectador que no haya leído, escuchado, o visto, nada sobre la película, puede vivir la experiencia que el director y guionista le propone. Si tienes interés en verla y no sabes nada sobre la temática, lánzate enseguida sobre ella y olvídate de conocer la opinión de otros, al menos hasta que la hayas visto. La música está muy bien integrada en la historia y en particular es muy sugerente la interpretación que Dil hace de “The crying game” que creo está basada en la magnífica versión de Brenda Lee.
Como se dice en la película “a veces los sobres sin importancia traen las noticias más importantes” y en el cine puede ocurrir eso, que películas sin importancia traigan las historias más importantes, como en este caso una historia de amor. El tema es el tantas veces contado de pareja gay que se quieren y la familia no lo asume y mucho menos la sociedad. Pero aquí la historia está muy bien contada con un guión bastante simple pero muy sólido que le permite al director preocuparse de todo lo que a imagen se refiere porque la historia seguro que llegará al espectador. Todo está tratado en un tono de comedia de lo más agradable, religión, trabajo, amigos, y sobre todo familia, que en su incomprensión e intolerancia hacen que el amor sufra. Realmente el problema que plantea esta pareja gay de casarse en un pequeño pueblo de Alemania, por cierto un pueblo precioso en un maravilloso valle muy bien fotografiado e integrado en la historia, el problema es enorme porque ese grupo de gente todavía no estaba preparada para asumir la noticia, o al menos de la forma tan brusca que la pareja gay lo plantea. Vamos a ver todas las reacciones homofóbicas más frecuentes, las del cura y el coro parroquial, la de los amigos y vecinos, la del club de cazadores, etc. pero el director nos irá presentando todas esas situaciones, reales como la vida misma, con un perfecto dinamismo de comedia y con todo el cariño y comprensión para cada una de las reacciones. Y el final, ¿qué esperan ustedes al final?
El guión tiene una serie de momentos divertidos que Fernando Colomo resuelve muy bien como gags, pero que después no se hilvanan y producen una discontinuidad en el ritmo de la película. Una comedia tiene que tener los elementos que nos hagan reír o sonreír, muy ponderados para que en ningún momento pensemos “esto no me lo creo”, o si eso se piensa que se piense al mismo tiempo que el director te considere un espectador inteligente y esté jugando contigo, y por supuesto que tu, como espectador, entres en el juego. Lo demás suelen ser vulgaridades y de eso los españoles tenemos mucha experiencia en el cine. La historia de la madre, la historia del psiquiatra y la historia del padre, y en todas ellas Penélope Cruz, empezando su carrera, son increíbles y llegan a molestar por burdas. Lo mejo de la película es haber desarrollado la historia alrededor de unos cursos de música, con lo que en algunos momentos uno disfruta, y sobre todo es un gran acierto haber elegido la trompa como instrumento protagonista porque da sonidos a veces cómicos y a veces románticos. Ver a los protagonistas de una película tocando el violín o el piano queda muy bien, pero tocando la trompa, es un riesgo y este si lo supera Fernando Colomo. Lo siento pero la Sardá está demasiado Sardá.
Esta frase que dice Molina al principio de la película es lo que habría que pedirle al espectador, al menos en un primer visionado, porque, como las películas que cuenta él mismo, esta es una película de amor. Lo que ocurre es que tiene un magnífico guión basado en una magnífica novela de Manuel Puig, y a partir de ese guión, el director ha sabido tocar, sin convertirlos en más importantes que el amor, los temas de política, homosexualidad, represión, delación, etc. Un gran logro, y para que no se nos olvide que se trata de una historia de amor, el director incluye las escenas cinematográficas de la película que Molina le va contando a Valentín, su compañero de celda. En ese ambiente tan claustrofóbico de una celda, salir al mundo de la imaginación es necesario, pero el director lo dosifica de manera tal que consigue en el espectador una absoluta implicación. Seguramente la interpretación de William Hurt y de Raúl Julia en menor medida, logran que la historia avance de manera interesante. Película que hay que ver más de una vez y así descubrir la riqueza de temas que el director ha sabido sacar del guión y de la novela.
