Con una evidente carga autobiográfica, Fellini nos cuenta la vida de unos jóvenes de provincia y nos retrata su hastío y tedio. Unos jóvenes ociosos que no hacen nada para trabajar ni ganarse la vida, viven de sus familias y a los que sólo les interesa ir con los amigos y las mujeres (¿os suena?). Un cine moral y humanista pero no por ello menos personal.

La película está vertebrada por una historia principal, la del joven matrimonio, y a su alrededor van apareciendo episodios en los que vemos al resto de personajes (y el estancamiento en que están sumidos). Ese núcleo principal es lineal en su desarrollo mientras que el resto de situaciones tienen muchas veces el ritmo de recuerdos (no siempre, también hay subtramas construidas de forma “normal”), como si Fellini los reconstruyera siguiendo los fogonazos caprichosos de la memoria. Ahí cobra importancia la voz en off del narrador, una extrañísima voz que plantea dudas sobre su origen (¿es el hermano de Sandrina, es el propio Fellini?).

Por ello esta cinta tiene una doble vertiente. Por un lado una narrativa más clásica, en la que Fellini demuestra su capacidad para contar una historia manejando perfectamente el guión y logrando una perfecta conjunción con la imagen (la película avanza muchas veces con el mínimo uso posible de la palabra, apoyándose en gestos, miradas y frases a medias). Pero también atisbamos ya cierto barroquismo aunque desde el realismo (es pronto para la vertiente más abstracta que después tomaría su cine), anticipando algo de su posterior iconografía: el carnaval, la forma de retratar la tienda de antigüedades, las calles vacías y el viento, los amigos una mañana en la playa, el tonto del pueblo con la talla del ángel... y, por supuesto, la música de Nino Rota generando esa atmósfera tan particular de las películas de este director. Es, por tanto, un Fellini más sosegado y menos artificioso que en su etapa posterior, pero la semilla del cine que le convertiría en una auténtica figura está muy presente.

En todo caso a mí me parece una película pequeña pero en ningún caso una obra menor, igual de válida que su posterior cine y con un final antológico: los travellings sobre las camas de los amigos, como si el tren pasara por sus habitaciones dejándolos atrás demuestra que Fellini no era sólo fuegos de artificio (por si alguien lo piensa), Fellini era un director dotadísimo al que su formación como guionista le permitía completar lo escrito mejorándolo con la imagen.

Bloomsday

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Pues eso, que el mundo va hacia algo parecido o eso dicen. Y si no es por una pandemia será por el cambio climático y los glaciares, por una invasión extraterrestre o por algún acomplejado con armas nucleares a mano. El caso es que lo tenemos crudo. Eso sí, sea lo que sea será culpa nuestra. Así que lo de los extraterrestres como si no lo hubiera puesto.

Cuarón se marca un futuro pseudo-apocalíptico con trama de persecución de ésas de cámara al hombro, fotografía sucia y sensación de cercanía, verosimilitud, realismo exacerbado en apariencia, etc etc. Hasta desenlace a lo Black Hawk derribado. Que no falte de ná. Entretenida, a ratos emocionante y siempre correcta. Quizás la obsesión del director por lograr un producto asequible dentro de un metraje llevadero y con ritmo provoque ciertas precipitaciones (bastantes precipitaciones a decir verdad). Así, un inicio y un desenlace muy interesantes se ven lastrados por una parte central peor resuelta visual y narrativamente.

Evidentemente no es una película comercial al uso. Pero sus pretensiones lúdicas creo que pueden despistar a un buen número de aficionados al no encontrarse con un producto para todos los públicos, pero tampoco una frikilada de ésas a las que algunos son tan aficionados.

En cuanto a que no da explicaciones (las dudas ya las han planteado otros usuarios) ¡Qué más da! Todos sabemos lo que pretenden decirnos ¿no? Pues trabajo realizado. Esas ansias de aclaraciones acabarán por matar el poco cine imaginativo que nos va quedando.

Las mujeres no pueden tener hijos. Vale. Se insinúa que es por la propia dejadez e instinto de autodestrucción del ser humano. ¿Qué más necesitamos saber?¿queremos que nos cuenten las correrías de una bacteria determinada o qué?

El proyecto hombre. ¿Qué queréis que nos expliquen al respecto? Van para allá ya que, fíjate tú qué cosas, no tienen tampoco muchas más opciones. Es un viaje, una odisea hacia la esperanza, la luz en el túnel entre tanto pesimismo. Podemos sacar conclusiones nosotros mismos.

Y luego los peces. Todas las dudas planteadas en esta página sobre el grupo terrorista están transparentemente explicadas en la película. ¿No se sabe el motivo de su lucha?¡Pero si tiene hasta su correspondiente línea de diálogo explicativo!

Por el debate que esta cinta ha generado puede parecer que es confusa. En absoluto.

