Vale, lo reconozco, me impresionó la película. Como amante del expresionismo alemán (como dato diré que "Nosferatu" y "Metrópolis" son dos de mis películas de cabecera...) disfruté de lo lindo de toda la iconografía y la factura de este film, a caballo entre el videoarte y el cine, pero manifiestamente a la hora de lanzar un discurso cinematográfico original que sepa captar la atención del espectador. Si nos olvidamos de las florituras visuales -que son prácticamente lo único importante de este estiloso y pretencioso film, lo que nos queda es bastante poco: la historia de dos niños, una niña cuidada por su padre y su abuelo, y un niño sin ojos cuya madre intenta que todo salga adelante en un cruel mundo lleno de intereses y tejemanejes extraños (más propios de un folletín de espionaje). La simbología, tomada como referencia en todo el film, cercana al surrealismo del mismísimo Buñuel (la herida en la mano de los personajes es una referencia a "El perro Andaluz") y a Dalí (tales son sus reminiscencias visuales, sin exagerar y todo muy bien resuelto...) llega a cansar por lo repetitivo y cansino. Lo que si es verdaderamente sorprendente es el uso de los títulos y del sonido: un experimento fílmico a todas luces encomiable pero ¿es el acertado para hacer una película con ello? Los experimentos, con gaseosa, tratándose del cine. No ya por la comercialidad, sino por el resultado final y la posible capacidad que pueda tener a la hora de conectar con el espectador. Cierto es que hay muy pocas iniciativas originales a la hora de renovar el lenguaje cinematográfico, pero hacerlo es correr con un riesgo extremo -quizás las últimas que recuerde sean "Memento", con impresionante juego de los tiempos cinematográficos y "Sin City", que aunque deficiente en su guión, con hallazgos visuales espectaculares, sin olvidar los "300" de Zack Snyder o la macarrada de "Speed Racer", que bebe también de "Sin City" en cuanto a chroma y fondos insertados digitalmente-. Todo buen cinéfilo ve este voluntarioso film con una sonrisa en los labios y un gesto cómplice (al recordar lo más florido de varias tendencias cinematográficas) pero eso no es suficiente para articular la historia en esta cinta, que se ha quedado en lo que pudo ser y no ha llegado a ser.

Federico_Casado

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En una sociedad donde casi no hay cariño, ni comunicación, ni ganas de ayudar los demás... ¿cómo sobrevivir? Es precisamente en ese entorno donde exsten sucedáneos de casi todo, que nos ayudan a seguir adelante. Cuando en la década de los setenta Luis García Berlanga dirigió "Tamaño Natural", con Michel Piccoli, muchos se echaron las manos a la cabeza, esgrimiendo estúpidas letanías "contranatura" y demás litigios religiosos. Lo que no se imaginaban todos esos detractores es que en el siglo XXI la visión del cineasta valenciano ha sido casi profética, existiendo en Japón (una de las sociedades presuntamente más avanzadas del mundo) agencias de compra/venta/alquiler de muñecas realistas, e incluso hoteles que ofrecen fines de semana con muñequita incluida. Todo eso ya ha estado en las portadas de los informativos, y a nadie sorprende ya el uso de las muñecas hinchables como sustitutas sexuales de las mujeres. Pero ¿qué pasaría si la sustitución no fuera sexual, sino emocional? Esa es la originalidad del planeamiento de este film, que sitúa a un tímido chaval de una fría localidad al norte de los Estados Unidos en un momento crucial de su vida, ya que tuvo que aguantar solo la viudedad de su padre cuando su hermano se largó de casa para hacer su vida, y ahora se ha convertido en un autista emocional, incapaz de tocar o ser tocado por nadie. Ese mismo chaval se inventa una novia cuando recibe su muñeca "realdoll" (que existen en realidad y en efecto, tienen un realismo sobrecogedor). Cuando la doctora le reconoce, intenta ayudarle haciendo que todo el pueblo finja que la muñeca es un ser vivo como los demás... Precisamente ahí está el gran problema de "Lars y una chica de verdad": oscila entre dos frágiles tonos que con frecuencia son traspasados y no terminan de encajar. Por un lado tenemos un cuento en clave de realismo mágico, que fuciona y emociona. Pero por el otro, tenemos un drama sentimental en la que un pobre chico no se atreve a vivir la vida como debe hacerlo. Ryan Gosling está convincente en su papel protagonista, aunque se echa en falta algo más de profundidad en el dibujo del personaje. Una historia algo tibia, para lo que podía haber sido un acercamiento mucho más interesante al tema de la soledad, la incomunicación y la inseguridad emocional.

