Críticas de: Pedro - FilmAffinity

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Película atractiva desde su mismo título, con un perfecto desarrollo de personajes dentro de un mundo rural crepuscular descrito con mimo y detalle; y que a través de un guión muy elaborado, contado además con muy buen pulso narrativo y una interesante estructura, atrapa al espectador de principio a fin.

No se me ocurre casi nada negativo que decir de esta película… Tal vez algún detalle que pareciendo existir con un motivo luego se pierde, o argumentalmente alguna resolución de la trama un poco apurada al final, pero cosas sin importancia en comparación con todas sus virtudes. Bellas composiciones de imágenes desde el mismo comienzo entre girasoles, aunque con una textura fotográfica tosca acorde con el mismo entorno marginal que irá envolviendo a los personajes. Interpretación coral meritoria con muy buena dirección de actores, en la que Sánchez-Cabezudo se ha reservado también un papel de reparto. Curiosamente el del único personaje bien parado en el tratamiento de las miserias, preocupaciones y remordimientos que atrapan a los protagonistas en el transcurso de la acción.

Para ser su primer largo –película además de autor con escritura, dirección e incluso dirección artística– no ha podido bautizarse mejor. En un principio el título iba a ser “Angosto” partiendo antes incluso de estar escrito el guión de una idea del actor Mariano Alameda sobre la espeleología (también presente en la película), y sugiriendo simplemente después la cacofonía sobre el caluroso "agosto" en que se desarrolla la acción, y la "angustia" que irá asfixiando a los protagonistas. Finalmente se eligió “La noche de los girasoles”, más atractivo, y con una vinculación más abstracta si cabe. El autor ha definido su trabajo como un thriller al que se añade un importante elemento dramático, y como thriller asegura que ha intentado seguir las pautas hitchcocknianas, volviendo a un suspense clásico en el que en lugar de engañar al espectador, es éste quien sabe más que los protagonistas. Parece que lo ha conseguido, y pese a que esta película no goza de la comercialización que otras, yo diría que con éxito en el resultado.

No puedo sino terminar subrayando que es ésta también una película sobre el azar, que entrelaza y conduce a los personajes como realmente sucede en buena medida con todas nuestras vidas; en este caso desde un campo de girasoles hasta el último plano del “hombre del motel” que cierra el círculo dibujado por ese lápiz de casualidades.

Entre los factores positivos de este trabajo de Fellini, hay que subrayar por encima de todo su estética. Cuidada fotografía y composición de escenas que ciertamente atrapan los sentidos, acentuando todo ello con la ya clásica partitura de Nino Rota. Aquí el director italiano puede decirse que crea escuela. Técnicamente impecable.

Ahora bien, hay algo en el mundo cinematográfico que debe insuflar alma a una película; y se trata de la forma narrativa. Fellini en esta película no narra, o al menos no lo hace con eficacia, centrándose fundamentalmente en mostrar belleza. Lo que describe son trozos aislados de unos recuerdos carentes de continuidad, y presentando a los personajes en cada uno de ellos dentro de una farsa. En mi opinión esto no es suficiente para construir una historia que deje huella como tal (más allá de la belleza visual). Uno puede valerse de una brillante estética de las imágenes en sucesión de escenas para narrar sin ni siquiera palabras o con muy pocas. Basta con echar un vistazo, por poner algún ejemplo, a obras como “Bin jip (Hierro 3)" de Kim Ki Duk, “El camino a casa” de Zhang Yimou, o a buena parte del cine de Kurosawa y Mizoguchi. Sin embargo, estos directores crean una historia con lo que muestran; “Amarcord” no crea una historia, sino que describe retazos de esperpento. Y para esperpento, le falta por ejemplo el esmero que cineastas como Rafael Azcona, Berlanga o Marco Ferreri ponen en la construcción de sus personajes, en la mejor línea y reflejo de mismo Valle-Inclán –creador de ese nuevo género en las artes escénicas que deforma a los personajes volviéndolos grotescos, pero sin perder el sentido trágico de fondo– . Revisar “Bienvenido Mr. Marshall”, “Plácido”, “El verdugo” o “El cochecito” dan una idea de lo que quiero decir.

Considero, por tanto, “Amarcord” un ejercicio exploratorio del esperpento, con tanta preocupación por la estética como abandono de la narrativa. Definitivamente me quedo con el Fellini de “La Strada”, uno que además de mostrar, narra con lo que muestra.

Interesante y crudo trabajo de denuncia de Brian de Palma, que con un estilo de falso documental pretende acercarnos a lo que han sido -y son- las tripas de una guerra maldita: la de Irak.

Si bien es de agradecer la búsqueda de un modo original de crear realismo documental, intentando situar diferentes observadores internos a los hechos que se suceden, no es menos cierto que fracasa en el intento. Y aunque algunas de las ideas están bien ejecutadas, esa variedad de obervadores -cámaras de vigilancia, soldados grabando en vídeo, una cámara oculta en un casco, imágenes en páginas web de Internet, etc...- termina por resultar forzada y poco natural, dejando precisamente la impresión contraria a lo que pretendía: un realismo creíble.

