Uno de los grandes clásicos de Fellini. Película sombría y cáustica, siempre me había parecido excesiva, tan recargada que el resultado final quedaba mermado a pesar de ser indiscutiblemente buena.

En el último visionado (hace unos cinco días) he cambiado de opinión. Me fascina como siempre pero esta vez no hay cansancio, sigo pensando que sobran minutos, lo que quiere decir queda claro y algún momento es redundante pero esta vez el metraje no se resintió (incluso el que me parece superfluo por reiterativo) y todo tiene la misma fuerza. De todas formas quizás la próxima vez diga lo contrario, esto con Fellini es normal.

Por lo demás esta peli la conocemos todos: cine profundamente moral, dividido en episodios sin un argumento férreo (sucesión de fiestas y encuentros diversos en la noche romana) y con momentos de gran potencia visual (Anita Ekberg en la fontana de trevi es ya una imagen antológica). Un cine alejado del neorrealismo y ácidamente subjetivo, Fellini molestó creando un mundo propio, reflejo de la realidad pero reflejo personal al fin y al cabo (esto importunó a los defensores del realismo crudo como única forma de cine humanista y eficaz). Es decir, aparecen bellísimas composiciones y se explotan las imágenes buscando la fascinación estética en la forma de situaciones que son mordazmente criticadas en el fondo. Esto hoy está superado y parece absurda la controversia pero cuando se rodó la cinta provocó airadas reacciones en contra.

Nos retrata la decadencia, perversión y frivolidad de una sofisticada pero corrompida aristocracia, la banalidad del star system y, desde luego, los parásitos que les rodean, esos periodistas y paparazzis que les hacen el juego o mendigan fotografías e historias sensacionalistas con las que alimentarse (no sigo enumerando, Betomovies ya ha citado en su crítica los aspectos fundamentales). También nos habla de religión y la iglesia en uno de los episodios más flojitos en mi opinión (ahí da la sensación de que se desvía y de que empieza a querer abarcar demasiado). En definitiva, retrato de una anestesia existencial, intelectual y moral en la que el protagonista también caerá incapaz de vencer su propia crisis superado por la duda de si tiene talento para desarrollar una actividad creativa como escritor, o conformarse con la más agradecida labor periodística que realiza. Indefinición que se refleja también en su vida de pareja: por un lado es un conquistador empedernido pero por otro es incapaz de abandonar una relación estable que él mismo califica de “maternal”.

Todo ello mostrado con el estilo caricaturesco habitual, deformando la realidad para hacernos partícipes de lo que cuenta. El estilo realista de sus primeros films aún no ha desaparecido pero el mundo subjetivo y simbólico posterior ya se nos anticipa, más contenido y por ello, para mi gusto, más efectivo (no acabas agotado por el barroquismo de otras ocasiones).

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Prolija en exceso, es cierto que su mensaje sería claro también sin un desarrollo tan exhaustivo, pero la belleza visual es tan poderosa que acabas hipnotizado por el final en la playa. Metáfora obvia pero llena de fuerza, con Mastroianni quedándose en el lado de la playa del monstruo marino negro e hinchado y no con la chica del otro lado que acaba mirando directamente al espectador (¿esperanza o resignación?).

Bloomsday

(ver vista para enlazar)

Endiabladamente tramposa, retorcidamente falsa, enroscadamente manipuladora.

Jodidamente divertida.

Fincher nos agarra bien por la solapa y no nos suelta ni un instante; al final, cuando la cosa se vuelve tan insoportablemente inverosímil que hasta piensas que te están tomando el pelo, no puedes dejar de pensar en el magnífico rato que has pasado. Subyugado y maniatado por Fincher y su dulce manera de inyectarnos entretenimiento puro en vena.

Técnicamente es una cinta impecable, narrativamente tres cuartos de lo mismo. El guión cae irremisiblemente en la superficialidad hollywoodiense que busca sin reparo el impacto más soez e improcedente, es cierto, pero Fincher en esta ocasión sabe remontar el vuelo transmitiéndonos el desconcierto y perturbación que requería esta historia (ahí está lo fundamental de esta película), cosa que no consigue en La habitación del pánico, por ejemplo, por ser una historia demasiado plana y obvia en su tramo final.
Olvidemos los prejuicios y revisemos esta cinta. Merece que la pongamos en su justo lugar.

Fincher es un gran director (de los buenos buenos... Pero engullido parcialmente por ciertas servidumbres a las que tienen que plegarse determinados proyectos para ver la luz). Ya lo veréis en el futuro. Él, Nolan y P. T. Anderson. Mi trío (y el de muchos... Pero no por obvio y tópico voy a dejar de decirlo). Son jóvenes aún y comenten excesos. Cuando se serenen nos vamos a enterar todos de lo que vale un peine. Estoy casi seguro de ello.



