En el mundo del cine hay películas y personajes que cuentan de antemano con la antipatía del público más exquisito, que, llevado por los prejuicios y por las apariencias, ponen a caldo a una cinta como "Acorralado". Sus argumentos se basan en que la película del archiconocido John Rambo es una clara apología de la violencia, en que el ex-combatiente de Vietnam se limita a pegar tiros a diestro y siniestro.

Nada más lejos de la realidad, cuando en esta primera parte (que debió haber quedado como tal, sin las posteriores continuaciones) el número de víctimas asesinadas por Rambo asciende tan sólo a... una. ¿Cuántos de los que la critican saben esto? Como siempre, muchos se dejan llevar por los prejuicios.

"Acorralado" es la historia de un veterano de la guerra de Vietnam que regresa a su país y, al ver que todos su compañeros boinas verdes han muerto, se replantea su papel en la guerra, una contienda en que fue marioneta de una gente sin escrúpulos que le enviaron a luchar para luego darle la espalda e incluso mofarse de él.

Ante esto, y atormentado por recuerdos de la guerra, el soldado comienza una especie de vendetta personal contra los policías que le persiguen, que le preferirían ver muerto. Él, sin embargo, intenta evitarlos sin derramar sangre, pues ya ha visto demasiada en la guerra (sólo se cobra la vida de uno de sus perseguidores, y porque no tiene otra salida). Y aunque es cierto que a Stallone parece que nunca se le acaban los recursos y que enseña músculo descaradamente, para nada se trata de otro espectáculo de acción vacío.

"Acorralado" (popularmente conocida como "Rambo", personaje creado en la ficción por el novelista David Morrel), se erige como una crítica dura y certera contra la guerra y sus más crudas consecuencias, a la vez que para los menos exigentes sirve como una buena dosis de acción y adrenalina el contemplar a este nacido el 4 de... perdón, el 6 de Julio. Bueno, no se puede tener todo.

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Hace mucho tiempo, el mundo entero quedó en suspenso tras ver el final de la obra maestra que es "El Imperio contraataca". Un pseudocierre que dejaba las puertas abiertas para enlazar con la que sería la última pieza del puzzle intermedio: una trilogía anterior y otra posterior permanecerían a la espera, pero ahora lo que primaba era conocer el destino de Solo, al hombre tras la máscara que era Vader, si la Rebelión finalmente triunfaría, y, lo más importante, si Skywalker se convertiría por fin en un Jedi, sueño inalcanzable de tantísimos jóvenes de la época.

Ahora con Richard Marquan detrás de la cámara (Lucas de nuevo en tareas de guión y producción), llegó el esperadísimo final a la trilogía espacial: "El retorno del Jedi", un título que varió del originalmente pensado "La venganza del Jedi", debido a las quejas de los fans, que argumentaban que un Jedi no podía conocer la venganza. La inclusión del Hutt gangsteril Jabba y la largamente anunciada llegada del Emperador (un Ian McDiarmid que camufló su rostro por entero bajo capas y capas de maquillaje) fueron las incorporaciones más destacadas, así como la expansión del mito del cazarrecompensas Boba Fett, eterno, este sí que sí (dejando de lado las nuevas películas) rostro enmascarado.

Nuevos planetas a visitar, como la selvática luna de Endor, otros a regresar, como es el enigmático planeta de Dagobah, donde Luke confirmará la verdad sobre el legado Skywalker de boca de Yoda, un ser tan entrañable como complejo, o Tatooine, hogar de los dos soles, en un comienzo para rescatar a Han Solo de su encierro en carbonita, todo un tour de force colmado de acción y aventura, un inmejorable final a esta trama que daba pie a la verdadera historia de este Retorno: la de la redención de Vader, antes Anakin Skywalker, y su retorno a sus principios de caballero Jedi.

