Críticas de: Chago77

Oí en una entrevista que las óperas primas solían ser últimamente la mejor (o una de las mejores) películas de los realizadores. Tienen tiempo para pensar lo que quieren y para reescribir el guión una y mil veces más. Las concesiones que tienen que soportar, están bajo la mirada de la experiencia del productor y suelen ser beneficiosas. Sorprenderse por la calidad de una ópera prima, esta hoy, injustificado. Me remito a la cantidad de excelentes operas primas y fiascos en segundas nupcias del mismo director.
En “La vida de los otros”, su director (paso de hacer un ctrl.+c; ctrl.+v) demuestra sentir cada fotograma de esta película; percibimos el tiempo empleado, las vueltas de cabeza al guión y un inusitado gran trabajo con los actores (algo que suele dar la experiencia). Grandísimo Ulrich Mühe que emociona hasta la médula.
La cinta, compleja y hermosamente resuelta, tiene un pero. Le sobra metraje. Es tal vez, su pero más grande. ¡Pero que final!

Continúo con mi intención de dar a conocer la calidad del cine vietnamita. Y no es filantropía, que va, no se crean, es puro egoísmo. Tengo la remota esperanza que este país con una industria cinematográfica emergente consiga sorprender a espectadores occidentales y que algún día, pueda cumplir el sueño de ver una película vietnamita en una sala de cine comercial.

Para cumplir mis objetivos tengo la ayuda fundamental de Tran Anh Hung, uno de los grandes directores asiáticos; y de películas como “The White Silk Dress”. “El vestido de seda blanca” (que sería la traducción exacta) es un drama épico que ostenta el título de ser la película más cara jamás rodada en Vietnam, aunque su paupérrimo presupuesto de dos millones de dólares da risa si lo comparamos con los presupuestos que se manejan en EUA, como los 185 millones de dólares que ha costado la cuarta entrega de Indiana Jones (en España, la película más cara jamás rodada fue “Alatriste” con 24 millones de euros que por aquel entonces no llegaría a los 30 millones de dólares). Esto me da una idea de que en Vietnam el dinero se sabe aprovechar y sacar el máximo rendimiento.

El áo dài, es el vestido tradicional vietnamita. Es el vestido tradicional más elegante que yo haya visto. Sencillo, cómodo y fresco (suele ser de seda). Este vestido está en auge en Vietnam y al contrario que otros muchos vestidos tradicionales que sólo son usados para días especiales (como nuestra ropa de misa) el áo dài se usa diariamente por casi toda mujer vietnamita con suficientes recursos económicos. A través del áo dài, el director Luu Huynh crea una historia épica sobre las limitaciones y frustraciones de una familia desde el derrocamiento de la colonización francesa hasta la guerra con EUA. En cierta manera, “The White Silk Dress” se asemeja mucho a “Vivir!” (Zhang Yimou, 1994). Un melodrama sobre la vida y desgracias de una familia con un único objetivo: sobrevivir. Nota: El áo dài recuerda mucho a unos zapatos en la estupenda “Niños del paraíso” (Majid Majidi, 1998).

En este recorrido histórico, Luu Huynh se permite ciertas licencias y postulaciones que le han acarreado diversas críticas (tanto del bando comunista como de aquellos que luchan por la abolición del comunismo). Aún así, es una buena manera de acercarse a este periodo histórico fuera de ojos occidentales. Para una mirada occidental de la primera parte (salida francesa del país), no estaría de más recomendar “Indochina” (Régis Wargnier, 1992).

(sigo por falta de espacio)

(El resto de la crítica puede contar partes de la película) Ver todo

spoiler:

Lo peor que podemos decir de “The White Silk Dress” es su desacertada fotografía. Suena a antítesis decir Vietnam-mala fotografía, pero ciertamente y por mucho que parezca mentira es lo que su director de fotografía (me imagino que acosado por un endiosado Luu Huynh) ha provocado. El uso desmesurado de filtros sin sentido y ganas de jugar con la imagen inducen en mi absoluta estupefacción. Campos verdes vivos ahogados por un amarillo pasteloso, noches limpias trasformadas en falsas sombras azulonas, colores sepias que entristecen una naturaleza indómita, rojos absurdos… una lástima. Sólo encontré agrado a este juego de luces (que no de filtros) en una escena en la que una estupenda y magnífica Truong Ngoc Anh hace de nodriza (es la mejor interpretación de la cinta). Obviando esos fallos, el director no escatima en efectivos recursos fílmicos y buenos planos.

