Segundo largo de Paul Verhoeven, inspirado en la novela "Turks Fruit" (1969), de Jan Wolkers. Se rodó en exteriores de Amsterdam y Alkmaar y en plató, con un presupuesto estimado de 1 M dólares. Fue nominado al Oscar a mejor película extranjera. Producido por Rob Houwer, se estrenó en septiembre de 1973.

La acción tiene lugar en Amsterdam en 1972/73 y resume un período de tiempo de unos tres años, incluído el flashback que narra el encuentro, la historia de amor y la ruptura de Erik (Rutger Hauer) y Olga (Monique van de Ven). Él es un escultor bohemio, acreditado y apasionado por su trabajo. Desolado y dominado por el recuerdo de su gran amor a Olga, trata de sobreponerse flirteando con amigas ocasionales e imaginando escenas de venganza violenta para descargar su rabia contra los prejuicios que arruinaron su matrimonio. El recuerdo de Olga revive en su memoria más allá de su voluntad, como explica el largo flashback.

La película exalta la libertad sexual y el amor sin tabús, que proliferó en Europa y EEUU en la década de los 60, marcada por la prosperidad económica, el desencanto juvenil asociado a la elevación del éxito económico a categoría de valor central de la sociedad occidental y la progresión de la liberación de la mujer. Erik encarna los nuevos ideales y, como tal, se encuentra enfrentado a la vieja sociedad, que le rechaza por bohemio, extravagante, transgresor e indigno de Olga. La familia de ésta organiza una tenebrosa fiesta con cena en un restaurante chino, a la que invitan a Erik. En ella Olga flirtea con un acomodado hombre de negocios, ante el aplauso de todos y la estupefacción de Eric. La narración del amor de Erik y Olga se desarrolla con gran fuerza narrativa, notable frescura, sentido de la provocación y una estética ferozmente realista que, en ocasiones, busca el rechazo expresionista (ojo de venado en el plato, defecación del can, vómitos, sordidez del apartamento de Erik). El realismo se complementa con escenas de humor surrealista como la boda, la agonía del padre, la inauguración de una escultura en un parque, el fetichismo de Erik (album de mechones de cabello, de vello púbico, fotos, etc.).

La música suma exostismo y lirismo en torno a una sugerente melodía central. Añade un fragmento de la "Marcha Radezky". La fotografía opta por un realismo de gran fuerza visual, no exento de recursos al feismo expresionista, al desnudo y al sexo explícito, libres de obscenidad. El guión construye una historia militante a favor de la liberación sexual de la juventud del momento y en contra de los tabús tradicionales. La interpetación de los dos protagonistas, en su doble debú en cine (Monique tiene 20 años), es rico en naturalidad y desenvoltura. La dirección apuesta por una nueva forma de narrar y por los valores de liberación de los jóvenes y la mujer.

La película constituye un interesante documento sobre la sociedad europea de los años 70 anteriores al primer crac del petróleo (diciembre 1973).

Miquel

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Basado en hechos reales, el film adapta al cine del libro homónimo, ganador del Pulitzer, de los reporteros Bob Woodward (Robert Redford) y Carl Bernstein (Dustin Hoffman),del "The Washington Post". Dirigida por Alan J. Pakula, se rodó en California, Washington y en los Burbank Studios (California). Dispuso de un presupuesto estimado de 8 M dólares. Producida por Walter Coblenz, obtuvo 4 Oscar, otros 10 premios y 20 nominaciones. Se estrenó el 9-IV-1976.

La acción principal tiene lugar en Washington entre el 17-VI-1972 y el 8-VIII-1974. Narra la historia de los hechos sucedidos en la noche del sábado 17-VI-1972 en la sede del cuartel general del Partido Demócrata en el Hotel Watergate y sus consecuencias.

Woodward recibe de madrugada una llamada telefónica del redactor-jefe del WP. Le pide que vaya a los juzgados, porque Al Lewis, reportero de noche, ha estado en el Hotel Watergate y le ha puesto al corriente de lo que allí ha ocurrido durante la noche. En el juzgado Woodward advierte que en torno a la defensa de los 5 acusados se mueven abogados de gran renombre. Además, a los detenidos se les halla en posesión de cantidades elevadas de dinero, en billetes nuevos de numeración correlativa. Se les acusa de intento de robo de documentos, pinchado de teléfonos e instalación de sistemas de escuchas en las oficinas del Partido Demócrata. La dirección del diario asigna a Woodward como compañero a Bernstein. Ambos emprenden una ardua labor de investigación, que topa con grandes dificultades. Un confidente anónimo, Garganta profunda (titulo de una película erótica) (Hal Holbroock) les aconseja que sigan "la pista del dinero", lo que les permite avanzar. El severo y tenaz juez John Sirica consigue que el imputado James W. McCord confiese que algunos altos cargos del Gobierno (Dean y Magruder) conocían previamente el asalto a la sede demócrata. Iniciado el proceso, Joan Dean, asesor especial de Nixon, coopera con el Jurado senatorial: confiesa su responsabilidad, la de John Mitchell, Ehrlichman y Haldeman y la exigencia de E. Howard Hunt de 120 mil dólares para guardar silencio. Se conoce, además, que existen cintas magnéticas con grabaciones de las conversaciones de la Casa Blanca, que pueden demostrar que Nixon autorizó la operción Watergate. La cinta magnética llamada del "smoking room" es estregada el 5-VIII-1974 y tres días más tarde, el 8-VIII-1974, Nixon dimite.