Jedi. Nunca una palabra había provocado tantas emociones como la que designa a los caballeros de la paz y la justicia en la galaxia, ahora ermitaños en busca de enmendar sus pasados errores y enfrentar al hijo contra el padre, en un conflicto en que Vader debe resultar muerto para que la paz pueda ser reinstaurada en la galaxia. A pesar de la inclusión de detalles algo infantiles en este último capítulo (veánse los pequeños Ewoks, metáfora sin embargo de un David contra Goliat del espacio), Lucas pudo darse por satisfecho al crear con esta trilogía algo que iba mucho más allá de una cinta de ciencia-ficción. Lo que Lucas nos contó fue una historia de un conflicto entre un padre y un hijo, de lazos entre compañeros, de unión y Fuerza con mayúscula, del renacer de un alma enterrada bajo carcasa. Una épica sobre la luz contra la oscuridad, la verdad contra la mentira, la justicia sobre la venganza. Un canto intemporal a unos nobles valores, que ya existían hace mucho, mucho tiempo, en un galaxia lejana, muy lejana.

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Precuela o no (nadie sabe a ciencia cierta si se trata de una aventura anterior o posterior a "En busca del arca perdida"), lo que sí es cierto es que se trata de una cinta bastante lograda, parecida en su planteamiento a su predecesora en el tiempo, pero diferente en su ejecución y estilo. Una aventura de Indy mucho más oscura que las restantes de la saga, un pequeño alto en el camino (de hecho todo ocurre por accidente, al contrario que en las demás, en que Indy es abordado para recuperar los preciados objetos) al que Spielberg consiguió dar una entidad propia, apartada de lo que hubiese sido una secuela (en cuanto a producción) lógica, y que sin embargo si brilla es precisamente por eso, por no ser una más.

"Indiana Jones y el templo maldito" (aquí empezó la tendencia de comenzar las películas con el nombre del personaje) comienza con el obligado prólogo que nos introduce a la que será la acompañante de Indiana y la que es a día de hoy mujer de Steven Spielberg. Una situación límite para nuestro protagonista, de la que (parece que) sale airoso, sólo para meterse de nuevo en problemas al llegar a la India. Una vez allí se le es encomendada la tarea de investigar la desaparición de las piedras Shankara y de los niños de un poblado. Esto le conduce a un palacio hindú, en cuyos cimientos se encuentra el tenebroso templo maldito del título.

Aunque compartiendo elementos clásicos de la primera película, en esta aventura se nos presenta a un Indy distinto, descuidado, sucio, incluso con una personalidad más misteriosa y oscura (por razones del guión que cuento en el spoiler). El niño Jonathan Ke Quan (Tapón, o Short Round en la versión original) se une a Indy en esta especie de aventura suelta y desligada de la trilogía original, y Kate Capshaw se nos revela como la acompañante más ingenua que Indiana ha tenido jamás. Ellos llevan el peso de toda la película, pues aparte de la actuación del inquietante Amrish Puri, no aparecen muchos más personajes importantes.

Por todo esto y por ver a Harrison Ford en la montura más impresionante de toda la saga, un elefante, "Indiana Jones y el templo maldito" se erige como una digna aventura (anterior o posterior) que nos sigue ofreciendo las mismas dosis de acción y aventuras que su predecesora en taquilla, y que al alejarse de lo visto en ella da una nueva dimensión al aventurero por excelencia que ha sido, es y será, Indiana Jones.

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Indy nos muestra su cara más oscura cuando se le obliga a beber un brebaje maldito que anula su personalidad. La escena en que bofetea a Tapón se desmarca brutalmente del Indy para toda la familia que Spielberg había creado en la primera película. Otra escena a destacar es la impactante penetración de la mano del sacerdote en el pecho de un hombre, del que extrae su corazón. A raíz de esto se creó en Hollywood la calificación para mayores de 13 años.

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Esta es la frase que se utilizó para promocionar "El dragón rojo", la precuela a "El silencio de los corderos". La cinta era una muy aceptable adaptación de la novela de Thomas Harris y una digna antecesora a la película original, pero no explicaba realmente el "origen del mal". Encontrábamos ya un Hannibal con cierta tendencia a comer carne humana, y el único origen que se nos ofrecía era el de su estancia en prisión.

Para revitalizar la franquicia, el director Peter Webber decidió contar la historia de la infancia y juventud de Hannibal Lecter, el verdadero origen del mal. Para empezar, y por razones obvias, ya no se podría contar con la impecable actuación de Anthony Hopkins. Gaspard Ulliel fue el encargado de acometer la dura tarea de dar vida al caníbal. Si bien se echa de menos a Hopkins en cada fotograma, el joven actor logra una buena interpretación, con ecos del Hannibal original, y no desmerece del papel.