El desarrollo del guión cuenta además con una serie de clichés tratados demasiado tópicamente para mostrarnos lo que ya nos han contado en decenas de películas de Vietnam o del mismo género con secuencias y diálogos parecidos. La representación de los abusos de los soldados está mostrada de forma demasiado típica a estas alturas de la historia del cine. Y aunque la primera parte en el puesto de control sí se dota de nueva savia y se recrea con cada plano, luego decae para llegar a un final que, aun intentando explotar la nauseabunda condición de personajes a los que la guerra ha hecho perder el norte de los escrúpulos y la humanidad, no termina de cuajar sin poder evitar lo artificioso de las escenas.

Sólo las desgarradoras fotografías tomadas de verdad en el conflicto iraquí y mostradas al final de la película, comunican y conmueven más al espectador que el resto del metraje. Es por esto que Brian de Palma nos deja, pese a las buenas intenciones e ideas de desarrollo, un poco a medias.

Esta película pronto se convertiría en pieza clave y un clásico a imitar dentro del western siendo considerada la primera película moderna del género, que lejos del tratamiento habitual de indios y vaqueros pasaba al análisis interior de los personajes e impecable retrato social norteamericano.

Porque “La diligencia” es ante todo un perfecto retrato de personajes ultimado con solvencia no sólo mediante los diálogos entre los protagonistas sino con el manejo visual de los actos, ademanes y miradas que la cámara de Ford resuelve con inusitada eficacia ayudado de un perfecto manejo de la luz. Un fresco que se constituye en reflejo social de la época del Lejano Oeste, pero que a la vez puede servir para cualquier época. Así sobre cuatro ruedas tiradas por caballos nos encontramos a un representante de la ley, un forajido, un banquero, un jugador de cartas, un médico, una dama, una prostituta, un viajante de whisky, un conductor y un jugador de cartas. Todo un variopinto conjunto de seres que cuando se enfrentan a una misma situación arriesgada sacan lo mejor y lo peor de ellos mismos quedando poco a poco al descubierto tanto las hipocresías de los aparentemente “respetables” como los sentimientos más nobles de los en principio individuos de “mala condición”. John Ford se convierte de este modo en un Molière que en el siglo XX transforma los teatros del XVII en los majestuosos paisajes del Monument Valley para llenarlos con los mismos personajes intemporales que el dramaturgo francés usaba en sus obras maestras.

Aunque inicialmente la estrella indiscutible de la película era Claire Trevor con su papel de la chica de dudosa reputación Dallas, John Wayne comienza a brillar con luz propia en la historia del cine desde esa misma secuencia de su aparición con el rostro inicialmente desenfocado. Efecto éste producto de un error que Ford decidió que quedaba bien y se montó finalmente en la cinta. Todos los demás actores están igualmente geniales en sus papeles, aunque cabe destacar al doctor ocasional de profesión y casi siempre borrachín por vocación interpretado por Thomas Mitchell, quien no en vano se vio recompensado por un Oscar a mejor actor secundario.

Obra en definitiva con un perfecto ritmo que trata simultáneamente tanto la acción y aventura que envuelve a los personajes como las tensiones internas del grupo logrando secuencias inolvidables con el desierto de Arizona de fondo y el polvo del camino que levanta la diligencia hasta completar su ruta en Lordsburg. Allí el bandido Ringo Kid afrontará su ineludible destino y el plano final de Doc Boone y el sheriff Wilcox, tras un noble gesto, nos trae reminiscencias de ese “principio de una gran amistad” de Casablanca dejando con ello esa misma sensación de haber asistido a la proyección de una gran película.

Uno no deja de admirar a esa niña actriz que realizó dos obras maestras del cine español ("El espíritu de la colmena" y "Cría cuervos..."). Y es que Ana Torrent, sus ojos, su expresividad, sus gestos..., son más del 50% de ambas películas.

"Cría cuervos..." tiene además un excelente guión y el buen hacer de un Carlos Saura que sabe sacar el máximo partido a la interpretación de los protagonistas -todos los actores están fantásticos-, colocando la cámara en el sitio apropiado y retratando perfectamente cada rostro. Magnífico trabajo de dirección de actores, que alterna brillantes escenas costumbristas, como la del baile de las niñas, con una trama de misterio que tiene a la pequeña Ana como núcleo central.

La historia se desarrolla desde el punto de vista de los ojos del personaje infantil, y termina con un final lleno de genialidad. Fantasía y realidad se mezclan en el mundo de la infancia, llevando al espectador segundo a segundo al disfrute de cada plano.

Cría cuervos, y te sacarán los ojos... Aunque las cosas no siempre son lo que parecen cuando las mira un niño. Elocuente y reflexiva secuencia final de los escolares yendo a clase mientras suena la música de fondo que da paso a los títulos de crédito... "Tan, tan, tan, taratatán, tan, tan... Hoy en mi ventana brilla el sol, y el corazón se pone triste contemplando la ciudad, ¿por qué te vas?"

Y la sensación que queda es la de haber asistido a la proyección de una de las grandes películas del cine español. Sin duda, lo mejor en la filmografía de Saura.