Críticas de: Arakiri - FilmAffinity

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Críticas de: Arakiri

"A Dirty Carnaval" es la enésima película de gangsters coreanos, que retrata el mundo de la mafia, con desgarradora y directa violencia y que además, trae consigo, una historia que une al cine con los gangsters.

El film narra la historia de un joven director, amigo de un novato pero sanguinario gangster que tiene la brillante idea de internarse en su mundo, para poder llevar al cine con fidelidad el mundo criminal.

Una película de cine que habla del cine mismo, y utiliza esta premisa de pretexto, para contarnos la vida de Byung-du, un joven gangster que tiene una madre enferma, un hermano problemático y una joven hermana estudiante que depende directamente de el, por lo que su vida se ha forjado en la calle, para llevarles un pan a la boca. Pero que se siente frustrado de conseguir el dinero para un jefe malagradecido, por lo que planea asesinarlo con apoyo de un nuevo jefe, en donde conseguirá poder y dinero, pero que lo llevara a un desenlace casi trágico.

"A Dirty Carnival" tiene en su empaque un mensaje infernal, el mundo del crimen es ascenso y caída, es cielo e infierno, donde no hay amistades, ni lealtades cuando se habla de poder o de dinero, donde en un minuto puedes estar arriba y en otros abajo tocando fondo, todo da vueltas y eso es lo que la película se cuestiona con total eficiencia y genialidad.

Peleas brutales y espectaculares sin perder un mínimo realismo, batallas cámpales hechas con crudeza y nerviosismo, todas llevadas como referencia a través del actor Jo In-seong, el cual intentara cambiara su vida, pero siempre con el fantasma del crimen que lo acecha como un estigma que jamás puede dejar.

Entre las montañas, en medio de un valle, rodeado de riachuelos y empinados picos rocosos, yace un lago custodiado por el ojo de Buda. Sobre el lago, un templo flotante navega llevado por el viento. Una campanita de metal tintinea, el hombre sagrado inicia su día despertando a su joven discípulo, quien sólo tiene cinco años. “Primavera, verano, otoño, invierno...y primavera” cuenta la vida del joven y rebelde discípulo usando cinco episodios de su vida que transcurren en el enigmático templo, se narran las desventuras del discípulo con tomas largas y lentas y grandes ángulos que lo hacen sentir a uno como sentado junto al lago viendo el devenir de la vida de los dos monjes. Los diálogos son limitados a los justamente necesarios y la comunicación se apoya más en los gestos de los actores, en sus miradas, en su forma de moverse, en la intensidad de remado mientras navegan desde el templo hasta la orilla, en el rasgar del cuchillo contra la madera, contra la carne.

Ki Duk Kim, como en sus mejores películas, con pocos personajes y menos diálogos, (cada una de cuyas escasas líneas de diálogo contiene una enseñanza), nos da una verdadera lección de humildad y paz interior, con imágenes bellísimas llenas de poesía, pero no exentas de crueldad y dolor.
Una iniciación a la vida del maestro al discípulo plena de enseñanzas positivas acerca del respeto al ser humano y a la naturaleza (primavera), de la necesidad de desprenderse en la medida de lo posible del instinto de posesión, tanto de objetos como de personas, base, según el maestro, de la violencia que puede llevar al crimen (verano). Más tarde, acorde con su climatología, el otoño y el invierno darán lugar al dolor y el sufrimiento, para más tarde finalizar de nuevo con la primavera, estación donde el alma se asienta y serena tras recoger lo que la vida nos ha dado a través de los años y la vida se renueva en todo su esplendor.
Una película, que se debe ver con respeto pues a los occidentales se nos escaparán no pocas claves, pero la esencia de la historia no puede quedar más clara. Eso sí, hay que estar preparado para aceptar el “tempo” de la narración, el ritmo, nada rápido aunque estén continuamente sucediendo hechos, a cada cual más importante.

"Los amantes del Pont-Neuf" es un drama visceral con pretensiones de realismo sucio donde dos mendigos alcohólicos se conocen en una situación extrema y huyendo de un amor trágico anterior, una Juliette Binoche andrajosa y tuerta, y un Denis Lavant pies negros que no parecen conocer más vida que esa, en "Los amantes del Pont-Neuf" lo pasional es exacerbado por el egoísmo del amante masculino, que se superpone a la voluntad de hacer feliz a la otra persona, mientras que la amante femenina prefiere optar por la ocultación, bien para no hacer infeliz a la otra persona, bien por una actitud más de juego, menos seria, menos 'amour fou'.

