Quien diga que Gondry no es nadie sin Kauffman se equivoca profundamente. Y es que este nuevo proyecto salido de la mente del peculiar cineasta francés viene a regalarnos otra vuelta de tuerca de hipnotizantes imagenes acerca de los rincones de la mente y los sueños, de su poder, de su peligro y de su dualidad con el mundo real; todo ello contado a traves de los ojos de un joven soñador empedernido perdidamente enamorado de su vecina de piso y que en una sucesión de arrebatos casi oníricos y surrealistas acaba confundiendo realidad y ficción dañando sin quererlo a los que están a su alrededor.
Stephane y Stephanie, dos almas singulares, uno perdido en sus sueños, la otra en sus pequeñas obras de arte, en sus piezas de artesanía que Stephane utiliza como via de introducción a su mundo interno y poder llevar consigo a la melancólica Stephanie. Todo ello mediante una atmosfera tremendamente artesanal, caracterizada por un uso del cartón-piedra que otorga al mundo imaginario un peculiar a la vez que adorable aspecto éstetico que pretende resultar cercano, cálido, y lejos lo más posible de digitalizaciones y fría tecnología. Su propio universo interno, especialmente representado en un pequeño cuarto que simula un estudio televisivo en el que nuestro confuso protagonista ve su propia realidad a traves de dos pequeñas ventanas, no es más que otro rincón mental en el que Stephane acaba transformando lo que és en lo que podría ser o en lo que él quisiera que fuera.
Por ello no es difícil en ese sentido no setir lástima por el pobre Stephane, por su comportamiento infantil y sus ansias de que todo fuera como en sus sueños, de que su amada le correspondiera y de que su imaginería fuera más real de lo que en realidad es. No se puede decir que el amor no correspondido sea algo nuevo para nosotros. Muchos lo conocemos por propia experiencia, por haber experimentado esa misma impotencia y esa misma crudeza que la realidad te estampa en la cara. Comportandonos como niños cuando la gente que se encuentra a nuestro alrededor no ve las cosas de la misma manera que nosotros, no entienden nada, nos encerramos en nuestro cuarto mental y empezamos a crear mundos mejores en los que poder campar a nuestras anchas. Y es que aunque Stephanie fuera más consecuente con la realidad que Stephane y se sintiera a veces tan acosada por el infantilismo de él, ella tampoco podía evitar dejarse llevar por su mundo, por sus hermosos sueños a lomos de un caballo de trapo en una pradera desierta, o en mitad de una cueva en medio de aparatos de tela y algodón, en mitad de una conversación telefónica en la que el sueño se superpone a la realidad, deseando estar ahí junto a él. En el fondo ella también quería soñar. Simplemente con un barco con arboles, un mar de celofán, unas nubes de algodon y en mitad los dos amantes, cual Romeo y Julieta en su mundo de sueño eterno.

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Gracias a un guión inteligentemente visual y a una fotografía cálida y nostálgica caracterizada por un uso dual de los colores en el que la realidad de las calles es casi siempre fría y el personal mundo de Stephane es siempre cálido, y a una banda sonora evocadora y sin estridencias en la que la suposición de sus notas es más importante que las notas en si mismas, Gondry ha creado una nueva película que se transforma en obra de arte, en un universo peculiar de sueños, locuras, y amor, en la que ambos amantes acaban haciendose querer de manera mucho más sincera, humilde y humana que muchas personas de las que pueblan este falso mundo.

Y es que al final, de la misma manera que "Amelie", "La Ciencia del Sueño" acaba introduciendonos en el alma de sus personajes, en su propia piel y en su propios ojos, haciendonos sentir a aquellos que tenemos corazón un bienestar infinito, producido por la alegría que produce el saber que aunque la mezquindad campe a sus anchas en el cínico mundo en el que vivimos, siempre podremos adentrarnos en esos personajes cálidos y sinceros, humildes y soñadores cuyo unico mal no es otro que no parar de soñar.

