Ocho años después de la última entrega pop-glam (y huérfana de talento) de Joel Schumacher y trece desde que Tim Burton utilizara al personaje como excusa para sus magníficos delirios gótico-oníricos, el gran Chris Nolan (cuyas seis películas hasta ahora son, como mínimo, notables), tomó las riendas para reinventar al superhéroe creado por Bob Kane, con un resultado magnífico: la primera hora es un excelente ejercicio cinematográfico en el que de una manera veraz se nos cuenta el origen del personaje, su evolución lógica desde el asesinato de sus padres, pasando por el deseo de venganza, el entrenamiento en los preciosos glaciares islandeses bajo la tutela de Henri Ducard y su Liga de Guerreros de las Sombras, hasta la toma de conciencia como paladín del bien frente al mal que acecha su Gotham City natal.
El director y co-guionista (junto a David S. Goyer) opta por redefinir al alter ego de Bruce Wayne bajo una pátina de verosimilitud: es un simple hombre, que, como tal, tiene sus virtudes y debilidades, que se ha trabajado sus propias habilidades, construyendo o adaptando sus gadgets de una manera realista. La historia decae un poco cuando se adentra en el devenir propio de una peli de acción, pero no por ello deja de tener sus méritos: me fascina esa ciudad subyugada al caos, ahogada bajo una atmósfera de maldad y corrupción generalizada, sobre la que los malvados de turno han puesto el punto de mira de sus torvos objetivos.
Las interpretaciones están realmente bien: Christian Bale es el mejor Batman imaginable, lastrado por los miedos y un pasado con el que saldar deudas; Michael Caine es un espléndido mayordomo Alfred, que vela por aquel niño al que arrebataron su infancia; Neeson compone un personaje interesante, alguien cuyo fin es el bien, pero equivocando los medios; Gary Oldman está acertadísimo encarnando a Jim Gordon, un honesto poli, "rara avis" dentro del común de un estamento corrupto hasta la médula; Morgan Freeman, como Lucius Fox, será quien abra los ojos a nuestro héroe sobre la posibilidad de utilizar unos objetos que la empresa de Wayne construía hasta ahora sin darles salida; otros actores contribuyen eficazmente a la historia, como Tom Wilkinson, Cillian Murphy o Rutger Hauer.
En definitiva: resurrección potente de un personaje al que se ha rescatado de interpretaciones inadecuadas a la mítica del superhéroe más ambiguo que existe.

babayu

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Había una vez, en una ciudad del sur de Italia, un barrio llamado Scampia...

...Lo malo es que ese barrio existe, y está en Nápoles, Campania. Matteo Garrone (creador de las interesantes, entre otras, Primer Amor y El Taxidermista) adapta el libro que el escritor y periodista Roberto Saviano hizo sobre la camorra napolitana, en particular centrándose en ese paraíso de la droga, Scampia. Frente a la mucho más organizada y jerarquizada Cosa Nostra siciliana, la Camorra viene a ser una especie de conglomerado pseudoanarquista de grupúsculos más o menos fuertes e interconexionados, que dominan esa región del suroeste italiano.
Garrone hace un enorme esfuerzo en desmitificar, destaparnos la venda que tenemos en los ojos gracias al glamour de los mafiosos hollywoodienses, para mostrarnos una situación terminal, desgarradora y cruda, fea hasta el extremo, donde la vida importa un pimiento y donde cada uno busca salvarse el culo de la mejor manera posible.
La excusa narrativa de cuatro o cinco historias cruzadas es utilizada más que nada para enseñarnos a las ratas en el laberinto, luchando por sobrevivir o por escapar (lo que sólo consigue Roberto, el único que se atreve a decir "No"). Los demás son personajes tristes, desgraciados, atrapados en la naturaleza del barrio, la delincuencia corre por sus venas como la única realidad que conocen, los camorristas son reclutados desde niños por las diversas bandas, y no hay perspectivas de futuro, sólo ese terrible presente.
Me encanta la historia de Marco y Ciro, esos dos chavales émulos de Tony Montana, con ansias por establecerse como "autónomos" en el tinglado del barrio, lo que no es buena cosa, no...
O ese "cobrador", Don Ciro, tan triste y cobarde, o ese Totò, apenas asomado a la pubertad y ya deslumbrado por ese submundo.
Creo que el director ha estado acertadísimo con ese estilo casi docudramático, en el que la cámara parece destinada a ser ojo objetivo de lo que está pasando realmente, sin una intención moralista, porque las imágenes "reales" van cargadas de inmoralidad, y por eso mismo no hay que ponerse en plan didáctico. La fotografía a cargo de Marco Onorato (habitual del cine de Garrone) y el excelente montaje se ponen al servicio de la intención de sus creadores, ese entramado de historias donde no parece haber un hilo conductor, más que ese "o estás con nosotros o contra nosotros".
El elenco al completo, compuesto en su mayoría por no profesionales, está espléndido, en lo que ha sido, para mí, una de las mejores experiencias cinematográficas de este 2008.