La música, de David Shire, aporta bonitas composiciones, que suenan de modo espaciado y moderado. La fotografía es luminosa y descriptiva. Muestra la fatiga, el desánimo y la angustia de los reporteros. El guión describe los hechos con precisón y minuciosidad. La interpretación de Jason Robards y los 2 protagonistas es excelente. El doblaje al español del DVD puesto a la venta en mayo 2006 presenta algunas deficiencias. La dirección crea un relato documental, bien construído y de gran interés.

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La película muestra la importancia del periodismo de investigación, la prevalencia de la Justicia a la que se hallan sometidos todos los ciudadanos y la grandeza de la división democrática de los poderes del Estado (legislativo, ejecutivo y judicial).

Miquel

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Norman Jewison sustituyó a Peckimpah en la dirección a causa de diferencias con el productor Martin Ransohoft. Basada en la novela "Cincinatti Kid", de Richard Jessup, presenta semejanzas con "El buscavidas" (1961), de Rossen.

La acción se localiza en Nueva Orleans (Louisiana) en los últimos años 30. Narra la historia de un joven (Kid), de unos 30 años, aficionado a las cartas y las mujeres, que se enfrenta en una mesa de póquer al mejor jugador del momento, L. Howard (Edward G. Robinson), para arrebatarle el prestigio de ser "El rey". Dos mujeres, Melba Nail (Ann Margret) y Christian (Tuesday Weld) luchan por conquistar su corazón. La película está dividida en dos partes. La primera presenta los personajes principales en el marco de una historia más melodramática que romántica. La segunda se centra en la descripción de los múltiples factores que se implican en una lucha de muchos por intereses muy diversos, en escenas de gran fuerza dramática y excelentes climas de tensión. La película plantea diversas cuestiones de interés: la fuerza de la venganza, las raíces de la ambición, el rostro innoble de la coacción, la defensa del honor y la preeminencia de la dignidad sobre la utilidad. Esta última reflexión se hace a propósito de la película francesa "La kermese heroica" (1931), de Jacques Feyder. Son escenas memorables la riña de gallos, el desfile por la ciudad de una comitiva que baila y canta y la secuencia final.

La música, original de Lalo Schifrin ("Bullit"), integra 14 composiciones, que suman 60 minutos. La voz de las canciones es de Ray Charles. El tema principal ("The Cincinatti kid") se ofrece en dos versiones: cantada (inicio y final) e instrumental (escenas intermedias). El sentido descriptivo de algunos fragmentos no desluce, sino que refuerza la calidad cromática y el vigor de la banda. La fotografía utiliza contrastes de fondos oscuros, claros, o desdibujados por el enfoque, que marcan escalas de color. La filmación de estudio se beneficia de una iluminación variada y versátil. Capta con acierto la tensión de los rostros, el clima de expectación que rodea a los jugadores, la lucha mental y emocional entre ellos y el aire circunspecto y preocupado del protagonista. La interpretación de McQueen está hecha con el corazón y con talento. Edward G. Robinson, sustituto de Spencer Tracy, demuestra su calidad interpretativa en el papel de hombre orgulloso, sibarita y presumido. Margrett y Weld (sustituta de Sharon Stone) cumplen funciones decorativas. La presencia de Jean Blondell es el gran regalo de la obra al espectador. Muy bien Rip Torn, como malvado, y Karl Malden, como débil. La dirección, una de las mejores de Jewison, se basa en un guión bien construído y un montaje notable a cargo de Hal Ashby.

Película de referencia sobre la lucha por la superioridad de dos titanes. En este caso la lucha es un juego de póquer descubierto.

Miquel

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Tercera y última película de la "trilogía de oro" de Leone, Morricone y Eastwood. Rodada en Almería, fue producida por Alberto Grimaldi.

La acción se localiza en algún lugar del sudeste de la Unión, en los años de la Guerra Civil Americana. Relata la historia de tres pistoleros que buscan un tesoro oculto en una tumba: uno concoce el nombre del cementerio, otro conoce el nombre que figura en la lápida y el tercero sigue a los otros dos. Los tres bandidos son muy diferentes: "Rubio" (Eastwood) es avaricioso y calculador, "Sentencia" (Lee Van Cleef) es despiadado y Tuco (Uli Wallach) es ignorante, pícaro y divertido. Constituyen, en el fondo, tres versiones de un único personaje, sanguinario, salvaje y codicioso. "Rubio" es el bueno por ser el menos malo de los tres, pese a su mezquindad; "Sentencia" es el malo por pegar sin miramientos a María y porque practica la tortura; y Tuco es el feo porque es el menos agraciado, pero el más simpático. Son memorables varias escenas: la batalla del puente, el campo de prisioneros, la discusión entre Tuco y su hermano Pablo y la escena final. Se incluye una invitación a reflexionar sobre la guerra: el comandante sudista de la batalla del puente y al coronel unionista del campo de prisioneros son personas amargadas y fustradas porque ven la inutilidad y el horror de la guerra.