Bloomsday

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Pues yo, que de los videos de Gondry nada de nada... No le hice caso a los Foo Fighters (irritantemente más conocidos que los Screaming Trees o Afghan Whigs) porque no me gustan, y con Björk tres cuartos de lo mismo... Y no suelo perder el tiempo en video clips. Prefiero perderlo leyendo o viendo cine o escuchando música sin imágenes que aderecen las estrofas, estribillos, fraseos o lo que sea. Es decir, que lo valoro desde su cine y no tengo una perspectiva muy amplia de su trayectoria. Cosa siempre negativa no crean, ya que no permite analizar en profundidad y desde todas las esquinas. Pero es lo que hay y no pienso ponerme a revisar la mtv... Además, se me ocurren pocas cosas que me den más pereza que ver vídeos de Gondry o Jonze.

Quiero decir, me gusta el cine. Pero no soy un encandilado del talento audiovisual “puro” de algunos de estos gurús de la modernidad. Lo dejaremos en supuesto talento audiovisual en todo caso. No nos pasemos.

Y es que a mí Gondry, como director de cine, qué quieren que les diga. Aún me tiene que demostrar las dotes de un narrador, ésas no se las he visto por ningún lado.

Y sí, la excusa onírica-onanista, la libertad, el surrealismo... está muy, pero que muy bien. Pero hasta Lynch narra portentosamente. Y a partir de ahí extrae atmósfera. Aquí el refugio de lo onírico e irreal está bien ejecutado, pero no conmueve al estar mal contada esa historia de inadaptación, de búsqueda, de desamparo neurótico. Gondry sin embargo prefiere acumular minutos musicales y efectismos, ofreciéndonos un espectáculo bastante ligerito en última instancia. Y esta cinta nunca debió ser ligerita. Ya que te pones, la haces bien. Que se vea que detrás hay un grito, una personalidad mostrando sus miserias. Una defensa de la creatividad que vaya más allá de lo puramente superficial. No sólo un bonito envoltorio.

Estoy seguro de que en el futuro me tendré que comer mis palabras, casi seguro. Pero hoy por hoy mis palabras son éstas. Ya veremos.

Un narrador te hace partícipe de lo que cuenta. No sólo busca fascinar con destellos de colores, iluminaciones varias y cámaras con vida propia. Ésos son los recursos. Aquí la historia de amor-desamor-desesperación es fría, desangelada, lejana. Casi una bobería que no arranca. El guión no es gran cosa, es cierto, de una simplicidad casi sonrojante escondida bajo el palio de la vanguardia libre y “modenna”. Pero yo apunto a Gondry directamente como causante de tal puerilidad. Su imaginería visual es tan rica como escasa su capacidad narrativa y de cohesión. Incluso se me antoja repetitivo, además, en gran parte de sus recursos. Como, por otra parte, suele ser normal si usas y abusas de los excesos en la factura, excesos en las pretensiones de alocada comicidad y excesos en la búsqueda de una atolondrada introspección. Gondry se despeña al no darse cuenta de que, en el cine, tiene hora y 45 minutos para forjar algo más que destellos.

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En todo caso la peli es interesante en mi opinión. Le falta corazón, le falta alma... La implicación emotiva del espectador es sosa, floja. Pero eso sí, le sobra independencia e inventiva visual. Y eso vale un 6.

Felicito a todos los que encontraron la implicación que a mí me falta. Eso fui yo buscando y eso fue lo que no encontré… Otra vez será.

Bloomsday

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Supongo que Kubrick, de vuelta de todo, decidió hacer una película puramente sensitiva en la que desatar todo su carácter de esteta y hacer hincapié en la técnica cinematográfica (planificación con cámara, música, iluminación y actores) que, bien usada, es capaz de emocionar por sí misma (obvio aunque olvidado), de trasladarnos y de dar un reflejo de lo más oscuro y abstracto de nosotros mismos. Esa visión, por mucho reflejo que sea, me parece más clara que metros y metros de diálogos rohmerianos, composiciones desnudas bressonianas y demás historias.

Comprender es imposible, entender absurdo. Kubrick nos pide que seamos parte de su cine para así conectar con la pausa y la belleza de un plano, de una secuencia de tensión, con una música crispada. A partir de ahí entenderemos. La película es aburrida y confusa. No hay otra forma de hacerla.

Historia, metáforas, explicaciones, interpretaciones... ¿Por qué empeñarnos en que la relación ojo-cerebro sea el único camino siempre? Las perversiones e inquietudes es mejor no entenderlas.

No me obsesiona que trate del poder (mucho de esto hay), la fidelidad y la complejidad de las relaciones de pareja (el origen literario es éste y por ahí muchos se agarraron a este clavo y, ojo, el clavo existe y del tema se habla expresamente) o del 11M. Todo esto es una fracción de lo que nos llega pero no es definitivo ni definitorio en esta película.

Kubrick cerró su vida y su cine dándonos una lección maestra. El camino para acabar con aquello de que la literatura se presta a una profundidad psicológica mayor en sus personajes que el cine. Se presta a una mayor “explicación” de esa profundidad. El cine está mejor dotado para crear un vínculo íntimo con el desorientado espectador, que de tanto pensar y buscar literatura en los fotogramas acabará congratulándose de "comprender" el mensaje oculto, ¡oh, divino tesoro!, y olvidándose de que esto es cine. Kubrick no esconde un mensaje, lo modela para nuestro ojo y nuestro estómago. El cerebro aquí es secundario.

