Jarmusch vuelve a los orígenes y nos ofrece un nuevo film más lejano a "Ghost Dog" y "Dead Man", pero más próximo a "Strangers than paradise". Una narración que gracias a su estética depresiva consigue transmitir emociones innovadoras. Tras la profundidad argumental de sus últimos largometrajes, en "Broken flowers" recorre de nuevo a las trivialidades de las relaciones personales que, pese a conformar una tesis intrascendente, dan forma a una historia interesante y con originales elementos técnicos: la exagerada oscuridad, ese retrovisor controvertido, ese final incomprendido...

Bill Murray se hace cargo de una interpretación impecable que sigue la estela de las de Johnny Depp en "Dead Man" o Forest Whitaker en "Ghost Dog": los tres personajes poseen un mundo emocional completamente distinto, pero todos ellos gozan de la misma serenidad, aparente indiferencia e ironía.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Si el final es súbito, para muchos indignante, es porque configura una alegoría de la vida, los objetivos y las inquietudes del propio protagonista: lo que no completó en su día, permanece incompleto. Y no, no se nos da una solución ni un final feliz para que salgamos sosegados y distensos del mundo patético de Don Johnston.

No sé por qué, pero en cuanto la cámara empezó a dar vueltas alrededor de Murray deseé que ahí terminase todo y casi no pude creer que realmente sucediera.

GoVegetarian

(ver vista para enlazar)

Existe un subgénero al que yo llamaría "dale un arma a un asalariado". "Taxi Driver" de Scorsese, "Dead Man" de Jarmusch, "6ixtynin9 (Seis nueve)" de Ratanaruang, "Un día de furia" de Schumacher, entre las más notables. También le podemos colgar esa etiqueta, en efecto, a "Monday" de Sabu. A su vez, existen películas en que la ingesta de alcohol por parte del protagonista consiguen un efecto catártico. Tenemos "Sin Perdón", de Eastwood, y también "Monday". Pero este film tiene poco que ver con los mencionados. Y poco más con cualquier otro. Aunque, eso sí, muchos no tardaríamos en compararlo a obras de otros asiáticos, como, por ejemplo, Takashi Miike o Park Chan-wook. Sin embargo, el estilo de Sabu en esta producción parece mucho más definido (por tanto, cerrado) y menos volátil que el del primero y muchísimo menos esteticista y lírico que el del segundo. Eso sí, los tres son subversivos, sumamente originales, acaparadores de géneros ý, el que más y el que menos, negramente tragicómicos.

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Por eso, quizás, a diferencia de lo que habría sucedido muy probablemente en un trabajo de Miike, o si me apuran, de Park (¿alguien se acuerda del final de "Joint Security Area"?), el guión no podía terminar en el punto de máximo absurdo de la historia, o con un remate estruendoso de la hipérbole a la que genialmente se precipita. ¡Qué pena! Le habría puesto un 10.

Pero, vaya, toda la película, sin lugar a dudas, es un goce (entre tácito y tenso) para los sentidos, gracias a: una gestión excelente de la ausencia de sonido, la risa del protagonista, los impecables planos de su escopeta recortada, la ingeniosidad del guión con su mezcla alternante y acertadísima entre flashbacks y anticipaciones, los actores (primordial Shinichi Tsutsumi, agradecible Susumu Terajima, testimonial y guapísima Naomi Nishida, veterano Ren Ôsugi) y, finalmente, algunas sentencias memorables y una firme dirección.

GoVegetarian

(ver vista para enlazar)

En primer lugar hay que aclarar que la traducción y el doblaje de esta película son un crimen: el término "nerd" es intraducible (¿novato?, ¿¿novato??), e incluso una parte importante de su significado no se puede desatar del significante inglés y su fonética. Y, por encima de todo, hay que apreciar el talento inigualable de Robert Carradine: su inimitable sonrisa ha de escucharse procedente de sus propias cuerdas vocales. Este actor ha protagonizado todos los tomos de la saga "Revenge of the Nerds" (cuatro en total) e incluso no extrañaría que el personaje ficticio hubiera suplantado en cierta forma a su personalidad real, como Norman Bates con Anthony Perkins o Drácula con Bela Lugosi (aunque, ciertamente, no ha sido así).

"Revenge of the Nerds" es, por supuesto, una comedia paródica de instituto pero no deja de basarse estremecedoramente en la realidad: los nerds existen, e incluso se ríen como los del film. Esta película es el elogio al peculiar; los convierte en criaturas entrañables y muestra cuán carismáticos son. No es, ni de lejos, un producto en la línea de "American Pie" y películas del estilo; quizá en su día pudo ser tópica, oportunista y -sobre todo- comercial, pero hoy es sin duda una mítica reliquia de la que no muchos se acuerdan. Aunque quizá la cosa cambie (para bien o para mal) pronto a partir del remake que se estrenará en 2006, desgraciadamente parece que sin la participación de Carradine, y con el reparto reciclado de "American Pie" y otras caras famosas.