Gong Li hace las veces de tía de Hannibal. Ella le instruirá en diversas artes, entre las que se cuenta el manejo de la espada samurai (¿a alguien le suena "Batman Begins", también revisión de los orígenes de un mito?). Su presencia en la pantalla pone el contraste de luz necesario para tan macabro producto: porque de hecho esta película nos cuenta la historia de un villano, por mucha justificación que se le quiera dar. Por ello la cinta se beneficia de personajes como éste, o como el del inspector de policía, que representa lo que podía haber sido Hannibal de no haber escogido la senda de la venganza, su alma proyectada en un espejo.

Después de tres filmes que profundizaban en la psicología del personaje, se nos es por fin revelada la naturaleza de su comportamiento, y el impacto de la revelación es lo suficientemente importante como para que nos deje satisfechos: a su hermana se la comieron unos soldados en la guerra, y él no pudo impedirlo, siendo tan sólo un niño. Así, lo que esta cinta explora es la venganza del joven estudiante de medicina Lecter (es espeluznante cuando le vemos consultando libros de anatomía, sabedores de las atrocidades que cometerá a los cuerpos de sus futuras víctimas) contra estos soldados. De este modo, la película funciona también como thriller de terror gore con entidad propia.

-sigue en spoiler sin revelar nada-

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Además, la cinta contiene numerosos guiños a las anteriores hopkinianas: los dibujos que pinta tan sólo de imágenes provenientes de su mente, empezando a desarrollar esta habilidad, el hecho de que la razón por la que mate a su primera víctima sea porque lanza a su tía un comentario obsceno respecto a su "coño" (nos recuerda a "El silencio de los corderos", cuando uno de los presos hace un comentario similar a Clarice y Hannibal le convence para que se muerda la lengua), el gusto por la música clásica, el primer acercamiento al canibalismo más refinado (mejillas con setas), y, la más comercial, el uso de la máscara de samurai, en clara sintonía con la máscara-bozal que llevará durante gran parte de su vida. Quizás esta última sea la más forzada, pero no por ello deja de impresionar, símbolo profético de su destino (en plan Anakin en la nueva trilogía de "Star Wars", cuando pierde el brazo).

"Hannibal Rising" (título original) se erige pues como un interesante primer acercamiento al mito viviente que es el Hannibal de Hopkins y nos permite indagar en sus orígenes, sin caer en lo absurdo y manteniendo una dignidad encomiable en una cinta como ésta, que a priori podía parecer condenada a hundirse y arrastrar con ella la saga del caníbal. Por suerte, no ha sido así.

-spoiler-

La escena en que Hannibal descubre que él también fue alimentado con carne de su hermana sin saberlo, supone la conversión total del hombre en monstruo. Si quedaba alguna pequeña posibilidad de que el corazón y la razón se impusiesen a la locura, queda en este momentos sepultada para siempre, naciendo ya así el Hannibal que conocemos, aunque aun le quede un largo camino por recorrer (si lo explotan, que lo hagan bien, en línea con esta) hasta "El dragón rojo".

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Todo un homenaje por parte del eterno maestro Allen a aquello que más alegrías le ha reportado, ese arte que muchas veces no es considerado como tal, el séptimo: el cine.

Allen firma un guión fabuloso, sólido como pocos, que fue reconocido con una nominación al Oscar. Le ponen caras una adorable Mia Farrow y un desdoblado Jeff Daniels, entre otros. Y (otra vez) Nueva York vuelve a ser el perfecto escenario para mostrarnos la inventiva y capacidad de sorprender del bajito director.

"La rosa púrpura del Cairo" se alza desde detrás de la pantalla como una de las mejores cintas de Woody Allen, que volvía a demostrar que era un genio a la hora de contar historias a priori muy simples, pero profundas y emotivas, y que hacían a los espectadores que amasen el cine un poquito más cada vez.

Divertidísima a ratos, dramática a otros, y aunque totalmente surrealista en todo su metraje, el director neoyorquino consigue que empatizes de tal modo con la historia que aceptas todo lo que ves sin ponerle ninguna pega.

Imprescindible cinta de obligado visionado para todo amante de Allen y del séptimo arte en general. Yo la seguiré viendo una, dos, tres, cuatro, y hasta cinco veces, con la esperanza de que alguno de los personajes (o quien sabe, quizás el propio director) salga de la pantalla y me conceda un ratito de ensueño, de cine.

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