babayu

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La que para mí es la mejor peli de Medem, cuarto de sus seis largometrajes, es un perturbador y extraño drama romántico-lírico, en el que se estimula los sentidos y se exige al espectador tener fe; fe en la peculiar mecánica del destino, en la fuerza del amor que todo lo supera, en los giros y recovecos que da la vida, etc. Creo que en ningún momento el de Donostia apuesta por ser un narrador veraz, simplemente va desgranando un cuento, plagado de imágenes poderosas, en el que las casualidades y los azares van uniendo y separando a Otto y a Ana, protagonistas dotados de nombres palindronómicos, lo que contribuye a acentuar el carácter cíclico que el cineasta quiere dar a su historia.
Desde el principio la trama se muestra audaz y atractiva, plagada de elipsis temporales, de flashbacks, de juegos con las dimensiones físicas que aumentan la sensación de "goma", de bucle en el que parecen estar encerrados los personajes, unidos y separados en el tiempo y el espacio.
Hay un buen montón de aspectos positivos en la peli: empezando por el título, tan poeticamente sonoro (todos en la obra de Medem lo son), continuando por esa historia secreta de amor capicúa entre dos hermanastros, casual y matemático, que les arrastra hasta los confines del mundo, concretamente a una cabaña cercana a Rovaniemi, en la Laponia finesa.
La fuerza poética de las imágenes y los personajes debe mucho al particular físico de los actores elegidos, Fele Martínez (en un estado de gracia que acabaría tras rodar Lágrimas Negras) y Najwa Nimri, poseedora de tanto talento como belleza magnética e inquietante.
Me gusta también la soberbia música del habitual colaborador de Medem, Alberto Iglesias, y la foto a cargo de Gonzalo Berridi (que repetía con el vasco tras La Ardilla Roja).

babayu

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30.2 años de esperanza de vida.
99 % de posibilidades de padecer un accidente cardiovascular.
Pero un sueño para unos pocos elegidos, que se da una vez cada setenta años: alcanzar Titán, decimoquinta luna de Saturno.
Potentísima peli de Andrew Niccol (en cuya brevísima filmografía, tres obras dirigidas, cabría destacar El Señor de la Guerra, aparte de su algo más extensa faceta como guionista, entre otras, de La Terminal o El Show de Truman, a la espera del estreno de Dali & I: The Surreal Story), cuya estética se impone sobre un presupuesto que se adivina ajustado: la apariencia es, sin duda, "retro" (que repetirá Jude Law en Sky Captain), recreando un mundo futuro ¿cercano?, regido por la peor discriminación posible, el "genoísmo", en el que, a la manera de la novela de Huxley, Un Mundo Feliz, los humanos estarán clasificados y "marcados" por su genoma, por las virtudes o defectos genéticos que se les han conferido a la hora de ser engendrados.
Contra esto luchará Vincent Freeman (ojo al apellido), un "no válido" que buscará alcanzar su sueño haciéndose pasar por un "válido", por uno de esos ejemplares "genéticamente correctos", utilizando para ello, aparte de la fuerza y el espíritu de superación, al personaje de Law, Jerome Morrow, quien, a pesar de estar dotado de un ADN "pata negra", vio cómo su sueño de ser un héroe de la natación se queda en una trista plata, que le marcará para siempre. La dualidad entre estos personajes es la que mueve realmente la película, así como el esfuerzo del protagonista por superar a su hermano, perteneciente a la casta de los "elegidos". Pero la historia presenta bastante más que un mero debate bio-filosófico, y apuesta por adentrarse en el cine negro más clásico, con su trama policial, su chica y todos los elementos de un thriller convencional; esto es lo que me ha parecido realmente más original, esa mezcolanza de géneros que revalorizan lo que por sí ya sería una buena peli de ciencia-ficción.
Aparte de las talentosas interpretaciones de Uma, Hawke y Law, es destacable la música de Michael Nyman y la fotografía del polaco Slawomir Idziak.
En definitiva, una peli que gana con el tiempo, y que permite reflexionar sobre algo tan peligroso como la manipulación genética.

babayu

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Potente y semidesconocida historia que nos llega de las antípodas, escrita y dirigida por Brad McGann (de quien pudimos ver en Gijón su excelente corto Possum, premiado hace una década, y que lamentablemente sólo nos dejará este largo, pues ha fallecido hace apenas año y medio).
Lo que empieza siendo la típica trama de vuelta a las raíces, a la búsqueda de un mundo anterior y/o interior, evoluciona repentinamente hacia un thriller policiaco, un tanto peculiar, ambientado en un sitio donde no parece pasar nada que altere la tranquila y aburrida existencia de sus habitantes. Pero ya se sabe que hay que escarbar un poco para descubrir los demonios que habitan bajo la tierra de cualquier lugar, por muy pulcro y apacible que sea en apariencia, y la peli se transforma en algo casi "lynchiano" (tanto las particularidades de las historias familiares como esa ambientación en la neozelandesa Otago me recuerdan bastante, salvando el punto surrealista, a Twin Peaks).
El tour de force interpretativo entre Mathew MacFayden (a quien pudimos ver de Mr. Darcy en Orgullo y Prejuicio), que hace de Paul, ese fotógrafo de guerra que vuelve a su tierra, y Emily Barclay, Celia, la inquieta adolescente con la que mantiene una relación que se presume extraña, es sumamente interesante.
Otro aspecto notable es la banda sonora, a cargo de Simon Boswell, tan agradable como ecléctica, en la que se intercalan temas de la superestrella de la ópera local, Kiri Te Kanawa y de la grandísima Patti Smith, como el Free Money que acompaña a los créditos finales. También me parece estupendamente fotografiada por Stuart Dryburgh, que tiñe la belleza de los paisajes de Nueva Zelanda de tonos grises y oscuros, que acentúan la melancolía y la cierta perversión de lo que nos cuenta su director.

babayu

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