Eso sí, nada como la original de 1984. ¡Nerds, nerds, nerds, nerds!

GoVegetarian

(ver vista para enlazar)

Se trata de una interesante versión cinematográfica sobre el conocido relato mitológico acerca de Jason, la expedición de los Argonautas y Medea. Un filme realmente entretenido, con un ritmo muy adecuado y rodado con maestría, con unos efectos especiales y animaciones que en su día eran el no va más y que hoy producen una (agradable) sensación de nostálgica sencillez. Lo más interesante de esta película es el enfoque que le ha dado su director: una visión bastante filológica del pensamiento griego clásico, la base de la civilización occidental; el retrato, a través de una historia mitológica, del nacimiento de la razón por contraposición a lo sobrenatural. "Los dioses son crueles, con el tiempo los hombres prescindirán de ellos".

GoVegetarian

(ver vista para enlazar)

En su documental "Room 666", de planteamiento ridículo pero de resultados involuntariamente interesantes, Wim Wenders se descubría como una persona catastrofista, alarmista y, cinematográficamente hablando, elitista -casi sectaria- y pesimista: el punto de partida del documental venía a ser la hoy día risible tesis de que el VHS haría desaparecer el cine. Sin embargo ese mediometraje ha acabado constituyendo todo un valuoso testimonio de un momento de la historia del celuloide y un interesante recopilitario de entrevistas valuosas. Con esto quiero llegar al punto de que, pese a la aversión que me suscitan los pocos largometrajes de ficción de este director que he aguantado hasta el final (por razones de contenido más que de forma o ritmo), he de reconocer sus logros como esporádico documentalista. "Tokyo-Ga" es una emocionante aproximación 'in situ' al cine y a la persona de Yasujiro Ozu y, fugazmente, a su escenario y el de sus personajes, es decir, el Japón moderno.

Si bien habrá que soportar pacientemente algunos tics o particularidades repelentes del director (su pedante voz en off y en inglés -¿por qué?-, la más que innecesaria aparición "fortuita" de su amiguito Werner Herzog, anécdotas pueriles y sentimentaloides de su vida personal, etc.), pronto el amante del cine de Ozu se verá recompensado con un loable trayecto a través de los métodos, la mentalidad, la vida y la filmografía del director japonés, así como por los recientes cambios de un país que de repente se vio inmerso en una quimérica pugna de contrastes socioculturales: uno de los objetivos del film es ir a indagar qué es lo que perdura en el Japón de 1984 de todo aquello que Ozu fue retratando hasta el año 1962. Constatado el obvio aumento de la americanización de Tokyo, iremos comprobando cómo el 'pachinko', ese mal de la posguerra tan arduamente denostado por Ozu, todavía hace estragos en plena década ochentera o cómo los ejecutivos siguen obsesionados con la práctica del golf enlatado. Es este, en fin, un documental recomendable sobre todo para quienes ya se encuentren inmersos en el universo cinematográfico de Ozu.

(sigue en spoiler)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

Entre las entrevistas, sin duda, hay que destacar las realizadas a un ya viejo (y esta vez de verdad) Chishu Ryu, que desde su juventud fue el actor fetiche del director y la mayor parte de las veces interpretó a padres de familia entrados en años, alejados notablemente de su verdadera edad (tenía 48 años cuando interpretó al abuelo de "Cuentos de Tokio") y a Yûharu Atsuta, fotógrafo y operador de cámara, en una emotiva y nostálgica evocación de sus mejores tiempos junto a su maestro, que termina con un estremecedor llanto. Por desgracia, Wenders no contó en el documental con la persona que le habría proporcionado la entrevista más iluminadora y rompedora: Setsuko Hara, la actriz fetiche de Ozu, que en tantas de sus películas cargó con el rol de joven sumisa, complaciente, entregada al cuidado de su familia y reacia a un matrimonio al que finalmente casi siempre sucumbía (en su vida real, nunca se casó y poco después de la muerte de Ozu, se retiró de la industria cinematográfica). Es de suponer que Wenders intentó conseguirla, o almenos eso quiero pensar.

Finalmente, el punto álgido, la explosión de lirismo definitiva con que nos colma este documental, es la visita a la tumba de Ozu, en la que sólo figura escrito un carácter japonés: "mu" ("el vacío", "la nada").

GoVegetarian

(ver vista para enlazar)