Aprovecho también para retractarme de una afirmación que incluí en su día en la crítica de "El club de la lucha" y que decía así:

"... pedirle a Fincher... que adapte su estética a lo que está contando es como pedirle a AC/DC que hagan jazz"

Perdón Fincher... Con Zodiac has conseguido que me coma enterito ese párrafo.

Bloomsday

(ver vista para enlazar)

Rehago mi crítica del 15 de mayo para dar la mía acerca del final y los calcetines. Espero nuevas opiniones que nos ofrezcan perspectivas más amplias e ingeniosas. Un saludo. En el spoiler.

Película que se aleja de los convencionales productos a los que estamos acostumbrados. A ratos crees asistir a algo realmente interesante (desde el punto de vista del suspense, la película no me ofreció muchas muestras de algo más), pero también se desinfla en otras ocasiones. En todo caso el metraje despierta un relativo interés y eso ya es bastante. El problema no es que no sea creíble o que el thriller no esté bien llevado, el mayor problema es que la confusión que genera no es conmovedora, no consigue excitarnos más allá de lo puramente racional ni introducirnos de manera realmente atractiva en el laberinto mental del protagonista.

Hay buenas ideas, hay momentos sugerentes, buen montaje, F/X... Pero el resultado final no creo que sea esa atmósfera envolvente que se comenta. Un Lynch descafeinado finalmente.
Un ejemplo para los que creen que lo que hace Lynch no tiene mérito. Y es que lo más hipnótico de esta película son los tobillos blancos de McGregor y sus pantalones pesqueros.

Es un producto mejor de lo acostumbrado que, sin ser gran cosa, tiene elementos para interesar a una buena parte del pública aunque, como bien dice Janusz, no estoy seguro de si acaba siendo buena o mala. Y desde luego no es un producto comercial, pero tampoco tan valiente como cabría esperar por no renunciar del todo a la perspectiva de thriller al uso y a ciertas licencias que no quedan bien justificadas pese a tratar de explicarlas.

Se dice que el guión es complejo. No lo creo (en todo caso pretencioso). La libertad de la ilusión o de la percepción exime de ataduras, la coherencia es lo realmente difícil.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Gosling está muriéndose tras el accidente de tráfico. Vienen dos desconocidos a socorrerle hasta que llegue la ambulancia (Ewan McGregor y Naomi Watts).
Su mente, mientras agoniza el resto del cuerpo, decide demostrar que va por libre marcándose un thriller psicológico dando un paseo por sus recuerdos y mezclándolos con las dos caras que asoman de tanto en tanto y que le gritan cosas y que lloran y que...

Mira hacia un lado y ve a una rubia, mira hacia el otro y ve... los calcetines del amigo Ewan. O eso, o dentro de dos años todos iremos con pantalones pesqueros y calcetines de atletismo con zapatos. Prefiero pensar que es un guiño al espectador y no una nueva moda. Forster no se conforma con contarnos (con muchas y gratuitas licencias) el delirio de una mente conmocionada por un trastazo de campeonato, va más allá y nos coloca delante de las narices lo que el moribundo ve (pensemos en la perspectiva de Gosling tirado en el suelo).

Ahora bien, que esa postrimera ensoñación se nos plantee como una historia de suspense (encima desde la perspectiva de McGregor, que es la perspectiva del espectador que no conoce nada de la vida de Gosling) obedece a motivos puramente comerciales y para no renunciar a un cierto hilo narrativo más convencional. Pero al final también descoloca bastante al espectador que busque un hilo mínimamente razonado al que sujetarse (vale que mezcle recuerdos y caras, pero el resto parece demasiado). Esto es más grave teniendo en cuenta que, como digo, la película no te distrae de lo puramente racional, ya que el clima generado no pasa de “extravagante”. Nada de magia por tanto. Sólo incertidumbre que acaba por cargar un tanto al espectador.

Bloomsday

(ver vista para enlazar)

Ray es un ejemplo de cineasta constreñido que no pudo desarrollar toda su creatividad. Su obra es maravillosa pese a todo, con películas como Rebelde sin causa, Johnny Guitar o 55 días en Pekín, pero también con películas no tan famosas aunque extraordinarias. No sé en qué lugar encajar ésta.

Tuvo que adaptar a Hollywood sus aspiraciones de realizar un cine complejo y personal que ahondara en el ser humano, en su soledad, en su cólera y amargura, en la dificultad de integración y en los desequilibrios y contradicciones emocionales que de ello se derivan, también en la dificultad de las relaciones de pareja etc.

Rebelde sin causa quizás sea la más emblemática pero “En un lugar...” creo que va tomando posiciones como lo que es, una obra definitiva y representativa de las obsesiones de un cineasta que trató de dejar su impronta en las películas que hizo, un cineasta que trató de dar su visión acerca del hombre y su aislamiento.