El Fauno

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Al contrario de lo que se viene diciendo, personalmente yo creo que "La vida secreta de las palabras" es sin lugar a dudas la mejor película de Isabel Coixet. Con unos personajes trazados de una manera increíblemente realista y humana y con una hermosa fotografía y un guión repleto de palabras invisibles, la directora catalana nos ha regalado una maravillosa aunque dura historia acerca del amor como una vía esperanzadora para escapar de algunos hechos pasados que resultan imposibles de olvidar; pero también acerca de lo "extraña" que puede ser la vida cuando en un momento inesperado te "obsequia" o te "confunde" arrastrándote hacia personas que pueden suponer un haz de luz entre las tinieblas o una tormenta que se aproxima a un mar hasta ahora en calma aunque sin sol.
Sarah Polley ha llegado del mismísimo cielo para darnos una gran interpretación de un persona perdida en sí misma y sin querer salir de su propio laberinto interno por miedo al dolor y por verguenza a lo vivido. Tim Robbins la secunda de una manera más que digna convirtiéndose en la persona que utiliza la vía de las palabras pronunciadas a mansalva y sin cesar por miedo a que en uno de los silencios todo se venga abajo. Los secundarios son todos magníficos, desde Javier Cámara (en un papel muy "delicioso") pasando por el contador de olas (un personaje admirable) hasta llegar a esa pareja de hombres que por un revés del destino han acabo encontrándose en una peculiar situación y terminando con ese pequeñísimo cameo de Leonor Watling que aunque brevísisimo resulta magnífico para poner la guinda a una película a la que no le falta ni un minuto de su metraje.
Ojalá que la Coixet nos siga deleitando los sentidos con estas grandes películas humanas que llegan al corazón y continue representado los sentimientos humanos con esa gran maestría digna de los grandes directores.

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Sobrecogedora, Fantástica, Maravillosa, Increíble resulta la canción de Antony and the Johnsons

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La verdad es que esta es una película que se presta mucho a ser despreciada u olvidada tras un primer visionado. Y digo esto porque es algo que, como he podido comprobar en diferentes críticas aquí expuestas, le ha sucedido a más de una persona, entre las que me incluyo. La primera vez que ví este film ciertamente no entendí practicamente nada, aunque eso si la belleza de las imagenes era de tal calibre que al final la comprensión de lo que se me estaba contando era para mi lo menos importante. Era como estar contemplando una obra de arte abstracto compuesta, no por locas pinceladas sin sentido, sino todo lo contrario, con pinceladas totalmente controladas hasta el milímetro que en su conjunto creaban un hermosísimo paisaje para la vista. Eso si, uno no se daba cuenta de ese controlado conjunto de imagenes, en el que absolutamente no sobra ni una y cada una es presentada a su debido tiempo, hasta que visionabas la película al menos una vez más, y fue lo que a mi me acabó ocurriendo. Me animé a volver a ver "Mulholland Drive" (ya que tenía muchas ganas de volver a ver a Naomi Watts en acción) y fue entonces cuando descubrí esa verdadera esencia onírica que me envolvio y me dejo anonadado.
De todas formas de nada sirve repetir lo que ya se ha dicho aquí mil veces. Por supuesto les doy un consejo a aquellos espectadores (demasiado vagos para estrujarse el coco) que pongan un poco de su parte, que hay veces que el cine necesita del espectador para poder seguir adelante, para que una obra de arte pueda tener sentido; si lo que hacemos es sentarnos y no trabajar la mente pues nos quedaremos en entes meramente vegetativos viendo únicamente mier...s fílmicas "tomcruisianas". No se si me entendeis. Seguro que los más avispados si. Con este comentario totalemente espontaneo no quiero parecer arrogante ni irrespetuoso ni mucho menos sino hacer un llamamiento a que os animeis a darle sentido a las cosas y no seais meros espectadores, ya no en el ambito del cine sólamente, sino en la vida en general.
Cambiando de tercio no podia dejar de comentar las enormes actuaciones de las que aquí podemos disfrutar tanto por parte de Laura Elena Harring como por parte de su compañera de reparto la siempre magnífica y versátil Naomi Watts que personalmente es con la que me quedo ya que realiza una interpretación sumamente maravillosa y enormemente triste. Quién no ha sentido alguna vez esos celos y ese amor... Pufff. Cierto es que este es uno de los mejores trabajos de Naomi pero recordad tambien aquella película de hace unos pocos años, también muy buena, "21 Gramos" en la que la Watts realizaba a mi parecer la mejor interpretación del film. Sean Penn no estaba nada mal pero ya me esta empezando a cansar, siempre los mismos tics y los mismos recursos en todos sus roles. Creo que esta bastante sobrevalorado.

(No Es Spoiler)

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Finalmente de entre todas la maravillosas escenas de la película me quedaría con la del "Club Silencio" (imposible no emocionarse con "Llorando") y la escena de amor en la cama en el apartamento de Betty entre ella misma y Rita, pero no por el morbo ni mucho menos, sino por lo emocionante que es y lo bien hecha que esta.