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Hablar de Ken Loach, es hablar de uno de los grandes pesos pesados actuales del cine británico, europeo y mundial. Si bien es cierto que su heterodoxia a la hora de hacer cine le ha valido más de una crítica y unas mas que ácidas revisiones -entre otras, las mias- ahora parece haberse centrado mucho más en hacer lo que sabe hacer: denunciar de una aguda e incisiva manera los problemas cada vez más acuciantes de la sociedad actual. Pero ya no coge a actores no profesionales para hacerlo, sino que cuenta con intérpretes de verdad para dar vida a sus personajes (ojo, que el cine parece real, suena a real, pero no lo es; por lo que es un craso error coger a un albañil para que haga de albañil...). En esta ocasión, tras haber fustigado la política, la historia, y el paro, Loach toma a una incansable trabajadora como ejemplo para traslucir lo que podríamos llamar "llegar a la prosperidad". Claro que para llegar a ese bienestar hay que dejar por el camino demasiadas cosas, entre otras los escrúpulos. Todo gira sobre un personaje que monta una agencia más o menos ilegal de contratación de inmigrantes en Inglaterra, y todas las vicisitudes que pasa para sobrevivir, ella, su socia y la empresa en definitiva. La narración de "En un mundo libre" es ágil aunque austera -algo ya marca de la casa en el cine de Loach- y el caustico guión de Laverty, habitual de este director, consigue situarnos eficientemente en un entorno aparentemente miserable, pero cargado de una grandeza y humanidad inusitadas. A destacar la brillante banda sonora y la factura, escueta pero contundente. Esto es realismo social bien entendido, con drama, intriga, humor. Esto es cine, la fábrica de sueños. O de las pesadillas.

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De acuerdo, no añade nada nuevo a lo que ya sabíamos de la dramática situación en las favelas (chabolas) de Rio de Janeiro. Tampoco sorprende por los brutales métodos de entrenamiento militar (que para eso ya hemos visto "La Chaqueta Metálica" y demás...) pero lo cierto es que "Tropa de Élite" es capaz de conmover hasta lo más hondo. Quizás por estar narrada por el Capitán de un grupo paramilitar de élite que controla a la propia policía brasileña, corrompida hasta el tuétano por los narcotraficantes. El poder mirar la realidad de un personaje tan extremadamente curtido desde una óptica poliédrica -con un matronio de conflictiva relación, un hijo a punto de nacer, replanteamientos vitales durante todo el tiempo, la humanidad bajo la coraza de brutalidad y fuerza...- es lo que aporta de originalidad este estremecedor relato, que muestra una visión completamente traumática de la sociedad brasileña, que o bien mira hacia un lado, ignorante e inconsciente de lo que realmente sucede, o bien participa de toda la corrupción porque todo está tan, tan corrompido que no entrar en la podredumbre es casi inconcebible. Igual que sucedía en "Ciudad de Dios", se establece un estilismo visual muy destilado en el film, aunque quizás en esta ocasión sin tanto lirismo como el trabajo de Meirelles; todo alcanza un tono documental bastante sucio. No obstante, el tono social se aleja de cualquier moralina o reflexión filosófica. "Tropa de élite" es más bien es una mirada bastante pesimista sobre algo que no se puede solucionar, por mucho entrenamiento y abnegados super-policías que lo intenten. Tremendas imágenes, brillantes interpretaciones, para un film que resultó ser el gran triunfador en la pasada edición del Festival de Berlín, con toda la justicia. Otro gran tanto para el cine brasileño, que no para de subir y subir.

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A veces para hablar de los grandes temas no hacen falta grandilocuentes discursos, ni poses academicistas; basta con asomarse a una pequeña ventana de la realidad para comprobar que detrás de todas esas diferencias irreconciliables que al parecer tenemos los humanos, somos todos iguales. Tras una meteórica y trinfal carrera por muchos festivales internacionales -entre ellos Cannes, Munich, Montreal, Palms Spring o incluso los European Film Awards- esta pequeña y a la vez gran película plantea la llegada de una orquesta egipcia a Israel para dar un concierto. La frontera del idioma, así como las reticencias de algunos israelitas con los árabes pondrá a los pobres músicos en una situación un tanto incómoda, pero conseguirán llegar a su objetivo... La entrañabilidad es el elemento que el director maneja en esta su primera película, con secuencias de lo más divertido -como la de la discoteca de patines- y de lo más tierno -todo el descubrimiento que el director de la banda tiene co la atractiva dueña de un restaurante que los acoge a todos, dándoles de comer y ofreciéndoles un lugar para dormir durante una noche-. Pero quizás lo más importante de "La Banda nos visita" es la forma de romper las barreras ideológicas y raciales, a través de la musica como lenguaje universal; además de las respectivas culturas de cada uno, al final a todos nos gusta lo mismo. La emoción, los sentimientos...la música. Siempre tenemos un pequeño hueco en nuestro corazón donde encontraremos precisamente el lugar donde la música desempeña la misma función, seamos árabes, judíos, europeos, norteamericanos, chinos o australianos. Este mensaje, envuelto con habilidad y con recursos cinematográficos de gran efecto -que no efectismo- consigue impactar por su sencillez y por su directa vocación. Aunque pudiera parecer un film primitivo en un primer momento, paulatinamente nos vamos dando cuenta de la gran complejidad de las tramas argumentales, que se solapan magníficamente para mostrar una preciosa galería de personajes. Una delicia.

Federico_Casado

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