El protagonista es un cínico y agresivo guionista venido a menos, un tipo de extremo escepticismo incapaz de adaptarse a lo que le rodea. Asqueado por la mediocridad e hipocresía, pero también encerrado en su propio egocentrismo y brutalidad (no es un personaje amable ni mucho menos), sólo encontrará temporalmente la paz en el amor hasta que finalmente esa relación se vaya viciando por su propia violencia. A este personaje límite (perfecto para Bogart) sólo un amor desmedido e irracional podrá sacarle momentáneamente de su enfermiza forma de ver la vida. Es un romance muy del estilo de las vanguardias de los años ´60, no en vano Ray y Grahame mantuvieron una relación sentimental y no es difícil imaginar que la película sea en parte autobiográfica; por ello lo menos importante es la trama de cine negro en sí misma, los personajes y el atolladero emocional en que se encuentran convierten esta película en algo más que una trama policíaca. Y si encima Ray nos plasma su propia relación y su propio carácter (era un hombre muy arisco también), entonces estamos ante una sincera reflexión sobre sí mismo que provoca desconcierto y admiración a la vez.

Extraordinario el punto de vista de la película, siempre retratando a Bogart a través de las reacciones y la mirada del resto de personajes, lo que refuerza su carácter de peligroso inadaptado y, a ratos, su indudable atractivo personal cuando se apacigua momentáneamente (pese a todo es un tipo ingenioso y divertido).

Por otra parte, la culpa de que no considere a Gloria Grahame la mujer más bella de la historia del cine es de esta película. Jamás la he vuelto a ver tan atractiva como aquí. Tiene algo especial que no se repite en otras ocasiones. Aquí encarna el erotismo elegante y el misterio de forma tal que no es raro que Bogart pierda la cabeza. Por un lado es el agente que opera el cambio en Bogart, pero por otro nos sirve a nosotros, espectadores, como algo a lo que agarrarnos, compartiendo con ella la fascinación y el miedo que provoca el protagonista.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Nací cuando ella me besó, morí cuando me abandonó. Viví mientras me amó. Esta frase resume el intenso romanticismo de la obra de Ray pero también su nihilismo constante ante la posibilidad (¿imposibilidad?) de que el hombre encuentre su sitio y pueda compartirlo tranquilamente con otro. Pero más que Bogart, es el personaje de Grahame el que posiblemente esté definitivamente perdido, su última opción de encontrar tal arrebato en una relación sentimental.

Además tiene una escena, la de la cocina, que es, o debería ser, mítica. En ella reflexionan sobre cómo debe ser una buena escena de amor mientras ellos mismos la representan y mientras Bogart juguetea amenazante con un cuchillo, aumentando la ambigüedad del personaje

Bloomsday

(ver vista para enlazar)

Magnífico descenso a los infiernos de una mente maltrecha y desquiciada. La película es un compendio visual del Polanski de la época y de las tendencias sesenteras pero, como siempre, llevándolas a su terreno (es experto en mezclar, como dice Rioyo, lo popular y lo complejo) y alejándose de temáticas, dogmas y corsés (la tensión del plano largo de ella caminando por la ciudad por ejemplo, un plano más del cinema verité que del thriller usado sabiamente para mostrarnos su confusión y desarreglo emocional).

Tiene elementos sexuales y de terror psicológico (aunque sea un drama), lo que no quiere decir que te vayas a cagar de miedo viéndola ni que incite a la masturbación. Son distintos recursos para dar consistencia a la película y para que Polanski se luzca.

Con la planificación de escenas se genera tensión, opresión, suspense y se trasmite la malsana visión del sexo que tiene la protagonista, su desorientado estado mental y sus alucinaciones. La película acaba siendo casi una sucesión de etapas en el progresivo deterioro de la Deneuve y no una peli de misterio aunque reinvente (igual es mucho decir) los recursos de éstas. Es una minuciosa realización que consigue un resultado particularmente intenso y que, aunque algunos puristas puedan considerarla tramposa y artificiosa a mí me parece casi impecable. Puristas de los que ya no van quedando o de los que, a la vista de lo que ahora nos tenemos que tragar, consideran que criticar a Polanski es ya rizar el rizo.

Catherine Deneuve está para enmarcar: loca, amenazante, peligrosa e irresistible.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Creo evidente que algunas secuencias buscan evocar más que mostrar de forma veraz una crisis esquizofrénica; se trata de sugerir, no de que la protagonista vea realmente brazos saliendo de las paredes..., quizás los ve o quizás no, pero sigue siendo una forma perfecta de transmitir la sensación al espectador con la imagen. Precisamente al ser una película plenamente psicológica y subjetiva puede Polanski zafarse de la exigencia de lo “real”. El fallo de la cinta podría venir por una cierta gratuidad en el momento en que ha de elegir entre tirar hacia lo “bergmaniano” o hacia lo puramente artificioso. Polanski asume entonces un equilibrio contra el que no tengo pega alguna, pero que creo reprochable si nos ponemos quisquillosos (ya digo que no seré yo el que haga tal cosa).

Bloomsday

(ver vista para enlazar)