Cabe destacar una hermosa y penetrante banda sonora a cargo de Duc Trí con quien el director ya colaboró en su primera película “Passage of life”.

(spolier de verdad)

Al final, la historia peca de dramatismo, y eso le resta encanto.

Con esta película seleccionada para el festival de Cannes, Rithy Panh saltó a la palestra mundial demostrando que en Camboya, también se hacía cine. “La gente del arrozal” llega a ser algo tediosa en su desarrollo. Carente de ritmo y con más metraje del que realmente necesita.

Durante ciertos momentos resurge el interés, pero Panh no consigue mantenerlo. Las elipsis que usa son algo confusas ya que intenta sincronizar la historia de un poblado de arroceros con las diferentes etapas en la cosecha del arroz: desde su siembra hasta su recolección. A veces, no sabía si me encontraba en la misma cosecha o no.

Panh consigue una interesante dirección de actores, sobre todo por parte de la hija mayor. En definitiva, película con cierto interés pero fallida en su conjunto.

Ayer me percaté que está ya preparado un remake con Al Pacino a estrenar en el 2009. Para evitar que no me pasara lo mismo que con “Las diabólicas” (visionar primero el remake y mucho tiempo después la original con la otra completamente olvidada) decidí disfrutar ya de lo que se considera la mejor película del recientemente fallecido Jules Dassin.

Puestos a comparar, prefiero el atraco que el gran John Huston realizó cinco años antes. Las similitudes con esta cinta son muchísimas y Bassin no puede competir que la calidad que despliega su colega americano.

Dos serán las escenas que convierten esta película de título extraño en un ejercicio a recordar: el robo en sí, donde el realizador galo se permite el lujo de dejar mudos a la cuadrilla durante veinte minutos (veinte minutos sin mediar palabra, chicos, y la tensión por las nubes) y el viaje en coche de un inconmensurable Jean Servais regresando de la casa de campo.

La verdad es que físicamente, si veo a Pacino en la piel de Jean Servais, lo que no sé es, hasta que punto, Pacino podrá doblegar el recuerdo de una actuación que te deja boquiabierto. Servais lo es todo en “Rififi”. Eclipsa a todos, incluso a los que tampoco lo hacen mal como son sus compañeros de fechorías: Robert Manuel y el propio director Jules Bassin (que hace de galán italiano). Falla Carl Möhner, que no está a la altura del resto de la banda; y falla y mucho la panda de malos-borregos que ponen en aprietos a nuestros cuatro amigos. No me convencen nada y tiran por la borda mucho del buen trabajo que había hecho.

Y la música. La música, la música, la música. (Es como si estuviera suspirando). Lo bueno de ver una película en casa en que a la hora de los sustos y demás efectos sonoros puedes coger unos de los veinte mandos que al día de hoy pululan por nuestra sala de estar y bajar el volumen. Lo que pasa es que aunque podamos cuidar nuestra salud auditiva me sienta fatal hacerlo. Y en Rififi lo hice más de lo necesario. La música de Georges Auric atronaba demasiado. Remarcaba demasiado la acción, la adornaba innecesariamente. No tardé en darme cuenta que la música iba a causarme problemas, tan poco tiempo como el necesario para mostrar los títulos de crédito.

Con una temática muy similar a otra película en cartel, “La familia Savages”, Wayne Wang nos quiere plasmar un choque entre culturas, entre identidades algo perdidas y entre distintas generaciones. Y aunque no descarría en su cometido, si es verdad que se pierde un poco entre las ramas. Wayne consigue una historia tierna pero que no llega a clavar la daga lo suficiente como para que podamos recordarla en unos cuantos meses después de su visionado.

Wang consigue una buena realización, con grandes escenas, bonitas imágenes y buena banda sonora; y unas buenas actuaciones de sus dos actores principales: un tierno y comprometido Henry O, y la fría y triste Faye Yu. El primero consigue gran fuerza en ciertas escenas. Me gustan particularmente los momentos que pasa en el parque con la mujer iraní. Bien sabe quien no domine la lengua anglosajona que fuera de España intentar preguntar cuando sale el siguiente barco se convierte en toda una odisea. Entonces se muestra ese ingenio humano que consigue que dos personas de diferentes partes del planeta consigan entenderse sin hablar una lengua común. ¡A la mierda el esperanto!

La visión de “Mil años de oración” es imprescindible en V.O.

P.D. cuando salí del cine me fui directo a cenar comida china.