Lo dicho disfrutad al máximo de esta pieza de coleccionista del Septimo Arte porque hay pocas hoy día y a aquellos otros que tanto la despreciais os pido que por favor la veais al menos dos veces para tener total conocimiento de lo que criticais. Seguro que las tornas cambiarían mucho. Pero bueno no se le pueden pedir peras al Olmo asi que no me esforzaré. Tan solo con ver cuales son las películas favoritas de esa gente lo endiento todo. Se puede decir mucho de una persona por el tipo de películas que le gustan, aunque eso no es algo nuevo y algunos que ya han hablado por aquí creo que lo saben.

P.D= Quiero mandarle un saludo a PUCCINI007 por las excelentes críticas que escribe y el enorme gusto fílmico que posee. Nada más.

El Fauno

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Es una pena que el director Gore Verbinski no hubiera sido el elegido para dirigir, de nuevo, esta secuela del exitoso remake americano de la película "The Ring" porque sin duda alguna habría hecho un film mucho más entretenido y con mejor ritmo, además de haberse controlado mucho más en los efectismos, algo de lo que en esta película se abusa de manera brutal y en demasía. A Hideo Nakata se le subió la fama a la cabeza a una velocidad de vertigo; resulta increíblemente irónico y triste que el creador de esta interesante historia de terror, que tan bien comenzó, haga un remake para Hollywood de su propio film y lo consigua destrozar de una manera semejante quedandose simplemente en un producto mínimamente interesante y "cuasi"entretenido. Lo que consigue salvar la cinta es la presencia de esa gran Naomi Watts que ya nos ha regalado su talento en varias ocasiones en registros de lo más dispares, desde el dramático al cómico, habiendonos dejado con unas magníficas interpretaciones y además habiendo conseguido sustentar películas que sin ella probablemente poca vida habrían tenido. Por otro lado junto a ella se encuentra ese misterioso "actorcito" que promete bastante y que consigue ser, al igual que Naomi, un gran soporte para que consigamos terminar de ver la cinta sin estar a punto de apagar.
Soy un gran fan de la película de "The Ring" y en general de las películas de terror (que no de gore) y me quedé algo decepcionado al ver como su secuela le bajó tanto el liston a esa gran primera parte y que debería quedarse como la única. Menos mal que no fue el mismo Nakata el que reversionó su propio film "Dark Water" siendo sustituido por un Walter Salles bastante sobrio y mucho mas controladillo, aunque con un puntillo soporífero. (Al igual que con Naomi, en ese caso Jennifer Connelly ayudaba a sustentar el film)
Lo dicho, es una pena que con credenciales como "Piratas del Caribe" y "The Ring" Gore Verbinski no se pusiera al frente de esta secuela (y de otras sagas necesitadas urgentemente como "Tomb Raider") a la que se le podría haber sacado mucho más jugo. En su lugar nos queda una cinta mucho más plana y acartonada que la anterior y con un abuso demasiado pronunciado de efectos especiales que la convierten en un carnaval loco de chorros subiendo y bajando. Se queda en "algo" interesante para pasar el rato y saber como acaba todo pero poco más.