La música, compuesta por Morricone y dirigida por Bruno Nicolai, está más elaborada que en las dos ocasiones anteriores y tiene una duración mayor (casi una hora). Cuenta con la participación de la soprano italiana Edda Dell'Orso y del cantante español Kurt Savoy, que dominaba seis tipos diferentes de silbido. La banda sonora da empaque, altura, emoción y solemnidad a la acción, que no deja de ser burlona e irónica. Son admirables las composiciones tituladas "Trío", "El desierto" y "El éxtasis del oro". Esta última, con una melodía alegre y eufórica, sugiere el hallazgo de la tierra prometida. En numerosas ocasiones la música cesa subitamente y da paso a un silencio que exalta la narración visual. La fotografía corre a cargo del gran Tonino Delli Colli ("El verdugo"), que da a la imagen un aire muy sugerente. Usa primerísimos planos, que combina con planos generales, da gran importancia al claroscuro, muestra preferencia por el negro, los ocres y los blancos ligeramente dorados. La interpretación de los tres protagonistas es convincente. Por su dificultad, destaca el acierto de Uli Wallach en el papel de Tuco. La dirección es soberbia en el movimiento de actores, sobre todo en las escenas multitudinarias; la gestión del espacio visual, que dimensiona según las conveniencias de cada escena; el ritmo de la obra con crescendos en los momentos culminantes (tortura de Tuco, agresión a María, secuencia final y escena de cierre).

Obra excelente, que pone de manifiesto los progresos de un director enfrentado voluntariamente al reto de experimentar para aprender y de aprender para mejorar.

Miquel

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Adaptación realizada por Richard Brooks de la obra “Cat on a Hot Tin Roof”, de Tennessee Williams, ganadora del Pulitzer de teatro de 1955. Se rueda en MGM Studios (Culver City, CA), con un presupuesto de unos 3 millones USD. Producido por Lawrence Weingarten para MGM, el film se estrena el 20-IX-1958 (EEUU). La acción dramática tiene lugar en la mansión de una gran finca rural de Mississippi, a lo largo de una única jornada.

La obra reúne a una actriz consagrada, acreditada y de moda en aquellos momentos, un actor novel que todavía no había conseguido imponerse (sus últimas interpretaciones no habían convencido a todos) y un actor veterano que había interpretado el mismo papel, el del abuelo, en las tablas. La elección de los tres protagonistas principales es acertada y eficaz, como demuestra la fuerza e intensidad de los trabajos que entregan. Elizabeth Taylor crea un personaje que trasmite una potente sensualidad, especialmente en algunos pasajes culminantes. Paul Newman dota a su personaje de fragilidad, indecisión y frustración, de acuerdo con las necesidades de la historia. Burl Ives compone un papel fuerte y brillante que hace que el actor se coma la pantalla en casi todas sus intervenciones. Newman gana su primera nominación al Oscar y Taylor su segunda nominación.

El film recrea con pulcritud y precisión el clima mórbido e insalubre del Sur de EEUU, reconstruido con maestría por Tennessee Williams en sus obras de teatro. Analiza temas diversos y complejos, como la familia, el amor y el afecto, y contravalores como la codicia, la envidia, la hipocresía, el culto a las apariencias y el engaño. Reflexiona, además, sobre las relaciones de padres e hijos y de marido y mujer en la pareja. Añade un apunte sobre el deseo, la pasión y el paso del tiempo. De modo implícito, pero claro, aborda el tema de la homosexualidad masculina.

La acción, ajustada a una puesta en escena brillante y rica en recursos, se desarrolla en tres ubicaciones de interior: el salón de la planta baja, un dormitorio del primer piso y el subterráneo dedicado a almacén. La lluvia y el viento que baten el jardín, junto a los truenos que se oyen, contribuyen a crear la atmósfera densa y agobiante que envuelve a los personajes. El film no oculta su condición de teatro adaptado al cine, pero la acompaña de un movimiento diligente de cámara, una fotografía espléndida de William H. Daniels (creador de la imagen de Greta Garbo) y unos diálogos bien construidos, no exentos de detalles de humor.

La banda sonora recoge composiciones de archivo de la MGM. El “Tema de amor”, de Charles Wolcott, es el leitmotiv de la película. Se sirve de varios temas de André Previn (“Lost in a Summer Night”) y otros y de un fragmento de la Sinfonía nº 5, de Beethoven.

Por la intensidad que desarrolla y por su interés como reflejo de una época y de un tipo de cine de moda en los 50 y 60, la película es atractiva y recomendable.

Miquel

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