Final de Kubrick y final de Eyes Wide Shut. Y es que el cine de Kubrick siempre fue mucho más follar que hacer el amor.

Bloomsday

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Haneke me parece un tipo arrogante que hace películas contenidas y, a la vez, pretenciosas (se considera una especie de adalid de la verdad que nuestra sociedad capitalista y pequeño burguesa insiste en ocultar), que suele lograr buenos resultados (no magníficos resultados) pero siempre por debajo de sus ínfulas.

Está claro que no es un thriller al uso aunque la película entretenga (no la considero aburrida en absoluto); es una reflexión sobre la incomunicación (he visto este tema con recursos parecidos en otras películas mucho mejores), la estructura de la sociedad, sobre lo calentito que se está en algunas posiciones, el miedo a perder tu ubicación, la desconfianza racial, la paradoja de que las grabaciones audiovisuales (normalmente refugio y anestesia del burgués, que mantienen escondido o edulcoran lo que puede molestar) se usen en contra del protagonista, la ausencia de reconocimiento de la propia culpa y responsabilidad etc. Y siempre con la violencia como telón de fondo que parece (para este director) el elemento de cohesión que da sentido (o sinsentido) a nuestras vidas. El retrato constante de la violencia (física, moral, psicológica...) puede ser un punto interesante de partida, estoy de acuerdo, pero Haneke, desde su atalaya de autoridad moral, insiste en que su cine sea mucho más simple y superficial de lo que se dice (reflexiono sobre temas mucho más sobados de lo que parece, les doy una apariencia fría y cruda, y trato de generar desasosiego para que no me digan que soy aburrido).

Esta cinta no me parece en absoluto compleja. Puede que lo parezca pero es por su afectación, petulancia y por una separación emocional al mostrarnos los personajes que puede ser curiosa pero que acaba, casi siempre (y no hablo sólo de Haneke), siendo contraproducente. Sigo pensando que la mejor manera de reflexionar en el cine es trabajando una buena historia, que el espectador conecte con los personajes y mostrar más que contar (entretener, emocionar... pero no únicamente aleccionar). Haneke insiste en darnos clase. Es un profesor de filosofía que filma, no un director de cine. Ya sé que trata de que cada uno saquemos nuestras conclusiones según lo que llevemos dentro, pero me parece que esto tampoco lo consigue. La película deja poco lugar a la interpretación, es muy poco ambigua y no nos deja tanto margen como predica el austriaco.

El cine de Haneke es correcto, interesante, incluso entretenido. Pero cuando leo que ver a Isabelle Huppert cortándose los genitales es un no sé qué catártico que subvierte no sé qué códigos y no sé qué estímulos es cuando doy un paso atrás y me cubro. Haneke es un tipo que hace películas interesantes, trata temas interesantes y que sin ser el más complejo ni profundo de los cineastas nos permite ver algo de cine medianamente inteligente y alejado de convencionalismos. Atribuirle más me parece exagerado.

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¿Final abierto? No creo que lo sea en absoluto. La interpretación de Cassavetes también se me ocurrió y hubiese preferido que Haneke no diera explicaciones en ese plano final (que no me parece confuso, de hecho creo que sobra por tratar de justificar, explicar...) para poder entregarme a gusto al terror que me provocaba la sensación de que Haneke filmaba la salida del instituto, que lo seguiría enviando a algún sitio, que más que un director de cine era un vigilante de nuestras miserias, miedos y resentimientos..., la vuelta de tuerca a Niebla de Unamuno (como se ha dicho). Una interpretación interesantísima, pero Haneke nos pone la chinita para que vayamos por otro camino. Triste pero es así. Es el ejemplo perfecto de la forma que tiene este director de falsear sus intenciones de asepsia, no dejándonos tomar conclusiones propias (las podemos tomar claro, pero “pese a” y no “gracias a”).

Hay un mensaje fundamental que el director no quiere que pase desapercibido, nos guía por el camino que él intuye fundamental en nuestras vidas. Además emplea un punto de partida típico del cine de suspense y se regodea en él durante el metraje, Creo que Haneke elige el suspense no por su utilidad para lo que está contando; lo elige por la fascinación que cree que va a provocar en el espectador (recursos como imágenes del niño sangrando así lo corroboran) y esto me parece que encaja poco o nada con la asepsia que luego pretende atribuirse (ese distanciamiento también puede ser un recurso fílmico, pero en Haneke cada vez me parece menos un recurso moral, que es precisamente lo que él defiende). En definitiva creo que Haneke busca mantenerse en la postura tan “cool” intelectualmente de la ambigüedad, del tratar al espectador como un igual, de la separación con los personajes para no emitir juicios que luego sí emite (es lógico por otro lado que un autor emita juicios en su obra, aunque fuera la filmación directa de la realidad sería ya un jucio, ya que eliges lo que quieres poner o no). Todo pose, Haneke nos trata igual que Michael Bay. La diferencia es que Haneke nos supone cierta formación mientras Bay cree que somos subnormales.

Bloomsday

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