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Dura, Emotiva, Imparable, Violenta, Terrorífica, Dramática, Visualmente llamatíva, Argumentalmente atrayente, Formalmente bien llevada. Secuela reinventada gracias a una gran dirección a cargo de un prometedor director que aún con sus ramalazos de esporádica violencia gore consigue dotar al conjunto de una frescura y dinamismo difíciles de ver en tierras españolas. El tinerfeño debuta en el extranjero con una historia que bien podría haberle sepultado a los anales de chafados directores embaucados por el sueño de fama. Recordemos que "secuela" y "zombie" no son palabras que otorguen mucha garantía de calidad y es por ello que Fresnadillo tiene un doble mérito al haber conseguido pasar la prueba reinventando una película de zombies que bien podría haber caído en las mismas claves del éxito de su antecesora.
De esta forma podría considerarse de manera más que acertada el identificar ambas cintas dirigidas por Boyle y Juan Carlos como el referente moderno del Alien de Scott y la secuela de Cameron. En ambos casos el éxito se dió gracias a la creación de una fórmula diferente, la cual debía poseer la misma esencia pero con diferentes ingredientes. Por ello, aún considerando que tanto "28 Semanas Despues"como su precuela forman parte de una misma saga tampoco es fácil identificarlas como tal ya que sus elementos comunes son muy escasos. Exceptuando la historia que gira entorno a un Londres devastado que está siendo repoblado tras que lo diezmara un virus, tanto el aspecto visual, como argumental no poseen absolutamente nada en común.
Sin duda las grandes bazas de estas 28 semanas son la frescura de su tratamiento y el carisma de una historia y unos personajes que intentan huir del tópico, con éxito en la mayoría de ocasiones, a pesar de que en algunas otras tal objetivo no se consiga. En cuanto al guión, sabe desarrollar acertadamente la historia haciendo gala de algunos detalles verdaderamente originales y con un recorrido a través de la ciudad en el que procura crear situaciones diferentes a las habituales pasando por escenarios en los que Fresnadillo localiza el terror tanto a la pálida luz del día como en la más intensa oscuridad, intentando equilibrar su película en torno a unos géneros que se mueven entre el terror zómbico, el drama familiar, o la acción más frenética, cayendo en favor del primer género con claros tintes del segundo. Su acierto es notable ya que pocas veces podemos decir que una película con un terreno tan marcadamente frío a nivel dramático como el de los zombies reclame sentimientos tan humanos como son amor o traición.
En esta complicada cruzada el canario debe gran parte de los agradecimientos al compositor John Murphy que sabe adecuar cada corte musical a un determinado momento, invocando emociones muy dispares y ajenas al tipo de película que nos ocupa.

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A nivel interpretativo, la joven Imogen Poots y la omnipresente Rose Byrne son las dos figuras femeninas que más destacan en el reparto, aportando un mínimo de sentido común al film.
R. Carlyle consigue aportar credibilidad a nivel dramático y a pesar de que su personaje no tenga del todo claro su recorrido físico tampoco es algo del todo relevante. En conjunto cumplen notablemente aportando verismo a un género en el que tal cosa cada vez es más difícil de ver.
En definitiva el equipo del que ha gozado el canario habrá supuesto un gran soporte pero no hay que olvidar que uno de los mayores aciertos viene de su propia inventiva, y es el haber dotado al film de una imagen subjetiva para con los infectados. Fresnadillo sabe la técnica, y sabe perfectamente que un plano sobrio y estático encima de un trípode o con un ligero movimiento no crearía el efecto deseado, la ridiculez de la propuesta se acrecentaría a raudales, ya que el frenetismo del que hace gala un infectado no concordaría con la enorme quietud de un plano en el que todas las exageradas expresiones de dicho personaje se verían aumentadas a un nivel casi enfermizo y ridículo. Es por ello que sabe que la mejor forma de conseguir lo que busca es "infectando" la cámara junto con los propios infectados. Los rápidos movimientos nos impiden la recreación, buscando aterrorizar más con la imaginación que con lo que uno pueda ver en pantalla, lo cual tampoco le exime para gozar con algunas secuencias de una violencia plástica aplastante.
El canario sabe que a día de hoy asustar con un zombie no es facil. La gente lo tiene todo visto y en el género del terror aportar frescura se vuelve cada vez más complicado. El chicharrero ha cumplido y afortunadamente no ha caído en el tedio ni en el fracaso, recogiendo el ritmo y dinamismo adecuado aderezado con un halo de drama humano muy bien llevado junto a grandes dosis de acción y terror para mezclarlo todo en su justa medida creando un producto que sabe aunar muy acertadamente la comercialidad y la calidad como un elemento único que cada vez es más difícil obtener.

SPOILER

A nivel global Fresnadillo posee algunos momentos de gracia que consiguen crear secuencias de una gran efectividad y emoción.

Secuencias: El metro a oscuras y la mira nocturna de una escopeta. Una casa a oscuras, un niño que llega, una sorpresa desagradable y un abandono. un parque solitario, un helicóptero y una horda de zombis. Unos jóvenes fuera de la zona segura, un recorrido en motocicleta, una casa vacía, y un familiar infectado. La llegada en tren y en el aeropuerto.

Momentos: La ciudad desde el cielo, el desasosiego que producen dichas imágenes. Un tunel subterraneo, gente corriendo, y una explosión. Dos manos cogiéndose mutuamente. Una lágrima de sangre clayendo de un ojo. Un beso mortal. El "no" de la hermana a la atemorizada pregunta de su hermano ¿soy uno de ellos?. Finalmente, la torre Eiffel en un hermoso amanecer, delante de ella... infectados.

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