A pesar de los años la capacidad de impacto de la película se sostiene con el paso del tiempo, va ganado enteros, y lo provocador de por sí del argumento y la multitud de detalles lo convierten en un film diferente, sudoroso, subversivo, en vena.

En "Los amantes del Pont-Neuf”, Lo increible (que se pongan a hacer esquí acuático en mitad de la noche, por ejemplo) se hace creíble en medio de otras muchas escenas memorables: el delirium tremens alcohólico-romántico bajo los fuegos de artificio, las carreras de libertad por la playa (con, ojo, la nada gratuita silueta de Lavant empalmado) o incluso esa primera escena con el túnel y el coche a punto de atropellar al protagonista que, sin ninguna duda, inspiró el videoclip de "Rabbit In Your Headlights" de Jonathan Glazer para UNKLE. Pero también es subversivo el crear la apariencia de que todo va por un camino negrísimo y tristísimo y, en los momentos menos esperados, endulzarlo con momentos que son puro vodevil. Además, y por supuesto, creando personajes con sus bellezas y sus miserias con los que se busca que el espectador simpatice sin juicios morales.

Como curiosidad añadir que en la edición en dvd, se incluye un interesantísimo documental que cuenta las numerosas tribulaciones que pasó Carax para finalizar su película y que, de extenderla un poco más, se habría anticipado a la que recientemente se hizo sobre el proyecto de Don Quijote de Terry Gilliam: problemas presupuestarios continuos, productores que se piraron dejándolos tirados y, sobre todo, la épica de, a falta de permisos municipales, cómo se tuvo que reconstruir todo el Pont-Neuf y aledaños en un gigantesco decorado (el más caro de la historia del cine francés) en un pequeño pueblo perdido de la comarca de Lamargue y cómo afectó eso a la vida de la villa. Las entrevistas finales a los paisanos, una vez el decorado se finalizó, no tienen desperdicio: "¿alguna vez estuvieron en el verdadero Pont-Neuf?" "Si estuvieron, ¿me podría indicar en qué dirección quedaría la torre Eiffel?".

Film difícil de encasillar ya que se nutre de diferentes géneros como la ciencia-ficción, el thriller, las artes marciales o el drama social. La variedad de géneros y la dificultad en posicionarla en un terreno conocido la hace muy atractiva.

Salvar el planeta Tierra comienza con un montaje soberbio de diapositivas en el que explica a su novia su teoría sobre los extraterrestres y su plan para evitar la invasión, con una banda sonora excelente acompañando la secuencia. La tensión que se crea en estos primeros minutos es sorprendente. Después de esta introducción, el film pasa a los títulos de crédito iniciales al estilo MTV, acompañados por una versión punk de Somewhere Over the Rainbow del musical "El Mago de Oz" y que, de alguna manera, pone en marcha el cambio de registros en toda la película.

Salvar el planeta Tierra consigue pegar al espectador en su asiento mientras este último se pregunta a sí mismo si se tiene que tomar en serio la película. No en vano, la primera impresión que Byeong-gu da es que está como un cencerro.
No obstante, a medida que transcurre la película, poco a poco, se nos da a conocer su pasado trágico, pasado que quizá ayude a comprender su presente estado mental.
Mientras tanto la policía abrirá una investigación para esclarecer el turbio asunto del secuestro de un empresario, que Byeong-gu efectua junto con su novia.
El único pego a la película es su estrambótico final que deja un poco de mal sabor de boca.

“Peppermint Candy”, nos cuenta la historia en orden inverso, (es decir, como en “Irreversible”) de Yhongo, una persona destruida psicológicamente, estafado por su socio, abandonado por su mujer, mostrándonos su turbio pasado como policía y su juventud como militar y al mismo tiempo nos reafirma a su director Lee Chang-Dong, como uno de los directores que mejor sabe dominar la narrativa de sus películas.

“Peppermint Candy” es un film pesimista, donde la violencia es continua y la atmósfera es opresiva, la cinta transcurre durante los últimos veinte años de Corea del Sur, y aunque los hechos históricos sean eludidos, se nos muestra a Yhongo como una victima de dichos acontecimientos, un paradigma que aborda dos décadas de degradaciones e ilustra con claridad el trauma latente de la idiosincrasia coreana.

Los fans del cine oriental, la disfrutaran, y verán que “Peppermint Candy” es una de las pocas películas coreanas que han influenciado a Kim Ki-Duk, sino eres de estos posiblemente correrás el riesgo de no sentirte identificado con la historia.